Einführung in die romantische Musik
Wenn man die Musik des 19. Jahrhunderts zusammenfasst, fällt sie oft unter eine gemeinsame Kategorie – die Romantik. Der Ausdruck “romantische Musik” bezieht sich nicht unbedingt auf den romantischen Aspekt der Liebe, auch wenn dies ein häufiges Thema der Inspiration war. Der Begriff bezieht sich auch nicht auf den Ausdruck oder die Erweiterung von musikalischen Konzepten. Die Romantik im 19. Jahrhundert war vielmehr die Weiterentwicklung bestehender musikalischer Ideen zu ausdrucksvolleren und “leidenschaftlicheren” Klangformen (Orrey, 1994).
Die musikalische Romantik brachte berühmte Komponisten wie Beethoven, Schubert, Brahms und Tschaikowsky hervor, neben vielen anderen großen Musikern (Plantinga, 1967). Die Komponisten dieser Zeit waren stark vom klassischen und barocken Stil beeinflusst, aber in Wirklichkeit war die Musik des 19.
Die musikalische Entwicklung dieses Jahrhunderts war, was die technischen Aspekte betrifft, einer der größten Übergänge in Europa von den alten Musikschulen wie der von Mozart. Die Modulation selten verwendeter Tonarten wurde zu einem gängigen Stil der Komponisten, und im Gegensatz zur klassischen Struktur der Musik waren die Zuhörer weniger vorhersehbar in Bezug auf den Anstieg und Abfall von Ton und Lautstärke (Plantinga, 1967). Der Charakter der verminderten Septime und verwandter Akkorde wurde auch als Unterscheidungsmerkmal für romantische Musik verwendet. Außerdem wurden melodischere und thematisch inspirierte Kompositionen von den Mäzenen in ganz Europa bevorzugt und gefordert (1967).
Durch Bühnenauftritte, die es schon lange vorher gab, erlangte eine neue Gruppe virtuoser Künstler langsam weltweite Anerkennung, nicht nur für ihre Kompositionen, sondern auch für die Darbietung ihrer Stücke auf der Bühne. Ihre stilistischen und formalen Innovationen in Bezug auf die Verwendung der Instrumente und die Schaffung eines neuen Klangs veränderten die Art und Weise, wie Musik geschrieben und komponiert wurde. Diese Komponisten und Interpreten erforschten die Fähigkeit eines Instruments, einen flüssigeren und gleichzeitig kräftigeren Ton zu erzeugen, indem sie den Notenkontrasten und -übergängen größere Bedeutung beimaßen (Leopold, 2006). Die musikalische Präzision, die von den Komponisten dieses Jahrhunderts entwickelt wurde, definierte auch einen Großteil der entstandenen Musik, aber mit dieser Entwicklung ging auch der Beginn eines Kults von Interpreten einher, die ihre Beherrschung von Technik, Tempo, aktiven Nuancen und Charakter demonstrierten. Man kann sagen, dass die Instrumentalkonzertkünstler im 19. Jahrhundert ihren Höhepunkt erreichten.
