Das Genre des Horrorfilms ist eines der beliebtesten Genres, die sich im Filmgeschäft entwickelt haben. Dies wurde durch den freien Zugang zum Fernsehen und zu Kinos in der ganzen Welt ermöglicht. Für diesen plötzlichen Wandel der Ereignisse lassen sich verschiedene Gründe anführen; niemand kann jedoch erklären, warum die meisten Menschen in der Gesellschaft dazu neigen, das Genre zu schätzen, obwohl es unrealistisch und fiktiv ist (Corrigan 6).
Obwohl die meisten ihrer Inhalte Fiktion sind, ist es ein Irrtum anzunehmen, dass Horrorfilme primitiv und schlicht sind. Natürlich sind Horrorfilme dafür bekannt, dass sie traditionelle und ungehobelte Merkmale aufweisen, und die Regisseure dieser Filme gelten als nicht konform mit den Veränderungen in der Gesellschaft. Meiner Meinung nach würde ich behaupten, dass es in allen Bereichen des Kunstkinos mehrheitlich mittelmäßige Crews und nur wenige gute Crews gibt, und das Horrorgenre ist da keine Ausnahme.
Unter den wenigen faszinierenden und genialen Horrorfilmen werden The Eye (Gin gwai; Regie: Pang Brothers, 2002, Hongkong), Tell Me something (Regie: Chang Yoon-Hyun, 1999, Südkorea) und A Tale of Two Sisters (Janghwa, Hongryeon; Regie: Kim Ji-woon, 2003, Südkorea) im Mittelpunkt stehen. Die drei Filme stehen für das klassische Horrorgenre, und die Regisseure haben in Bezug auf Schnitt, Kameraführung und Sounddesign der Filme eine enorme Leistung erbracht.
A Tale of Two Sisters ist ein echter Trick des Horrorfilms, der sich durch den Einsatz von Framing auszeichnet. Idealerweise wurde eine einfallsreiche Rahmung verwendet, um die Aufmerksamkeit des Publikums zu erhöhen, eine Gänsehaut zu erzeugen und ein ersticktes Keuchen hervorzurufen. Der Film beginnt mit einer kurzen Szene, die die psychiatrische Abteilung beschreibt.
Der Arzt bereitet sich darauf vor, seine Patientin zu befragen, die wiederum eine hässliche und unheimliche junge Frau ist, deren Gesicht von langen Haaren verdeckt ist. Der Arzt möchte wissen, was mit ihr passiert ist, aber die Szene wird ausgeblendet und der Zuschauer sieht einen Blick in ein Auto, das auf das Land fährt.
Kims verwirrende Positionen und weite Schwenks zielen darauf ab, im Film Angst zu erzeugen. Er führt die koreanischen Horrorthemen vor, die den Zuschauern vertraut sind. Dazu gehören verfolgte Kinder, Kinderbande, die stark genug sind, um den Tod herauszufordern, Unterdrückung von Frauen, neurotische Stiefmütter, übertriebene Weiblichkeit und unfähige Väter (Corrigan 56).
Die beiden Teenager-Schwestern Mun Geun-Yeoung und Im Su-Jeong kommen in ihrem opulent ausgestatteten Haus auf dem Lande an, nachdem sie eine psychiatrische Klinik besucht hatten. Su-Jeong hat einen souveränen Auftritt, während ihre Schwester sanftmütig ist und auf der Strecke bleibt. Die ganze Szene zeigt Yeom, ihre Stiefmutter, als ängstlich und unruhig. Sie versucht ihr Bestes, um die beiden Mädchen zu beruhigen, obwohl es zwischen ihnen immer wieder zu Auseinandersetzungen kommt.
Ich glaube, dass ihre Stiefmutter eine dunkle Vergangenheit hat, die sie vor ihnen verbirgt, und auch ihrem Haus traut sie nicht. Die Wahrheit, die die Beziehung der Familie umfasst, ist verworren und lässt sich nicht so einfach aufklären. Kims Abhilfe ist eine verworrene Montage, die darauf abzielt, die Schlussszene neu zu gestalten; sie löst das Problem jedoch nicht, sondern verkompliziert es weiter.
Die Handlung mag angesichts der ungewöhnlichen Über-Kopf- und Hinter-Kopf-Aufnahmen enttäuschend sein, die zusammen mit dem frischen Blocking eine Horrorszene notwendig machen. Die Aufnahmen erzeugen einen ohrenbetäubenden Moment, der das Publikum erschreckt und zu einem rationalen Schluss führt.
