Einführung
Unter den verschiedenen Phasen der Kunstentwicklung ist es nicht immer einfach, eine Periode herauszugreifen und zu beweisen, dass sie das herausragendste und fesselndste Thema ist, das es zu behandeln gilt. Jede Kunstepoche hat ihre eigenen Besonderheiten, Merkmale, sozialen Bedingungen und Auswirkungen auf die Menschen. In dieser Arbeit werden zwei verschiedene Epochen für die Analyse und Bewertung ausgewählt: die klassische Kunst und die Kunst des Mittelalters.
Die Besonderheit dieser beiden Epochen besteht darin, dass sie lehren und den Menschen helfen sollen, das Leben, seine Regeln und Ordnungen zu verstehen. Die klassische Periode der Kunst lehrte jedoch über Götter und Göttinnen, Führer und gewöhnliche Menschen, während die mittelalterliche Periode sich ihrerseits auf die Religion und ihre Bedeutung für die Menschen konzentrierte.
Klassische und mittelalterliche Kunstperioden zeigen einerseits die Kraft der Idee, Traditionen fortzusetzen, um die Menschen zu lehren und ihnen die Grundlagen des Lebens zu vermitteln, und andererseits die Notwendigkeit, auf die vorangegangenen Perioden zu reagieren, indem die Hauptthemen geändert werden, um die Möglichkeit zu beweisen, sich weiterzuentwickeln, sich zu verbessern und ein tiefes Bewusstsein für die Natur zu entwickeln.
Der Klassizismus in der Kunst als kraftvolles Beispiel für Form und Ordnung
Die erste anerkannte Kunstperiode wurde auf die Zeit von 480 v. Chr. bis 500 n. Chr. datiert und als klassische Kunst bezeichnet. Diese Periode der Kunst wurde in der Regel den Griechen zugeschrieben, die ihre Interessen und Überzeugungen mit Hilfe von Skulpturen, Gemälden und anderen Arten von Kunstwerken darstellten.
Beard und Henderson (2001) räumen ein, dass diese Periode “zur entscheidenden Episode in der Geschichte der antiken Kunst geworden ist: Es gab die ersten Versuche einer kritischen Analyse von Malerei und Skulptur und die Erfindung des ‘Künstlers’ als berühmte Figur” (S.3). Wie jede Kunstepoche hat auch die klassische Kunst eine Reihe von Merkmalen, die die Aufmerksamkeit der Menschen auf sich ziehen, die Bedeutung dieser Zeit belegen und klare Vorstellungen vermitteln, anhand derer die Menschen in der Lage sind, die Kunstwerke und den Beitrag der antiken Menschen zur Kunst zu bewerten.
Erstens konzentrierten sich die Künstler auf die Idee der Harmonie: Sie versuchten, alle zusätzlichen Themen, Dinge und Details zu entfernen, um das Wesentliche darzustellen. Zweitens ist die große Mehrheit der Werke der menschlichen Nacktheit (Abbildung 1) und der Schönheit des Körpers gewidmet. Um diese Schönheit zu unterstreichen und die Welt zu idealisieren, konnten die Künstler Gewänder oder andere Arten von Kleidung verwenden, die Vorlieben in Bezug auf Kultur, Stil und sogar sozialen Status demonstrierten.
Weitere Merkmale dieser Epoche sind die Körperhaltung (in der Regel aktiv und sportlich), ruhige Gesichter (das Fehlen von Emotionen gibt den Menschen die Möglichkeit, über die aktuelle Situation nachzudenken), bestimmte Berufe der Figuren (Helden, Schriftsteller, Denker), das Vorhandensein von Bildhintergründen (Aufmerksamkeit für Sinn und Perspektive).
Die sozialen Bedingungen der gewählten Epoche waren eng mit dem Lebensstil des griechischen Volkes verbunden: Kriege, die dazu dienten, Anerkennung, Macht und Raum zu gewinnen; Liebesbeziehungen, die Götter und Menschen vereinten; der Glaube an höchste Mächte, der der Grund für die Schwäche der Menschen gegenüber den Göttern war; und schließlich Veränderungen und Verbesserungen der Lebensbedingungen, die zeigen, wie sehr die Menschen der Antike nach Erfindungen und Neuerungen strebten.
Die klassische Periode der Kunst ist eine einzigartige Kombination aus Macht und Glauben, Menschen und Göttern, Vertrauen und Verrat. Diese Epoche repräsentiert eine Grenze, nach der die Menschen versuchten zu leben, zu lieben und zu überleben. Die Kunstwerke des Klassizismus sind die besten und wirksamsten Beweise für den Wohlstand der gewählten Epoche.
