Einführung
Kunst ist eine Sammlung von Dingen, die zur Beschreibung verschiedener menschlicher Aktivitäten oder sogar Produkte verwendet werden. Im Allgemeinen wird sie für Zeichnungen, Skulpturen, Film, Malerei und Fotografie verwendet. In anderen Medien wird Kunst auch für Musik, Theater, Origami, Tanz und sogar Literatur verwendet (Fleming, 2005, S. 23). Kunst und Design lassen sich in der Geschichte zurückverfolgen, und im Folgenden werden die Entwicklungsstufen zwischen 1500 und 1950 dargestellt.
Das Zeitalter der Renaissance (1500 bis 1550)
Während der Renaissance galt Albrecht Dürer (ein deutscher Künstler) als der größte Grafiker und Maler. Er spielte eine wichtige Rolle in der bildenden Kunst und im Design, indem er seine eigenen Bilder und Landschaftsgemälde für bestimmte Orte malte. Im Jahr 1504, also in der Hochrenaissance, schuf Michelangelo (ein italienischer Künstler) die Statue des David (Janson, 2004, S. 77).
Die stehende männliche Statue stellte den biblischen Helden David dar. Wegen dieser Darstellung wurde sie später als Symbol der Verteidigung verwendet. Im Januar 1506 wurde das Gemälde der Mona Lisa als das größte Gemälde der Renaissancezeit betrachtet. Das von Leonard DiVinci (ebenfalls ein italienischer Künstler) gemalte Halbporträt der Mona Lisa enthielt mehrere Geheimnisse und Mysterien, die bis heute von Unklarheiten umgeben sind.
Darauf folgte ab 1520 die Epoche des frühen Manierismus, die von 1520 bis 1600 andauerte. In dieser Periode stellte das Genre der Kunst die menschliche Gestalt in verschönerten und unpraktischen oder unrealistischen Umgebungen dar.
Es ist diese Periode, die die Hochrenaissance mit dem Barock verbindet. Im Jahr 1530 gab es einen französischen Verleger aus Paris, der zufällig der führende Schriftgestalter war (Fleming, 2005, S. 67). Er schuf die Apostrophe, die Cedille und den Akzent neben mehreren anderen Schriften, darunter die Garamond, Sabon und Granjon.
Manierismus Zeitraum
Im Jahr 1561 wurde die erste europäische Zeichenschule gegründet, die die europäische und die amerikanische Kunst miteinander verband (Florence Academy of Art), um anhand von Texten und Bildern, die sie inspirierten, hochwertige Kenntnisse der klassischen Zeichen-, Skulptur- und Malstile zu vermitteln (Franklin, 1994, S. 117).
Die Epoche der Barockkunst war die längste, da sie ein Jahrhundert dauerte (1600 bis 1700). Sie war geprägt von kühnen, dramatischen und farbenfrohen Gemälden, Porträts und Skulpturen. Die Barockkunst stützte sich in der Regel auf weltliche Herrscher, weil sie sich auf absolute, realistische und tragbare Kunstwerke konzentrierte.
Das Rokoko war ein Stil, der sich Anfang 1700 durchsetzte und 70 Jahre lang andauerte. Er wurde von vielen Bereichen der Kunst wie der Bildhauerei und der Malerei beeinflusst. Dieser Stil entstand als Reaktion auf den Prunk und die strengen Regeln des Barocks, insbesondere des Schlosses von Versailles (Fleming, 2005, S. 108).
Im Januar 1707 nahmen Kunst und Design einen anderen Verlauf, nachdem Ehrenfried von Tschirnhaus und Johann Friedrich Bottger aus Deutschland eine Formel für die Verwendung von Feldspatgestein in der Kunst entdeckt hatten.
Der Künstler nutzte es zur Herstellung und Entwicklung von Porzellankeramik. Im Jahr 1722 brauchte man dann etwas Einzigartiges, das man während der Unabhängigkeit präsentieren konnte, da zu dieser Zeit viele Länder ihre Unabhängigkeit erlangten (Franklin, 1994, S. 159). Zu dieser Zeit wurde die Caslon Old Style Font entwickelt und für den Druck der Unabhängigkeitserklärungen verwendet.
Die Kunst war das Ergebnis einer Rebellion gegen die französische Barock- und Rokokokunst, die der Bewegung vorausging. Der Neoklassizismus betonte die Angemessenheit und die Wiedergeburt der Tradition. Neoklassizistische Künstler integrierten klassische Stile und Themen in ihre Werke (Franklin, 1994, S. 56). Sie waren sehr darauf bedacht, die Kostüme und Schauplätze klassischer Themen genau darzustellen.
Zeitalter des Neoklassizismus (1750 und 1800)
Die industrielle Revolution (das Buch der Mechanik) im Jahr 1760 hatte einen immensen Einfluss auf Kunst und Design (Janson, 2004, S. 132). Sie beeinflusste die Romantik und zwang den Realismus in die Kultur. Dies veranlasste die Künstler, realistischere Werke zu schaffen und gleichzeitig die Kreativität und die phantasievollen Aspekte zu berücksichtigen. Im Jahr 1768 wurde die Royal Academy of Arts in London auf Veranlassung von König Georg III. gegründet. Ihr Hauptziel war es, die Kunst des Designs durch Unterricht und Ausstellungen zu fördern (Fleming, 2005, S. 121).