Meister des 19. Jahrhunderts: Beethoven
Ludwig van Beethoven, der große deutsche Pianist, war einer der Dreh- und Angelpunkte des Übergangs von der Klassik zur Romantik. Er studierte bei Joseph Haydn, einem ebenso bekannten klassischen Komponisten. Er ließ sich in Wien nieder und lebte dort bis zu seinem Tod am 26. März 1827 (Clive, 2001). Er schuf Werke der verschiedensten Genres, von der romantischen Liebe bis zu den Idealen der Aufklärung. Seine Komposition “Heroische Symphonie, komponiert zum Andenken eines großen Mannes” aus dem Jahr 1804 handelte eigentlich von den Eroberungen Napoleon Bonapartes und wurde im Palast eines seiner prominentesten Gönner, Fürst Joseph Franz von Lobkowitz, uraufgeführt (2001) Beethoven besaß eine starke Persönlichkeit. Seine fortschreitende Hörbehinderung hielt ihn nicht davon ab, aufzutreten und zu komponieren, sie war jedoch die Ursache für seine tiefen Depressionen und Selbstmordversuche. Er trat nie auf unmittelbare Aufforderungen hin auf, aber wenn er auftrat, musste er seiner Musik seine volle Aufmerksamkeit widmen. (Robbins, 1970). Seine Werke wurden in drei Perioden eingeteilt – die frühe, die mittlere und die späte. Die frühe Periode seiner Werke, die von 1793 bis 1804 reicht, begründete seine Karriere als virtuoser Pianist. Im Gegensatz zu seinem angeblichen Genie als Komponist spezialisierte er sich zunächst eher auf das Klavierspiel als auf die Komposition von Musik. Zu seinen ersten berühmten Werken gehören die Erste und Zweite Sinfonie “Opus 18” und die Sonate “Pathétique”. (Clive, 2001). In dieser Phase seiner Karriere zeigte er noch seine klassischen Einflüsse von Mozart und Haydn.
Der Übergang zur Romantik war am deutlichsten bei seiner Rückkehr von Heiligenstadt nach Wien zu erkennen. Seine mittlere Schaffensperiode war die Zeit seiner innovativsten Kompositionen und gab den Anstoß zu dem, was die musikalische Sprache für das gesamte 19. Seine mittlere Periode wurde auch als “heroische” Periode bezeichnet, in der er sich der Komposition längerer Stücke widmete, die die Themen Kampf und Heldentum behandeln. Die “Dritte Sinfonie in Es” war das erste Werk, in dem sich sein Stilwandel abzeichnete. Dieses Werk wurde auch “Eroica” genannt. (Robbins, 1970). Diese besondere Komposition verlangte den Orchestermusikern mehr ab und löste bei ihrer Uraufführung gemischte Kritiken aus, da einige Zuhörer eine fehlende oder unzureichende Struktur erwarteten. Nichtsdestotrotz entstanden in seiner mittleren Schaffensperiode mehr und mehr Kompositionen wie die “Appassionata”, “Christus am Ölberg”, das “Violinkonzert” und die “Mondscheinsonate” – ein Stück, das er seiner angeblichen Verlobten Guicciardi (1970) widmete. Mit diesem Teil seiner Karriere hat er sich zusammen mit seinen Mentoren unter den großen Komponisten etabliert.
1815 war der Ausgangspunkt für sein Spätwerk. Seine Kompositionen aus dieser Zeit waren intensiver und persönlicher, was vor allem auf seine schwindende Gesundheit und seine persönlichen Probleme zurückzuführen war. Die “Neunte Symphonie” wurde in dieser Zeit komponiert und Beethoven entschied sich, im letzten Satz Chorgesang zu integrieren (Robbins, 1967). Er interessierte sich wieder für die alte Musik von Bach und Händel und vermischte sie mit seinem eigenen modernen Stil. Die “Consecration of the House Overture” war eines der Ergebnisse dieser Bemühungen. Infolgedessen hatte sich sein Gehör zu diesem Zeitpunkt fast vollständig verschlechtert, was ihn jedoch nicht daran hinderte, weitere Stücke für seine Konzerte zu komponieren. Vor seinem Tod vollendete und überarbeitete er das Dreizehnte Quartett.
