Es liegt auf der Hand, dass soziale, politische oder wirtschaftliche Bedingungen das Wesen und die Bedeutung der Kunst verändern können.
In der Barockzeit wird dies am Beispiel von Berninis Vierströmebrunnen deutlich. Die Barockzeit war sehr darauf bedacht, den natürlichen Rhythmus und das Zeitgefühl in den Kunstwerken zu stärken.
Berninis Brunnen der vier Flüsse stellt die vier Kontinente dar, die zu Berninis Zeit bekannt waren, nämlich Afrika, Europa, Asien und Amerika, und zwar durch die vier großen Flüsse, die mit jedem dieser Kontinente verbunden waren – der Nil, die Donau, der Ganges und der Rio Della Plata. Die Gestaltung des Werks ermöglicht es dem Wasser, auf sehr natürliche Weise über die Figuren zu fließen, was sowohl ein Gefühl für die Zeit als auch für die Natur hervorruft, im Gegensatz zu den sorgfältig gelenkten Strömen, die in der früheren Renaissance wichtig waren.
Einige dieser Figuren könnten wir heute als stereotyp oder sogar rassistisch betrachten, wie etwa die Figur des Nils, dessen Kopf bedeckt ist, was ihn zwingt, in ewiger Dunkelheit zu leben. Der gesamte Brunnen stützt einen 54 Fuß hohen ägyptischen Obelisken, der der Sonne gewidmet ist und in der Mitte platziert wurde, wodurch sein ursprünglicher ägyptischer Kontext, der weitgehend unbekannt bleibt, aufgehoben und ihm an seinem römischen Standort eine neue Bedeutung verliehen wurde.
Eine große bronzene Taube wurde auf dem Brunnen platziert, um das friedliche Wirken der Kirche zu symbolisieren, die über die Welt wacht, sowie die Familie des Papstes, der das Werk in Auftrag gegeben hat.
Im Laufe der Zeit interessierte man sich mehr für den Ausdruck von Gefühlen als für die Darstellung der perfekten Form. Herbert James Draper schuf “Die Perlen der Aphrodite” in der Zeit der Romantik.
Dieses Gemälde zeigt eine hochgewachsene, honigblonde, fast nackte Figur, die auf einem Felsen steht. Ihr Haar weht wie ein schützender Mantel um ihren weißen Körper und wird von einem goldenen Reif vom Kopf gehalten. In ihrer Pose lehnt sie sich leicht nach hinten von der Bildebene weg, wobei sie einen Arm hebt, um eine Perlenkette an ihrem schlanken Hals zu halten, während die andere Hand ausgestreckt und leicht um ihren Körper gebogen ist, um das andere Ende der Perlen zu halten. Die Form ihres Arms scheint eine anmutige Ballettbewegung zu suggerieren, die in Verbindung mit ihrer Kontraposthaltung die Energie des Gemäldes auf Aphrodite selbst überträgt. Aphrodite ist am Oberkörper nackt, wobei die Perlen sanft über ihr kleines Dekolleté fallen, und ihr weißer Körper selbst steht als die typische verehrte weiße Säule, die gewöhnlich mit der Antike assoziiert wird, jedoch durch Fleisch gemildert. Ihr Unterkörper ist locker mit weißer Gaze drapiert, die nur wenig weißer als ihre Haut ist und Reinheit und Göttlichkeit symbolisiert, die die Ideale des Weiblichen waren, aber auch mit einem roten Mantel, der kaum sichtbar hinter ihr liegt und ihre eher sexuelle Natur repräsentiert, da sich diese Ideen im gesellschaftlichen Bereich entwickelt hatten.
Jenny Holzer wurde 1950 in Ohio geboren und begann ein Leben lang zu lernen, vor allem in den Bereichen Design und Kunst. Berühmt wurde sie durch ihre Truism-Serie, in der sie ihre Kunst aus dem Kontext langatmiger Texte, Bilder und Innenräume herauslöste und in kühnen, klaren und prägnanten Aussagen auf die Straße brachte. “Truism’ dramatisierte eine entpersonalisierte und amoralische Informationslandschaft durch Nebeneinanderstellungen. Seitdem hat Holzer eine Vielzahl von Texten mit Standpunkten produziert, die von einem aufrührerischen Manifest über feministische oder elterliche Besorgnis bis hin zu trostloser Resignation reichen. In all ihren Arbeiten verknüpft sie ideologische Aussagen mit den Formen und Bedeutungen der Architektur” (Stuart Collection, 1992). Obwohl sie in New York lebt und arbeitet, ist ihr Werk landesweit bekannt für seine bissigen Reflexionen über aktuelle politische Themen und den unverhohlenen Versuch, den Durchschnittsverbraucher in die Interaktion einzubeziehen.
Holzer versucht, die Realität innerhalb akzeptierter symbolischer Systeme zu verfremden. Anstatt Bilder als Wahrheit zu präsentieren, arbeitet Holzer daran, Worte als Wahrheit zu präsentieren, indem sie auf kulturell angepasste Slogans zurückgreift, und zwar durch ihre abgekürzten Truisms, eine Ausstellung, die sie 1977 begann und die noch bis 1990 gezeigt wurde. Auf dem Bild unten zeigt das Guggenheim Museum 1990 eine spezielle dreifarbige LED-Anzeige, um Holzers Slogans zu präsentieren. Sie stellt die Idee in Frage, dass Kunst in geschlossenen Räumen für wenige Auserwählte aufbewahrt werden muss, bevor sie überhaupt ein Wort gesagt hat. Durch die Verwendung vieler klischeehafter Slogans in ihrer digitalisierten elektronischen Anzeige fordert Holzer ihr Publikum visuell heraus, diese kulturell akzeptierten Sprüche zu “hören”, die seit der Kindheit in Umlauf gebracht, aber weitgehend ignoriert werden.
Was nicht explizit geschrieben steht, aber verstanden wird, ist, dass man darüber nachdenken soll, was diese Slogans bedeuten, indem man eine Ebene des Erhabenen in die öffentliche Sphäre einführt, in der sie ihre Arbeit zeigt.
Referenzen
Guggenheim Museum. “Ohne Titel”. 2008. Web.
Sammlung Stuart. (1992). “Jenny Holzer”. San Diego, CA. Web.