Einführung
Im 19. Jahrhundert kam es zum Konflikt zwischen der alten und der modernen Kunst. In der Tat erlebte das Jahrhundert den Beginn radikaler Veränderungen im Bereich der Kunst (Galenson “painting outside the Lines” 45). In diesem Jahrhundert begann auch die industrielle Revolution in Frankreich, in deren Verlauf einige Künstler die Romantik als Hauptthema der Kunst aufgriffen (Cork 428).
Dementsprechend war auch der Wandel in der Kunst mit unzähligen Konflikten verbunden, da einige Künstler dem so genannten traditionellen Realismus zugeneigt waren. Diese traditionellen Künstler lehnten sich gegen die neue Welle des Wandels im Gefolge der modernen Kunst auf. Natürlich haben die radikalen Veränderungen in der Kunst die Auffassung der Menschen darüber, was Kunst und einen Künstler ausmacht, in Frage gestellt, verändert und auch erweitert (www.all-art.org).
Aus diesem Grund war das moderne Kunstwerk nie ein Podest, auf dem es in der gleichen Weise wie die gewöhnliche Kunst betrachtet werden konnte (Galenson “painting outside the Lines” 49). In diesem Beitrag sollen die historischen Herausforderungen, Veränderungen und Wahrnehmungen erörtert werden, die bei den Menschen in Bezug auf Kunst und Künstler hervorgerufen werden. Darüber hinaus werden auch die verschiedenen Kunstwerke beleuchtet, die neben ihrer künstlerischen Agenda entstanden sind.
Als Teil der zeitgenössischen Kultur und der gesellschaftlichen Normen sind Kunstwerke aufgrund der unterschiedlichen Haltungen, die von den Künstlern der heutigen Zeit hervorgerufen werden, spekulativ verändert und den verschiedenen Informationskanälen wie den Medienhäusern weitgehend ausgesetzt worden (Galenson “painting outside the Lines” 65).
Obwohl die Wurzeln der heutigen Kunstform im 19. Jahrhundert liegen, gibt es mehrere Phänomene, die sie zu ihrem heutigen Zustand geformt haben. Daher ist die zeitgenössische Kunst in der Gesellschaft kritisiert worden. Die Herausforderungen, Veränderungen und Wahrnehmungen der Kunst seit dem 19. Jahrhundert lassen sich besser verstehen, wenn man sich mit einigen Künstlern beschäftigt, deren Werke in der Geschichte ausgeführt wurden (Cork 428).
Es ist unbedingt zu beachten, dass dieses Jahrhundert das Zeitalter der Aufklärung markiert, in dem sich die Einstellung der Menschen zu ändern begann. Das Streben nach Kunst basierte nicht mehr auf Können und Wissen, sondern auf Geschmack und Schönheit (Cork 428). Die Künstler des Jahrhunderts stellten Theorien auf, die sich gegen die steigende Flut in der Kunst richteten. Eine der wichtigsten Theorien im Bereich der Kunst war die Romantik, die sich im 19. Jahrhundert entwickelte (Galenson “painting outside the Lines” 63).
Zu den bekannten Künstlern, die die Romantik anführten, gehören Frederick Church und Thomas Cole (Cork 427). Sie gehören zu den Vorreitern in diesem Bereich der Kunst. Die Romantik war in der Zinngesellschaft insofern einzigartig, als es sich um eine Kunstform handelte, die zu jener Zeit historische Reaktionen und gemischte Gefühle hervorrief.
Die Romantiker nutzten Farbaspekte, um Stimmungen und Gefühle zu veranschaulichen, die von der Natur dargestellt wurden. Darüber hinaus wollten sie auf die industrielle Revolution reagieren, bei der ein Aspekt der Farbe durch die Verwendung logischer Gedanken überholt wurde. In diesem Fall hatte die Entwicklung von Wissenschaft und Technik Vorrang vor dem Hervorrufen von Gefühlen und Stimmungen (Siegel & Mattick 88).
