Unser Geist kann ohne Aktivitäten nicht existieren, und es ist fast unmöglich, sich unser Leben vorzustellen, ohne die persönlichen Fähigkeiten auf verschiedene Lebensbereiche zu richten. Musik ist ein integraler Bestandteil des menschlichen Wohlbefindens und eine Quelle des Vergnügens, die für jeden Menschen so wichtig ist. Die Musik hat sich über viele Jahrhunderte hinweg entwickelt; das 18. Jahrhundert ist für den Bereich der Musik von großer Bedeutung, da die Musiker dieser Zeit viel beigetragen und uns eine detaillierte Beschreibung und hervorragende musikalische Komposition ihrer Epoche geliefert haben.
Instrumentalmusik wird als eine schöne stimmliche Leistung oder als ein Klang unserer Seele betrachtet. Im 18. Jahrhundert entstanden wichtige musikalische Instrumentalgattungen, die sich weiter entwickelten und für ihren einzigartigen Charakter Anerkennung fanden. Die Symphonie ist eine dieser Richtungen, die zu Beginn ihrer Entwicklung mit einer gewissen Skepsis betrachtet wurde. Man ging davon aus, dass sie keine individuellen Merkmale aufwies, sondern nur den Widerschein anderer Musikstile enthielt. Im 18. Jahrhundert basierte die Instrumentalmusik auf den Gedanken der französischen Rationalisten, was bedeutete, dass diese Gattung geschaffen wurde, um die Klänge der Natur zu imitieren.
Die Komponisten sahen sich mit dem großen Problem konfrontiert, eine neue Terminologie und einen umfassenden Ansatz zu schaffen, der für die Zuhörer förderlich war. Dies war sehr wichtig, da das Publikum im 18. Jahrhundert ein integraler Bestandteil des Prozesses von Instrumentalkompositionen war, während die Zuhörer heutzutage passiv und unbeteiligt sind. Die instrumentale Gattung wurde einzigartig und enthielt individuelle Merkmale und Techniken. Die Symphonie als Teil dieser Gattung wurde als “das instrumentale Paradigma aller Arten von Musik” definiert. Am Ende dieser Periode wurde die Instrumentalmusik unabhängig und erweiterte ihre Ausdrucksmöglichkeiten. Das 18. Jahrhundert ist in diesem Bereich durch so herausragende Komponisten und Musiker wie Bach, L. Mozart, J. J. Quantz, Koch, J. A. Hiller, Mattheson usw. bekannt.
Neben der Entwicklung der Instrumentalmusik wurde auch dem Theater und der Oper große Aufmerksamkeit geschenkt. Die Entwicklung dieses Musikstils basierte im Allgemeinen auf den Aktivitäten so großer Musiker wie Karl Heinrich Graun, Christoph Willibald von Gluck, Nicolo Jomelli, Henry Purcell, Dr. Thomas Arne und vielen anderen herausragenden Komponisten. Die Schaffung dieses Genres löste in Italien eine Reaktion wegen der angeblichen Extravaganz aus, und diese Idee wurde von vielen Komponisten während des gesamten 18.Jahrhunderts unterstützt. Der Vorschlag eines Opern-Happy-Endes führte zu zahlreichen Missverständnissen unter den Beteiligten an diesem Genre. Außerdem wurde der Komponist in den Opernhäusern nicht als dominante Figur betrachtet, sondern nur als ein Teil der Sänger, die in den Kompositionsprozess eingebunden waren. Mit jedem Jahr des 18. Jahrhunderts wurde die Struktur der Oper erneuert.
Es entwickelten sich neue Formen des Genres; die dominierenden waren die Ballade und die komische Oper. Die ernste Form der Oper wurde freier und phantasievoller, die Bedeutung des Chors wurde besonders betont und neue Arienformen erschienen in diesem Stil. Am Ende des Jahrhunderts wurde die Struktur der Oper völlig verändert. Die komische Oper wurde durch die zweiaktige Form charakterisiert und die Verwendung neuer musikalischer Ansätze wurde eingeführt. Das Interesse an der Entwicklung des Theaters wurde durch die Erweiterung der Oper hervorgerufen, da das Theater als Bindeglied zwischen der Operngattung und der musikalischen Sphäre angesehen wurde. In den Theatern wurden Kompositionen von Schauspielern und Schauspielerinnen unter Einbeziehung der Operngattung aufgeführt; sie waren in der Lage, den tiefen Sinn der Handlungen mit Hilfe der Musik auszudrücken, die vollständig in das Spiel einbezogen wurde. Die gegenseitige Zusammenarbeit zwischen Theater und Oper brachte dem Publikum des 18.