Der Film ist erfolgreich, da er keine Erklärungen für einige erstaunliche Handlungen verlangt, was es den Regisseuren ermöglicht, Angst und Schuldgefühle bei den Figuren und den Zuschauern sanft einzubringen. Mit diesen Merkmalen gelingt es A Tale of Two Sisters, die Angst der Figuren während des gesamten Films zu verstärken. Dadurch wird sichergestellt, dass die Schreckenstaten die Realität widerspiegeln und den Zuschauer noch mehrere Tage nach dem Ansehen des Films verfolgen (Corrigan 18).
Trotz der Wirkung des Films und der von Kim geschaffenen Horrorthemen gibt es kleinere Kritikpunkte, die an dem Film geäußert wurden. Der Film ist langsam, und das Publikum kann es schwierig finden, dem Film zu folgen. Es dauert lange, bis er seinen Höhepunkt erreicht und den Zuschauer in seinen Bann zieht.
Obwohl langsame Filme nicht zu beanstanden sind, wenn das Thema in einem bestimmten Zeitraum umgesetzt wird, müssen Horrorfilme nicht viele Themen beinhalten, bevor das Thema des Grauens in die Szene eingefügt wird. Außerdem reichen die Informationen nicht aus, damit das Publikum oder der Zuschauer die genauen Handlungen verstehen kann – sie sind voller Spannung.
Obwohl Rätselraten und Spekulationen zu den Stilmitteln gehören, die Filmautoren verwenden, wären einige Aspekte vereinfacht worden, um das Rätsel zu verkleinern oder zu minimieren. Da es dem Film gelingt, die Horror-Atmosphäre zu nutzen, müssen einige der Szenen nicht unbedingt erzählt werden, wenn man sie betrachtet. Sie sind lediglich dazu da, um beim Zuschauer Spannung zu erzeugen.
Zum Beispiel die Szene, in der Su-yeon mit den Füßen im Wasser hängt, während etwas unter ihren Füßen herumschleicht, die Szene, in der Su-mi im Kühlschrank auf etwas Blutiges stößt, und die Szene, in der Su-yeon die Bettdecke weggezogen wird (Maxted 124). Diese wenigen Beispiele veranschaulichen eher eine direkte Fiktion für den Zuschauer, da die meisten dieser Handlungen nicht real sind – sie sind übertrieben.
The Eye hingegen verdankt einen Teil seines Erfolges dem geschickten Anzapfen lokaler (Hongkong) und Hollywood-Horrortexte, aber er ist auch erfolgreich, weil er an einem aufstrebenden zeitgenössischen panasiatischen Horrordiskurs teilhat. Das am unmittelbarsten erkennbare gemeinsame Gattungselement von The Eye ist natürlich die Fähigkeit der Protagonistin, Geister zu sehen, die sie nicht nur mit der jungen Protagonistin von The Sixth Sense, sondern auch mit vielen anderen Horror-Protagonisten gemeinsam hat.
Sydney Wells (Helen) war seit ihrer Kindheit blind. Sie erhält eine Hornhauttransplantation, die ihre Sehkraft wiederherstellt, die sie in ihrer Kindheit verloren hatte, als Helen, ihre Schwester, ihr mit einem Feuerwerkskörper ins Gesicht schoss. Nach der Operation ist Sydney in der Lage, verschwommene Bilder zu sehen. Dies kann jedoch als normales Phänomen angesehen werden, wenn man sich nach einer langen Zeit ohne Auge einer Hornhauttransplantation unterzieht.
Die schattenhaften Gestalten, die Sydney sieht, sind jedoch bedrohlich und ganz anders als die Bilder von realen Menschen. Bei einer Gelegenheit sah sie zwei schattenhafte Gestalten, wobei die erste eine ältere Frau nachts wegführte; die ältere Frau schlief neben ihrem Bett im Krankenhaus.
Am nächsten Morgen, als sie aufwacht, stellt sie fest, dass die Frau gestorben ist. Nach dem Tod der Frau sieht Sydney die Frau weiterhin, aber die Bilder sind verschwommen, und sie kann nicht herausfinden, was sie tut. Die Kinematographie spielt in dieser Szene eine wichtige Rolle.
Die Kameralinse wird mit Vaseline eingeschmiert, um die Bilder unscharf zu machen, und zwar für die gesamte halbstündige Aufnahme, die gemacht wird. Eine wichtige Wendung besteht darin, dass sie sich zunächst nicht bewusst ist, dass es Geister sind, die sie sieht; dies wird dadurch ermöglicht, dass sie seit ihrem zweiten Lebensjahr nicht mehr sehen kann (Choi und Wada-Marciano 23).
