Zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts lernte die Welt eine ganze Reihe herausragender Wissenschaftler und Künstler, Politiker und Musiker kennen. Die Menschheit war beeindruckt, als sich in der Malerei, der Musik und anderen Künsten neue Genres und Strömungen entwickelten. Zu den bedeutendsten in Musik und Kunst gehören der Impressionismus und der Primitivismus. Aus diesem Grund widmet sich dieser Beitrag der Erforschung und Diskussion des kulturellen Hintergrunds dieser Zeit anhand konkreter Beispiele von Werken herausragender Künstler.
Zunächst ist es notwendig, den Begriff und den historischen Rahmen für die Entstehung des Impressionismus zu erläutern. Der Impressionismus (französisch Impressionnisme) ist eine bedeutende Bewegung, zunächst in der Malerei und später in der Musik, die sich vor allem in Frankreich im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert entwickelte. (Von der Romantik zur Moderne 19) Die bekanntesten Vertreter in der Malerei waren Camille Pissarro, Claude Monet und Pierre Auguste Renoir. Natürlich war die Bewegung nicht so populär und bedeutend ohne die Werke von Paul Cézanne, dem Künstler, der trotz seiner Zeitgenossen zu Lebzeiten berühmt wurde. Wenn man den Namen der Bewegung annimmt, kann man sich leicht die Absichten vorstellen, die die Künstler dem normalen Betrachter vermitteln wollten.
Das spätere Auftauchen dieser Bewegung in der Musik hat die Gemüter mit energischen und feierlichen Motiven, die eine breite Palette von Gefühlsformen ausdrücken, zum Einsturz gebracht. “Der musikalische Impressionismus wird oft mit subtiler Zerbrechlichkeit, amorpher Passivität und vager Stimmungsmusik in Verbindung gebracht.” (Von der Romantik zur Moderne 25) Diese Besonderheiten des musikalischen Impressionismus wurden durch den sozialen, gesellschaftlichen, politischen und zumindest kulturellen Austausch unterstützt, wobei alle Vor- und Nachteile der Philosophien und sozialen Trends, die sich auf die Ausarbeitung von Stilen und Strömungen in der Musik auswirkten, berücksichtigt wurden.
Eine genauere Charakterisierung der impressionistischen Musik würde Zurückhaltung und Understatement, eine statische Qualität und eine provozierende Farbigkeit beinhalten, die aus der Faszination der Komponisten für den reinen Klang als schönen und geheimnisvollen Selbstzweck resultiert. Technisch gesehen ergeben sich diese Merkmale häufig aus einer statischen Verwendung der Harmonik, einer mehrdeutigen Tonalität, einem Mangel an scharfen formalen Kontrasten und an rhythmischem Vorwärtsdrang sowie einer Verwischung der Unterscheidung zwischen Melodie und Begleitung. (Von der Romantik zur Moderne 25)
Hier ist der Einfluss der Romantik mit all den Details, die diese Kulturepoche beinhaltete, unüberhörbar. Nichtsdestotrotz betonten die Musikimprovisationen wie die Musik selbst immer und ständig die ästhetische Seite des menschlichen Denkens und schufen neue Ideen der Umsetzung für Musiker. Die Art und Weise des Einflusses auf die Gesellschaft war von Seiten der Musik stärker, aber nicht die Gesellschaft diktierte die Normen und Trends der musikalischen Realität in jeder Epoche.
Musik ist ein wichtiges Instrument, um Menschen zu stimulieren, indem sie beispielsweise klare Ziele für ihre weiteren Schritte auf dem Weg zum Erfolg vorgibt oder einfach nur die Möglichkeit bietet, Tempo, Rhythmus, Klangfarbe und andere zusätzliche Eigenheiten zu gestalten. Solche Versuche wurden zum Beispiel während der Revolution in Frankreich am Ende des 18. Die “Marseillaise” brachte die Menschen dazu, für ihre Rechte einzustehen, und sie ist auch heute noch die Nationalhymne des Landes, die die Menschen für die Idee der Freiheit gewinnen soll. Mit anderen Worten: Die Musik unterstreicht auf bestmögliche Weise den inneren, gewollten Zustand der Seelen der Menschen mit einigen Einstellungen zu den verschiedenen bedeutenden Formen von ihnen.