Ein weiterer wichtiger Aspekt, der bei der Beschreibung der Musik des 18. Jahrhunderts berücksichtigt werden sollte, hängt mit der Tätigkeit eines so herausragenden Musikers wie Antonio Vivaldi zusammen, der als berühmter italienischer Komponist dieser Zeit bekannt ist. Venedig war der Ort, an dem Vivaldi geboren wurde. Er gilt als Autor zahlreicher Werke und Konzerte, von denen die Vier Jahreszeiten, Opus 3, und einige andere die bekanntesten sind. Er schien ständig neue Opern zu schreiben und war auch bei seinen Konzerten sehr aktiv und erfolgreich. Zu Beginn seiner Karriere konzentrierte sich die wirtschaftliche Lage seiner Geburtsstadt Venedig im Wesentlichen auf die Kultur und enthielt eine große Anzahl von Meisterwerken der Kunst, die die Aufmerksamkeit neuer Besucher aus der ganzen Welt auf sich zogen. Diese Tatsachen lassen uns Vivaldis Musik in Venedig als eine neue, in Europa etablierte Musikrichtung betrachten. Eine solche Situation in Venedig verursachte einige Probleme im Bereich der Wirtschaft und Politik. Die Unabhängigkeit war bedroht und die Stadt wurde als neutral betrachtet. Der Charakter der Stadtentwicklung änderte sich stark. Laut Bevölkerungsstatistik begann sie Verluste zu erleiden, die ständig zunahmen. Das hängt nicht mit der hohen Einwanderungsrate zusammen, sondern mit dem Rückgang der Geburtenrate.
Antonio Vivaldi reiste viel, um seine Idee der Musikbetrachtung zu verbreiten und seine eigene Art des Komponierens vorzuführen. Nach seiner Rückkehr nach Venedig fuhr er fort, Konzerte und Opern zu komponieren. Doch plötzlich sank die Nachfrage nach seinen Opern und sie waren nicht mehr so beliebt wie zuvor. Die Qualität seiner Werke wurde schlechter und wurde von der Mehrheit der Bevölkerung nicht wahrgenommen. Die Kreativität verließ ihn und er gab sich zu viel Mühe, gute und erfolgreiche Opern zu schreiben. Diese Tatsache war ein emotionaler Schock für den großen Komponisten, der sein ganzes Leben der Musik gewidmet hatte und sich ein Leben ohne seine Konzerte und neuen Meisterwerke nicht vorstellen konnte. Die Melodien, die er zuvor geschaffen hatte, inspirierten ihn, seine kreative Arbeit fortzusetzen, obwohl seine Gesundheit sein Leben gefährdete. Mit der Beendigung seiner kompositorischen Laufbahn ging sein Leben zu Ende. Einigen Forschern zufolge nahm die Qualität seiner Werke ab, weil die Nachfrage sehr hoch war. Es wurde angenommen, dass er unter dem Druck schuf, was zu einer raschen Veränderung seines Schaffens führte. Vivaldi versuchte stets, Opern- und Instrumentalmusik gleichzeitig aufzuführen und trug viel zu deren Entwicklung bei. Er gilt als begnadeter Musiker, der eine große Anzahl bemerkenswerter und bemerkenswerter Kompositionen hinterließ, die die Bevölkerung der ganzen Welt mit herausragenden Werken des 18. Jahrhunderts versorgten.
Die Erforschung der musikalischen Gattungen des 18. Jahrhunderts bietet ein umfassendes Bild der Musikkunst und eine detaillierte Beschreibung der bedeutendsten und prominentesten Komponisten dieser Epoche. Man kann die schöpferische Arbeit der bedeutendsten Musiker leicht analysieren und vergleichen und ihren Beitrag zur Musik bewerten. Das 18. Jahrhundert hinterließ eine Vielzahl von Instrumental-, Opern- und Vokalkompositionen, die die Besonderheiten ihrer Zeit widerspiegeln und den emotionalen Zustand der Epoche im Allgemeinen zum Ausdruck bringen. Es ist ein großes und unvergessliches Vergnügen, ihnen zuzuhören und sich ganz in die Atmosphäre der magischen Melodien des 18.
Referenzen
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