Die Künstler lehnten dies jedoch ab und triumphierten über die Schöpfungen des Menschen, wie z. B. antike Ruinen, um die Natur darzustellen. Diese Theorie zielte darauf ab, die Kunst von den Flügeln des Rationalismus zu lösen, da die Befürworter der Meinung waren, dass die Welle die Kunst zu einem Gegenstand der Nachfrage nach ihrer Nützlichkeit machen wollte. Sie bestanden darauf, dass die Kunst um ihrer selbst willen genutzt werden sollte, was bedeutet, dass sie autonom sein sollte. Später wurde dieses Konzept von Philosophen wie Benjamin Walter stark kritisiert und verblasste im 20. Jahrhundert (Galenson “Anticipating Artistic Success” 26).
Illustration: Ein Bild einer Flut, die aus farbigem Holz geschnitten wurde.
Quelle: http://char.txa.cornell.edu/art/fineart/evolidea/evolidea.htm
Nach dem Ende der Romantik in der Mitte des 19. Jahrhunderts entwickelte sich der Impressionismus zu einer berühmten Kunstrichtung. Impressionisten wie Mary Cassatt und Claude Monet legten den Schwerpunkt auf die Wahrnehmung von Farbe, Licht, Lebendigkeit und Bewegung in der Kunst. Ihr Thema waren natürliche Landschaften, die sie durch Fotografieren von Orten in Schwarzweiß darstellten.
Sie malten auch gerne mit dicken Pinselstrichen und verzerrten die künstlerische Wirkung. Diese Bewegung wurde jedoch von den Postimpressionisten abgelöst. Ein Beispiel für einen Postimpressionisten ist George Seurat, der den Schwerpunkt auf die Verwendung unnatürlicher Farben in der Natur legte. Obwohl die Arbeit der Impressionisten von vielen Menschen geschätzt wurde, wurde sie von anderen Bewegungen wie dem Modernismus und dem Realismus abgelöst.
Illustration: Ein Landschaftsbild, gemalt von einem der Impressionisten
Quelle: http://char.txa.cornell.edu/art/fineart/evolidea/evolidea.htm
Es ist offensichtlich, dass die Freiheit im künstlerischen Schaffen zunahm, was für den Fortschritt der Modernismus-Bewegung auf dem Gebiet der Kunst entscheidend war. Im Grunde genommen wurde die Kunst von ihrem Sinn und Zweck auf einen Inhalt umgestellt, der den Interessen der Öffentlichkeit entsprach. Diese Veränderungen betrafen Farbe, Form, Stil und Komposition (http://www.all-art.org/).
Solche Veränderungen stellten die Kunstwerke direkt in Frage, indem sie ihre Rolle für die sozialen, politischen und wirtschaftlichen Aussagen, die die Künstler zu machen hofften, in Abrede stellten. In diesem Fall wurden die Kunstwerke geschaffen, um dem Publikum zu gefallen. Die gestiegene Nachfrage nach Kunst gab den Künstlern die Freiheit, die Regeln der Kunst zu brechen. Im Grunde genommen sah die Theorie des Modernismus vor, dass die Kunst für den eigenen Willen genutzt wird. Dies bedeutet, dass der anästhetische Wert der Kunst von einem individuellen Standpunkt aus wahrgenommen wurde.
Dies stellte eine große Herausforderung für das Kunstwerk und die Künstler selbst dar. Wenn die Kunst für einen Besitzstand genutzt wurde, wurde den Künstlern ihr Titel aberkannt und sie wurden als Händler oder Handwerker wahrgenommen. Es entstanden auch expressionistische Künstler wie Ludwig Kirchner und Wassily Kandinsky, die die Kunst als eine einzigartige Möglichkeit des Ausdrucks von Gefühlen und persönlichen Visionen betrachteten (http://www.all-art.org/).
Es liegt auf der Hand, dass Innovationen in der Kunst zu Kontroversen geführt haben, da die Kunst im Hinblick auf ihre Schönheit und nicht auf ihren eigentlichen Zweck geschätzt wird (Hunter, Jacobus & Wheeler 301). Dementsprechend sind auch die Künstler betroffen, da ihre Arbeit auf der Grundlage von Schönheit und nicht von Qualität betrachtet wird. Offensichtlich orientieren sich die Künstler aufgrund dieser Herausforderungen am Markt und ruinieren so ihren Ruf (Cork 429). So werden moderne Künstler von Analysten nicht mehr als echte Künstler, sondern als Handwerker wahrgenommen.