Es besteht kein Zweifel daran, dass derartige Versuche, die aktuellen Gefühle in der Masse der Menschen zu skizzieren, nur kreativen Menschen gerecht werden, die in der Lage sind, alle von der Phantasie geschaffenen Bilder zu erfinden und zu verwirklichen. Die Vorgänger der impressionistischen Musiker, vor allem in Frankreich, wurden ermutigt, ihre Kreativität als zwingende Voraussetzung zu erhalten. So war das Feld der vielfältigen Ideen für einen neuen Ausdruck der Musik groß genug, um sich auf die Suche nach neuen Motiven zu machen, die dann im Impressionismus mündeten.
Die Revolutionsführer nahmen die Musik ernst – sie erkannten, dass sie ein sehr nützliches Instrument ist, um die Denk- und Gefühlswelt der Menschen zu verändern. Im Jahr 1795 wurde eine Schule eingerichtet, um Musikkapellen für die neue Armee, die Nationalgarde, auszubilden. Ein neues Gesetz zwang das Publikum, vor der Aufführung von Opern in Theatern republikanische Hymnen zu singen. Komponisten wurden ermutigt, revolutionäre Lieder zu schreiben – und zwischen 1789 und 1800 wurden mehr als 1300 geschrieben. (Die Französische Revolution und die Musik 2)
Die Romantik stellt, historisch gesehen, einen Komplex von vorherrschenden Tendenzen in der Kultur und insbesondere in der Musik dar. Erinnert man sich an die faszinierendsten Musiker dieser Periode kultureller und historischer Strömungen, kann man nicht umhin, den deutschen Komponisten Richard Wagner zu erwähnen, der von einem Kritiker, der seine Talentbreite beschrieb, mit der Formel “Shakespeare + Beethoven = Wagner” (Deutsche Romantische Oper) verglichen wurde.
In einem anderen Land, das reich an brillanten Talenten ist, nämlich Italien, basierte der allgemeine Fluss der musikalischen Entwicklung auf den früheren Werken der Barockbewegung und der aktuellen realistischen Art und Weise, Charaktere in der Literatur darzustellen. Vicenzo Bellini und Gaetano Donizetti gehören zu den Vertretern der farbenfrohen und trendigen Art und Weise der italienischen Aufführung in der heutigen Zeit. Die Liste der faszinierenden und wunderbaren italienischen Musiker wäre nicht vollständig, wenn man nicht auch die Werke von Giuseppe Verdi erwähnen würde. Seine Werke erinnern an plötzliche Gedankenausbrüche und Seelenzustände, die dazu neigen, den Blick des Zuhörers auf das Thema seiner eigenen Ersetzung in der Sphäre der musikalischen Realität aufzurichten.
Dieser Ansatz trägt dazu bei, dass die Hörer von Verdis Musik menschlicher und sensibler werden. Die Hauptmerkmale seines Stils sind jedoch folgende: gewagte harmonische Effekte; “Reminiszenz-Motive”; unverwechselbare Themen oder Motive, die an entscheidenden Stellen in der Oper wiederkehren; gemeinsame Technik mit anderen Komponisten, die in Rigoletto, La Traviata, Un Ballo in Maschera und anderen Opern verwendet wird. (Italienische Oper des neunzehnten Jahrhunderts 14)
Diese und viele andere Musiker bildeten den kulturellen und theoretischen Rahmen für die Neuen, um Musik mit neuen Gefühlen, Bildern und Einflüssen zu schaffen. Hier setzte sich die durchgängig akzeptierte Idee des positiven Denkens gegen den Positivismus durch, der aus vielen Erfindungen des achtzehnten und neunzehnten Jahrhunderts hervorging. Der Realismus als aktuelle Strömung in der Literatur unterstreicht nur die Entstehung des Impressionismus in Europa und im Ausland. Licht und Farbe wurden als Hauptmerkmale für die Beschreibung der Wirklichkeitsvorstellungen verwendet. Zusammen mit den aktuellen Bewegungen erschien der Stil des Primitivismus, vertreten durch Igor Strawinsky und sein herausragendes Werk “Petruschka”.