Schubert und die Oper
Die Musik des 19. Jahrhunderts führte auch die Verwendung von Chören, Ensembles, Duetten und Arien in der Oper ein. Die Komponisten trugen diesem Trend Rechnung, indem sie vielfältigere und dynamischere Stücke mit mehr Orchestrierung und Bewegung schufen. Die Oper war ein Treffpunkt für aufstrebende Künstler sowie eine Geschäftsmöglichkeit für Mäzene und Künstler für Auftragswerke. Der Auftritt in einer gesponserten Oper war für die meisten Komponisten und Interpreten gleichbedeutend mit Erfolg. Franz Schubert war ein Komponist, der sich die Opernbühne zu eigen machte und seine Fähigkeiten der Produktion von Bühnenwerken für Orchester, Chöre und Gesangssolisten widmete. Seine Kompositionen zwischen 1819 und 1820 gelten als sein reifstes und neuartigstes Werk. Die Stücke wie “Die Zwillingsbrüde” und “Die Zauberharfe” waren während ihrer Aufführungen im Theater am Kärntnertor bzw. im Theater an der Wien sehr gut besucht. (Austin, 1973). Schuberts Karriere war jedoch nicht von Anfang an von Erfolg gekrönt. Die meisten Kritiker bezeichneten Schuberts Musik als “bloß gefällig”, der es im Gegensatz zu der Beethovens an echter Tiefe und Intelligenz fehlte. Als das 20. Jahrhundert anbrach, zeigte sich jedoch bei näherer Betrachtung seiner Kompositionen, dass trotz der anfänglichen Wahrnehmung seiner Werke als leicht anzuhörende Melodien sein Mut zum Experimentieren von Kritikern und Komponistenkollegen anerkannt wurde. (1973) Seine Musik war stark melodisch, dramatisch und stellte den emotionalen Aspekt der Komposition in den Vordergrund. Wie Beethoven verband er Altes mit Neuem, was zu einigen meisterhaften Werken führte, wie z. B. seiner “9. Sinfonie”, die eine leichte Spannung im Mittelsatz und die Verwendung von Subdominant-Tonarten zum Abschluss eines anderen Abschnitts des Satzes verwendete (Brown, 2002). Schubert erforschte auch seine Fähigkeiten bei der Schaffung von Stücken für eine Reihe von Gattungen wie die Oper, liturgische Musik und symphonische Werke, aber es war in der Gattung des Liedes, die seine Karriere als Komponist festigte. Laut Plantinga (1967) war Schubert derjenige, der diese Gattung unter allen anderen Meisterkomponisten des 19. Jahrhunderts erforschte und übertraf. Seine Kompositionen hatten einen folkloristischen Charakter, der seine Werke einzigartig machte.
Ein nationalistischer Trend
Nationalismus und Primitivismus waren auch ein häufiges Thema in den Kompositionen des 19. Jahrhunderts. Carl Maria von Weber war ein deutscher Komponist, der sich auf die Schaffung von Musik in diesem Genre spezialisiert hatte. Die 1800er Jahre waren für Deutschland eine Zeit des eifrigen Nationalismus. Als Antwort auf das überwältigende Gefühl der Vaterlandsliebe komponierte Weber den “Jägerchor” und brachte ihn auf die Opernbühnen von Wien, London und New York. (Blood, 2008) Es folgten weitere Kompositionen für die Oper, darunter “Der Freischütz”, “Euryanthe” und “Oberon”. (Meyer, 2003) Diese drei Opern wurden trotz ihres eindeutig volkstümlichen Tons der romantischen Bewegung des 19. Jahrhunderts zugeordnet. Im Gegensatz zu den oben genannten Komponisten vermittelte Weber seinen Zuhörern einen Einblick in die lokale Kultur des Landes. Dies bot anderen Musikern aus anderen Ländern die Möglichkeit, die Ursprünglichkeit bestimmter Traditionen zu erkennen. Ähnlich wie Schubert bewies Weber auch seine Meisterschaft in anderen bekannten Gattungen wie der Kirchenmusik und der Sinfonie. Einige seiner religiös geprägten Werke sind die “Missa Sancta” 1 und 2. (Blut, 2008). Als jedoch zu Beginn des 19. Jahrhunderts die Nachfrage nach Opernkonzerten auf ein Allzeithoch anstieg, begannen einige Komponisten, dieses Genre als reines Mittel zu nutzen, um aus der Nachfrage von Mäzenen in ganz Europa Kapital zu schlagen. Schon bald litt die nationalistische Musik darunter und verblasste noch vor dem Ende des besagten Jahrhunderts (2008).