Die Künstler der Modernismus-Bewegung wollten die Realitäten und die neue materielle Kultur der Industrieepoche aufgreifen (Hunter, Jacobus & Wheeler 301). Zwangsläufig vereinfachten diese Künstler die Formen und Stile der Kunst und zogen sich damit vom traditionellen Realismus zurück. Außerdem wurde mehr Wert auf die visuelle Erscheinung als auf die Qualität der Kunstwerke gelegt. In konzeptioneller Hinsicht wurde die Wahrnehmung der Menschen völlig entstellt.
Es ist offensichtlich, dass die heutige Gesellschaft das Aussehen von Kunstwerken höher bewertet als ihre Qualität (Hunter, Jacobus & Wheeler 301). Es gibt jedoch eine große Kontroverse darüber, ob die Qualität der Kunst den Kosten entspricht, die auf dem Markt anfallen. Einige Kritiker argumentieren, dass die Qualität von Kunstwerken entsprechend verbessert werden sollte, wenn die Preise weiter steigen (Siegel & Mattick 88).
Andere wiederum argumentieren, dass die Schönheit im Verhältnis zum Preis betrachtet werden sollte. Überraschenderweise werden die meisten der präsentierten Kunstwerke als sehr teuer angesehen, obwohl die Qualität sehr dürftig ist (Siegel & Mattick 88). Der Aspekt der Schönheit hat die Moral von Künstlern geschwächt, die Kunstwerke nicht schaffen, um Aufmerksamkeit zu erregen, sondern um eine bestimmte Intuition und Emotion in den Köpfen der Menschen hervorzurufen.
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass das, was früher als künstlerisches Werk angesehen und in vollem Umfang akzeptiert wurde und wegen seiner Stärke und realen Illusion geschätzt wurde, verwässert wurde, da sich die Gesellschaft weitgehend den Elementen des Geschmacks und der Schönheit zuwendet. Vor diesem Hintergrund haben auch verschiedene Kunstansätze wie Realismus und Modernismus die Wahrnehmung der Menschen tiefgreifend beeinflusst.
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass einige Menschen Kunst als ein Produkt von Fähigkeiten und Wissen betrachten und dass sie um ihrer selbst willen gemacht werden sollte. Andere wiederum betrachten Kunst als eine Beschäftigung, die zur Herstellung von Objekten genutzt werden kann, die sowohl dem Geschmack als auch den Vorlieben der einzelnen Mitglieder der Gesellschaft entsprechen. Nichtsdestotrotz werden Kunstwerke kritisch hinterfragt, da die Produkte, die aus diesem Bereich stammen, dazu neigen, den Künstlern ihre geschätzten Titel abzusprechen.
Das Argument, das vorgebracht wurde, ist, dass Künstler aufgrund des Festhaltens an Eigeninteressen in der Kunst an den Rand gedrängt und lediglich als Handwerker oder Gewerbetreibende behandelt wurden. Diese Kritik ändert jedoch nichts an der Tatsache, dass Künstler in der Gesellschaft nach wie vor für ihren positiven Beitrag geschätzt werden, den sie seit jeher geleistet haben. Es steht außer Zweifel, dass die Moderne in dieser Frage eine relativ negative Rolle gespielt hat.
Zitierte Werke
Eine Weltgeschichte der Kunst. Kunst im Wandel der Zeitalter. 2011. Web.
Cork, Richard. Breaking down the Barriers: Art in the 1990s, New Haven: Yale University Press, 2003. Drucken.
Galenson, David. “Antizipation künstlerischen Erfolgs: Lehren aus der Geschichte”, Weltwirtschaft, 6. 2 (2005), 11-26.
Galenson, David. Malen außerhalb der Linien, Alte Meister und junge Genies: The Two Life Cycles of Artistic Creativity (Die zwei Lebenszyklen künstlerischer Kreativität), Princeton: Princeton University Press, 2006. Drucken.
Hunter Sam, Jacobus, John & Wheeler Daniel. Moderne Kunst. New Jersey: Prentice Hall, 2004. Drucken.
Siegel, Katy & Mattick, Paul. Kunstwerke: Money. New York: Thames & Hudson, 2004. Drucken.