Die mittelalterliche Kunst als Ergebnis von Wohlstand und Stabilität der Bevölkerung
Die mittelalterliche Kunst oder die Kunst des Mittelalters ist eine Art Nachfolgerin des oben erwähnten Klassizismus. Sie wird in der Regel auf die Zeit von 500 bis 1300 n. Chr. datiert und war vor allem in der europäischen Gesellschaft verbreitet. Sekules (2001) erklärt, dass es “eine perverse Tendenz unter Künstlern und Mäzenen gab, die Regeln umzustoßen und Erwartungen zu durchkreuzen, um die Betrachter dazu zu bringen, über die Möglichkeiten einer einzigen Bedeutung, mehrerer Bedeutungen oder eines Mangels an Bedeutung nachzudenken” (S. 3).
Die Analyse dieser Kunstepoche beweist, dass die Vertreter der mittelalterlichen Kunst ihr Bestes taten, um eine angemessene Fortsetzung der Traditionen und Ideen zu schaffen, die in der klassischen Periode angeboten wurden. Obwohl der mittelalterlichen Kunst eine Reihe von unterschiedlichen Tendenzen innewohnten, hatten alle diese Unterschiede eine starke Grundlage und klare Erklärungen.
Unter den zahlreichen spezifischen Merkmalen der gewählten Periode sind folgende hervorzuheben: religiöser Charakter aller Kunstwerke, die die Rolle Jesu in der Gesellschaft demonstrieren, Einfluss von Heiligen und anderen biblischen Figuren; Identifizierung von Haupt- und Nebenfiguren auf den Gemälden (die Hauptfiguren waren größer und heller); Fehlen von Nacktheit, die für klassische Werke so typisch war (Abbildung 2); Bevorzugung heller Farben; Gesichter voller ernster Emotionen und Vertrauen.
Um eine angemessene Fortführung von Traditionen darzustellen, ist es wichtig, sich nicht nur auf die Errungenschaften und Erfindungen zu stützen, sondern auch zu beweisen, dass die Gesellschaft in der Lage war, sich zu verändern und andere Aspekte zu berücksichtigen und zu respektieren.
Die Vertreter der mittelalterlichen Kunst waren als diejenigen bekannt, die warme Farben und insbesondere Gold bevorzugten (Abbildung 2). Sie glaubten wirklich, dass eine solche Aufmerksamkeit für Farben sie näher an Jesus und den Religiösen, an die sie glaubten, heranführen könnte. Viele mittelalterliche Künstler wollten den Menschen beibringen, wie man die höchste Macht respektiert, welche Auswirkungen diese Macht auf den Menschen haben kann und warum die Religion so wichtig für das menschliche Leben ist.
Gemeinsamkeiten und Unterschiede zwischen Klassizismus und mittelalterlicher Kunst
Die Idee, Traditionen zu bewahren, erweist sich für den Bereich der Kunst über einen langen Zeitraum hinweg als wichtig. Es reicht nicht aus, einen neuen Kunstansatz zu präsentieren und ihn als neue Kunstepoche zu definieren. Deshalb ist es notwendig, die Traditionen fortzuführen und über die bestehenden Errungenschaften nachzudenken.
Die Vertreter der mittelalterlichen Kunst versuchten, dasselbe Material zu verwenden wie die Vertreter der klassischen Epoche, um zu zeigen, dass das gewählte Material wirklich stark und für den gewählten Bereich geeignet war.
Mit Hilfe von Hintergründen und der Zentralisierung der Figuren (die aus dem Klassizismus stammten) führten die mittelalterlichen Künstler die Werke ein und schenkten den Hauptbildern mehr Aufmerksamkeit, indem sie die Notwendigkeit der Nebenfiguren verringerten. Der Respekt vor den Göttern (Klassizismus) hatte viel mit der Religion (mittelalterliche Kunst) gemeinsam, denn beide Tendenzen zeigten die Abhängigkeit des Menschen von der Macht.
Schlussfolgerung
All diese Unterschiede und Gemeinsamkeiten zweier verschiedener Kunstepochen dienen als gutes Beispiel dafür, wie Menschen ihr Leben entwickeln, lehren, bewerten und analysieren können. Die Idee, die Grundlagen des Klassizismus zu nutzen und die mittelalterlichen Werke zu verbessern, klingt perfekt, denn so sollten Fortführung und Kreativität zusammenarbeiten.
Die historische Bedeutung der mittelalterlichen Kunstepoche für die Weltkunst im Allgemeinen liegt darin, dass die Menschen bewiesen haben, wie sie ihr Wissen und ihre Erfahrung nutzen können, um großartige Werke, Skulpturen und Gemälde zu schaffen und eine künftige Generation zu lehren, wie man sich erfolgreich entwickelt.
Referenzliste
Beard, M. & Henderson, J. (2001). Classical Art: From Greece to Rome. New York: Oxford University Press.
Sekules, V. (2001). Mittelalterliche Kunst. New York: Oxford University Press.
Anhang
Abbildung 1: Apollo
Abbildung 2: Die Ikone des Heiligen Johannes des Evangelisten.