Romantisim, Zusammenfassung
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die romantische Musik mehrere Merkmale aufweist, die sie von den anderen Musikformen der vergangenen und gegenwärtigen Epochen unterscheiden. Erstens die Freiheit in Form und Gestaltung, die zu einem spielerischen und spontanen Kompositions- und Ausführungsstil führt. Zweitens ist sie reich an Melodie, Dramatik, Modulation und Harmonie, was zu einem dynamischeren und aktiveren Klang führt. Eine weitere Qualität der Musik des 19. Jahrhunderts ist ihre technische Präzision und Virtuosität, insbesondere bei Pianisten, Geigern und Flötisten. Die immense Fähigkeit des Komponisten, sein Instrument zu manipulieren, ist ein Beweis für die Hingabe des Jahrhunderts an diese Form der Disziplin. Der vierte Aspekt ist natürlich die nationalistische Einstellung zum eigenen Land, nicht nur in Deutschland, sondern auch in anderen Ländern wie Russland, Böhmen, Polen und Norwegen. Die Musik des 19. Jahrhunderts zeichnete sich auch durch ihre enge Verbindung zur Oper aus, da reiche Kunstmäzene eine beachtliche Nachfrage nach Aufführungen auf der Bühne hatten.
Die Opernhäuser vs. die Salons
Die Oper des 19. Jahrhunderts brach mit den traditionellen Solonummern, die in der Klassik und im Barock entstanden waren. Außerdem wurde der Schwerpunkt auf die von Tenören gespielten Hauptrollen für heroische Charaktere gelegt. Das Tandem aus Komponisten und Sängern hat in diesem Jahrhundert eine sehr lebendige Opernindustrie entstehen lassen. Anstatt sich auf einen einzelnen Interpreten zu konzentrieren, wurden auch Chöre mit prominenteren Rollen ausgestattet, die eine größere Nachfrage nach ihren Fähigkeiten im Bereich der Harmonie mit sich brachten (Blood, 2008). Im 19. Jahrhundert dominierten vor allem französische Opern wie “Carmen”, doch gegen Ende der Periode wurde die Verismo-Oper zur beliebtesten Form (Leopold, 2006). Der Verismo war eine realistischere Interpretation tatsächlicher Ereignisse als das übliche Thema der Mythologie und Geschichte. Dies war der Beginn einer moderneren Form der Opernaufführung, die für das 20.
Wie bereits erwähnt, bedeuteten Opernaufführungen, insbesondere Auftragswerke, den Erfolg der Karriere eines Künstlers. Vor allem für die Komponisten bot sich eine große Chance für finanzielles Wachstum. Tantiemen waren übliche Gönner der Oper, und die Loyalität des Publikums ist eine seltene Chance für jeden Künstler, sein Können zu vermarkten. Aber mehr als der materielle Gewinn bot die Oper in erster Linie ein gewisses Maß an Prestige für jeden Künstler.
Auftritte in privaten Versammlungen waren dagegen subtilere Auftrittsorte für die Künstler. So klein das Publikum auch sein mag, so setzt es sich doch oft aus einigen wenigen ausgewählten Persönlichkeiten der Gesellschaft zusammen, was eine eher elitäre Liste von Zuhörern ermöglicht. Persönliche Anfragen für eine Aufführung eines Künstlers bedeuteten oft ein Interesse daran, Mäzen des Hausherrn zu werden. Beethoven brachte eine seiner ersten Kompositionen bei einer privaten Feier für den Fürsten zur Uraufführung, und nachdem er sein Publikum beeindruckt hatte, nahmen die Vorbereitungen für ein Opernkonzert ihren Lauf (Leopold, 2006). Eine formale Einführung in die Welt der Meisterkomponisten erhalten Künstler jedoch nur, wenn sie auf der Opernbühne aufgetreten sind.
Die Musik aus diesem Jahrhundert hat in der heutigen Zeit viel Lob und Anerkennung gefunden. Innovation war der Schlüssel zum Erfolg eines jeden Werks. Beethoven, Weber, Tschaikowsky, Schubert und die anderen großen Komponisten des 19. Jahrhunderts werden auch in Zukunft wichtige Inspirationen für die moderne Musik sein.
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