Der Punkt ist, dass es in seiner Musik ein ausgeprägtes Merkmal mathematischer “unregelmäßiger Akzente” gibt – eine Tendenz, die für den Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts im Hinblick auf einige Parallelen mit der gegenwärtigen Tradition der Modernisten in der Literatur geeignet ist, an die zuvor beschränkten Themen zu appellieren. (Strawinsky 7) Eine der Methoden, die eine gewisse Parallele zu Strawinskys Musik aufweist, ist die Technik des Bewusstseinsstroms.
Der Impressionismus in der Musik erreichte seinen Höhepunkt vor allem in Frankreich durch die Bemühungen des populärsten, beliebtesten und herausragendsten Musikers, der als “der wichtigste Impressionist” gilt. (Von der Romantik zur Moderne 27) Es ist zweifellos Claude Debussy. Dieser Autor stand ganz am Anfang der Entstehung des Impressionismus in der Musik und sah seine Aufgabe darin, der dynamischen und emotionalen Art der romantischen Musik zu widersprechen. Einer seiner Gegner in diesem Fall war Wagner, dessen Art der Ausführung Debussy dazu veranlasste, seine wunderbaren Werke zu schaffen, aber im Fluss des Impressionismus. Ungeachtet dessen ist Debussys Musik auch voll von mathematischen Ansätzen, wenn er in seinen Werken Stimmung und Farbe imitiert.
Debussy fehlte es ständig an einer originellen Technik und er fand keine, die seiner Art zu komponieren entsprach, außer der von Franz Liszt. Dies war der Kernpunkt, den Claude Debussy als Hauptinstrument für seine schöpferische Arbeit nahm. Dann wird er bestimmt schreiben: “Ich bin sicher, dass das Institut das nicht gutheißen würde, denn natürlich hält es den Weg, den es vorgibt, für den einzig richtigen. Aber es gibt keine Hilfe dafür! Ich bin zu sehr in meine Freiheit verliebt, zu sehr auf meine eigenen Ideen fixiert.” (Thompson 77) Viele Musikkritiker und -beobachter erkannten damals Besonderheiten in der Realisierung und Umsetzung von Debussys musikalischen Meisterwerken.
Mit Hilfe der Hauptmotive, die in der impressionistischen Malerei entwickelt wurden, nahm er die Begriffe der Atmosphäre und der Stimmung auf, die in starken Gefühlen verkörpert sind, die tief im Inneren des menschlichen Denkens realisiert werden.
Er verwendete neue Akkordkombinationen, Ganztonakkorde, Chromatik und exotische Rhythmen und Skalen. Anstelle der üblichen harmonischen Progression entwickelte er einen Stil, in dem Akkorde eher wegen ihrer individuellen Klanglichkeit als wegen ihrer Beziehungen zueinander geschätzt werden und Dissonanzen unvorbereitet und unaufgelöst sind. (Palmer 21)
Das Hauptverdienst dieses Komponisten liegt darin, dass er nicht versucht hat, Parallelen zu den Werkzeugen des Impressionismus in der Malerei herzustellen. Er arbeitete eine detaillierte Struktur seiner Musik aus und gilt zusammen mit Maurice Ravel als der Träger des impressionistischen Rahmens in der historischen Entwicklung der Musik. Scharf und klar waren die Absichten des Komponisten, wenn er in seinen Werken verschiedene Variationen darstellte.