Das Louvre-Museum in Frankreich wurde 1793 gegründet und beherbergt weltberühmte Kunstwerke wie die Monalisa und die Venus von Milo. Im Jahr 1794 begannen die französischen Armeen, Kunstwerke aus Europa zu sammeln, um das Louvre-Museum als Symbol der Souveränität einzurichten (Janson, 2004, S. 168).
Die Lithografie wurde 1796 von einem Schriftsteller namens Alois Senefelder erfunden. Unter Lithografie versteht man die Kunst des Druckens unter Verwendung eines Metalldeckels mit einer völlig weichen Oberfläche oder eines Steins. In den Anfängen der Lithografie wurde ein weiches Stück Kalkstein für den Druck verwendet.
Die Romantik um 1800, die 50 Jahre lang anhielt, inspirierte auch die heroischen Ideale während der französischen Revolution (Pointon, 1997, S. 145). Die Franzosenkriege lieferten den Künstlern neue Ideen, Symbole und Grundlagen für die Kunst. Im selben Jahr gab die Erfindung der gusseisernen Druckerpresse, die von Lord Stanhope aus Gusseisenteilen hergestellt wurde, der Kunst ein neues Aussehen, da sie in der Lage war, das Doppelte der möglichen Papiergröße zu drucken.
Im Jahr 1798 entwickelte Nicholus Louis Robert den Prototyp einer Maschine, mit der Papier auf einem fortlaufenden Stück Drahtgewebe hergestellt wurde. Die Maschine wurde 1807 von Bryan Donkin weiter verbessert (Franklin, 1994, S. 199). Die Nazarener-Bewegung von Friedrich Overbeck und Franz Pforr im Jahr 1810 veränderte und entwickelte die Kunst ebenfalls, indem sie danach strebte, Ehrlichkeit und Spiritualität in die christliche Kunst zurückzubringen. 1841 wurden die Farbtuben von dem Maler John Rand erfunden. Sie förderten die Kunst, indem sie den Künstlern mehr Freiheit gaben und die Pleinairmalerei förderten.
Die Bewegung des Realismus tauchte 1850 wieder auf, um die soziale Wahrheit darzustellen, die in Vergessenheit geraten zu sein schien (Franklin, 1994, S. 209). Die Kunst war einfach und basierte auf den alltäglichen sozialen Aktivitäten. Die Kunst- und Handwerksbewegungen von William Morris im Jahr 1861 waren ebenfalls ein wichtiger Impuls für die Entwicklung von Kunst und Design. Als prominenter Designer, Drucker, Buchbinder, Schriftsteller, Künstler und Handwerker inspirierte er zu seiner Zeit viele Künstler, die ihm nacheifern wollten (Pointon, 1997, S. 156).
Im Jahr 1859 erfand Firmin Gillot die Fotolithografie. Diese Maschine diente der Erzeugung von Bildern und Mustern mit Hilfe von Licht. Darüber hinaus führte die Einführung des Rasters im Jahr 1880 dazu, dass das erste Foto mit einer breiten Palette von Farbtönen gedruckt werden konnte (Fleming, 2005, S. 155).
Im Jahr 1869 widmeten Kunst und Design dem Licht im Freien mehr Aufmerksamkeit und folgten damit dem französischen Impressionismus. Es folgten der Jugendstil und die Sezessionsbewegung im Jahr 1890. Ihr Ziel war es, den traditionellen Auftrag der offiziellen Akademien loszuwerden und alle Künste zu verschmelzen (Osterwold, 2003, S. 45).
Im Jahr 1919 wurde in Deutschland die Bauhaus-Schule gegründet, die durch die Verbindung von Kunst, Handwerk und Technologie zu einer neuen Design-Philosophie einen gewaltigen Entwicklungsschub in der Kunst bewirkte. Die surrealistische Bewegung wurde durch den Kubismus, Freud und die sozialistische Philosophie motiviert und wurde von Salvador angeführt, um das Sinnliche mit dem Unsinnlichen zu verbinden (Franklin, 1994, S. 287).
Das Magazin förderte 1940 die Kunst, indem es den Entwürfen verschiedener Künstler eine bessere und breitere Anerkennung verschaffte. Dies ermutigte Künstler und Designer. Schließlich dominierte 1950 die Pop Art, die von Andy und Warhol eingeführt wurde. Sie war sehr beliebt, weil sie sich auf die Massenproduktion und den Konsum konzentrierte (Osterwold, 2003, S. 91).
Schlussfolgerung
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Kunst ein hervorragendes Mittel ist, um die Kultur, den Glauben und die Tabus von Gemeinschaften zu stärken und zu bewahren. Sie ist auch ein Bindeglied zwischen den Generationen, und daher sollten alle Arten von künstlerischen Werken für die künftige Entwicklung bewahrt werden. Nach Fleming (2005, S. 177) sollten Künstler auch den Wandel annehmen, da er unvermeidlich ist, und die Vorteile von Innovationen und Technologie nutzen, um sie zu entwickeln.
Referenzen
Fleming, H. H. (2005). Eine Weltgeschichte der Kunst. London: Laurence King.
Franklin, M. B. (1994). Entwicklung und die Kunst. London: Routledge .
Janson, H. W. (2004). Geschichte der Kunst: Die westliche Tradition. New Jersey: Prentice Hall Professional.
Osterwold, T. (2003). Pop Art. Köln: Taschen.
Pointon, M. R. (1997). Geschichte der Kunst. London: Routledge.