Darüber hinaus sind die Charakteristika von Debussys Musik von den ersten bis zu den letzten seiner Kompositionen so unterschiedlich, dass selbst ein allgemeiner Sinn für den Impressionismus am besten auf den größten Teil seiner zwischen etwa 1892 und 1903 komponierten Musik und auf bestimmte spätere Kompositionen beschränkt werden kann, die diesen Werken stilistisch stark ähneln. (Von der Romantik zur Moderne 27)
Die Werke von Claude Debussy geben vor, die Welten der Realität und der Emotionen in Bezug auf ihre wichtigsten Auswirkungen auf das Bewusstsein eines Menschen zu trennen. l’Apres-midi d’un Faun, Pelleas et Mellisande und La Mer sind die wichtigsten Werke von ihm. Die symbolischen Haltungen kreuzen sich in jedem der oben genannten Werke. Meiner Meinung nach ist das kraftvollste und größte Werk Debussys La Mer (Das Meer), eine Symphonie, die in Form und Ausführung sehr detailliert ist.
Hier vertrat der Komponist die Ansicht, dass der einzigartige Komplex aus Harmonie, Melodie und Rhythmus das Publikum mit einer in der Musik verkörperten Geschichte aus der Lebenserfahrung des Autors beeindrucken kann. In der Tat hörte der kleine Claude in seiner Kindheit viele Geschichten von seinem Vater, der Seemann war und viel reiste. Diese malerischen Geschichten regen Debussys Fantasie an. Später lernte er die Werke von William Turner kennen, die seine Gedanken über das Problem des Selbstausdrucks und der Selbsteinschätzung der Lebenswirklichkeit anregten. “Die drei Sätze tragen die Titel “De l’aube a midi sur la mer” (Von der Morgendämmerung bis zum Mittag auf dem Meer), “Jeu de vagues” (Spiel der Wellen) und “Dialogue du vent et de la Mer” (Dialog zwischen Wind und Meer).” (Beeindruckende Einflüsse)
Diese Art der Logik einerseits und der allmählichen Beschreibung andererseits, die von Anfang an den Ausblick auf die Sinfonie eröffnet, lässt den Hörer erahnen, was als nächstes geschehen wird. In Übereinstimmung mit der Handlung der Sinfonie legte Debussy Wert auf die Gestaltung der Sinfonie und den Grund, der ihn dazu veranlasste, auf diese Weise zu arbeiten. Seine Worte zur Unterstützung dieser Idee lauten wie folgt: “Aber ich habe einen unendlichen Vorrat an Erinnerungen, und für mich sind sie mehr wert als die Wirklichkeit, deren Schönheit oft das Denken erstickt.” (Beeindruckende Einflüsse)
Man muss sich klarmachen, dass die ersten beiden Teile der Sinfonie leicht und lyrisch sind. Sie zielen darauf ab, die Harmonie des Meeres und die sanfte Interpretation des Autors über das ruhige und unruhige Wetter auf dem Meer darzustellen. Im dritten Teil wird das Streben und die Ungezügeltheit der Wellen hervorgehoben, was an die unheilvollen Absichten des “Dialogs von Wind und Meer” erinnert. Diese Methode zielt darauf ab, einige deutliche Impulse zu setzen, um dem Publikum die Hauptidee zu vermitteln, die in der ästhetischen Betrachtung des Werks mit seinem spontanen Abfall von Rhythmus und Melodie umgesetzt wird. Der wichtigste “Held einer solchen Gelegenheit” war der japanische impressionistische Maler Hokusai, dessen Werke Debussy durch die Schönheit der Farben und des Lichts inspirierten.
Wie die meisten Werke Debussys löste auch La Mer zu Beginn große Kontroversen aus. Debussy war revolutionär, da er einen radikalen Ansatz für Harmonie, Melodie, Rhythmus und Form wählte. Seine Musik war lyrisch und fließend und sollte die Musik des 20. Jahrhunderts verändern. In La Mer begann Debussy mit der sogenannten “impressionistischen” Verwendung von Harmonien, die laut dem Kritiker Arnold Schönberg “dem koloristischen Zweck dienen, Stimmungen und Bilder auszudrücken”. (Impressionistische Einflüsse)
Nichtsdestotrotz ist es erwähnenswert, dass das Werk Debussys mit Akkorden und Progressionen einer neuen Art moduliert ist. Sie sind zu ernst und lebendig, um die Aufmerksamkeit des Zuhörers auf die Tatsache zu lenken, dass die impressionistische Musik, insbesondere seine, die Erfüllung der Gefühle aus der Einheit der Elemente der Realität bezeichnet. Mit anderen Worten, “La Mer” strebt danach, den Charakter der Natur durch klare Klangausbrüche darzustellen, um die Ausbrüche des improvisierenden Meeres mit seinem gewaltigen und irgendwie schrecklichen Drang zu beschreiben, die Autorität in der Welt der Natur zu demonstrieren oder sogar zu manifestieren.
Debussys erweiterte Tonalität ermöglichte rasche Wechsel und Bewegungen bei gleichzeitiger Beibehaltung einer präzisen musikalischen und technischen Grundlage. Die Rhythmusmuster waren unregelmäßig und wichen fast frei geformten Takten, wodurch das Gefühl einer strengen Taktlinie verloren ging. Die Verwendung einer scharfen Quarte und einer flachen Septime brachten interessante Modulationen und fließende Tonartwechsel hervor. (Eindrucksvolle Einflüsse)
Die schöpferische Tätigkeit von Claude Debussy machte ihn zu einer Klasse für sich und glorreich aufgrund der innovativen Tendenzen, die er während der gesamten Periode seiner Kunst weithin verwendete. Er schuf impressionistische Musik hauptsächlich französischen Ursprungs und machte Frankreich zu dem Land, in dem sich die Tendenz zur Realisierung von Musik zusammen mit räumlichen Eigenschaften und der Darstellung von Farben und Licht formte. “Ein passenderer Begriff für Debussy ist Symbolismus, da dies der größte bestimmende Einfluss auf sein Werk zu sein scheint. Noch besser ist der Begriff Debussyismus, da Debussy selbst alle Eigenschaften verkörperte, die für den Impressionismus in der Musik repräsentativ sind.” (Impressionistische Einflüsse)
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die Welt der Künste immer wieder neue Ideen hervorbringt, um den kreativen Ansatz zur Verwirklichung der Eigenheiten der Welt zu beschreiben. Das Ziel einer bestimmten Kunst ist es, die Menschen durch die sogenannten “Früchte des Geistes”, die durch die Malerei, Literatur oder Musik hervorgebracht werden, zu entwickeln. Viele der Künstler und Musiker waren bestrebt, den Geist und die Seele der Menschen zu berühren, um ihre Vorstellungskraft mit der farbenfrohen und eindrucksvollen Umsetzung von Rhythmus, Melodie und Harmonie sowie der Verklärung von Farben und Licht zu beeindrucken.
Der Impressionismus war die Bewegung, die die romantischen Züge in der Umsetzung von Musik und Malerei ablöste. Sie brachte andere Methoden der Beeinflussung des menschlichen Bewusstseins hervor und wurde besonders in der Musik durch die schöpferischen Werke von Claude Debussy, Maurice Ravel und anderen großen Komponisten gekrönt, deren Werke bis heute menschlicher sein sollen.
Referenzen
Von der Romantik zur Moderne (2007). Dias von Werken.
Italienische Oper des neunzehnten Jahrhunderts (2007). Dias von Werken.
Die deutsche romantische Oper und Richard Wagner (2006). Dias von Werken.
Die Französische Revolution und die Musik (2009) HUM 204 Wichtige Werke der klassischen Musik.
Igor Strawinsky (2007). Dias von Werken.
Palmer, C. (1973). Impressionism in Music, Columbia University Press.
Shengdar Tsai (2009). Impressionistische Einflüsse in der Musik von Claude Debussy. Web.
Thompson, Oscar (1940). Debussy: Man and Artist, Tudor Publishing Company.
Réti, Rudolph (1958). Tonalität, Atonalität, Pantonalität: Eine Studie über einige Tendenzen in der Musik des zwanzigsten Jahrhunderts.