Das Thema der ungelösten Probleme aus der Vergangenheit ist natürlich auch in vielen Filmen mit Geisterthemen zu finden. In The Eye geht es in erster Linie um Geister, die zufällig auf der Durchreise sind, und um solche, die emotionale Probleme zu lösen haben, die zufällig in Helens Nähe gestorben sind. In gewisser Weise erinnert der Film jedoch an das Gefühl der persönlichen Schuld oder der Verbindung zwischen dem Verfolger und dem Verfolgten, wie es in Geisterfilmen der rachsüchtigen Sorte vorkommt.
Eine weitere thematische Auswirkung des erzählerischen Mittels, die Toten unter den Lebenden sichtbar zu machen, ist die starke Betonung der Existenz und der engen Verflechtung von Vergangenheit und Gegenwart. Dieser Gedanke schwingt in Das Auge auf zahlreichen Ebenen mit, nicht zuletzt in den Schauplätzen selbst.
Der ursprüngliche Schauplatz Hongkong wird so dargestellt, wie er in Wirklichkeit ist: eine Stadt mit modernen Hochhäusern und Autobahnen, aber auch mit stillgelegten öffentlichen Plätzen, in denen sich ein Geist wie zu Hause fühlen würde. Die architektonische Vielfalt Hongkongs wird an einer Stelle sogar in einem Dialog angedeutet, wenn ein Kellner in einem älteren und in der Tat heimgesuchten Bratenrestaurant die Situation in Hongkong erklärt.
Die Betonung der Mehrsprachigkeit verweist auf ein weiteres markantes und zentrales Thema in Das Auge, das die Motive des Transnationalismus und des Spuks mit dem der Identitätsverwirrung verbindet. Helens Interesse an ihrer eigenen Identität zeigt sich von dem Moment an, in dem ihre neue Vision ins Blickfeld gerät. Ihr erster Wunsch ist es, ins Badezimmer gebracht zu werden, damit sie sich im Spiegel betrachten kann. Diese Neugier und dieses Interesse verwandeln sich in Verwirrung und Beunruhigung; sie erkennt jedoch, dass einige ihrer Visionen von jemand anderem stammen könnten.
Die Horrorszenen sind zwar billig in den Film eingebaut, aber sie lassen den Zuschauer mehr als einmal zusammenzucken. Außerdem werten der schickere Look und das größere Budget einige der Szenen auf, obwohl sie bloße Kopien von Szenen aus Hongkong-Filmen sind. Insbesondere eine der Szenen, in der es um ein Restaurant geht, das einem Chinesen gehört, wurde mit einem schönen Effekt abgewandelt, was die Originalität des Films unterstreicht. Palud und Moreau sind sehr darauf bedacht, dass der Film nicht zu einer der Szenen von Ghost Whisperer wird.
Tell Me Something gehört zum südkoreanischen Thriller- und Horror-Genre. Im Jahr 1999 wurde der Film aufgrund seiner großartigen Horroreigenschaften, die in allen Episoden des Films auftauchen, als Hard-Gore-Thriller bezeichnet. Der Erfolg ist auf den ausgeklügelten Trailer, das große Budget für die Marketingkampagne und die Vormachtstellung der beiden Hauptdarsteller zurückzuführen. So war “Tell Me Something” mit seiner reichhaltigen Kinematographie im späten 20. Jahrhundert sehr gefragt.
Der Film beginnt mit einer atemberaubenden Szene. In Seoul taucht eine Reihe von Müllsäcken auf, die mit menschlichen Körperteilen von Mordopfern gefüllt sind. Der Fall fällt in die Hände von Detective Jo, einem der in Ungnade gefallenen Soldaten, die von ihren älteren Kollegen brutal behandelt wurden. Jo arbeitet mit Oh zusammen, und sie analysieren schnell die ihnen vorgelegten Fälle mit dem Ziel, einen Hinweis auf den Vorfall zu bekommen. Die beiden Polizisten erfahren, dass es sich bei den Leichen um drei Freunde handelt, die im Museum von Chae Su-yeon gearbeitet haben.
Der Film verwendet neongetränkte Kulissen, um den Effekt zu verstärken. Regisseur Chang versteht es, die nötige Atmosphäre zu schaffen, indem er Tell Me Something mit der Spannung und dem Gruselfaktor eines Horrorfilms ausstattet. Der Soundeffekt demonstriert die dämonische und kriegsähnliche Atmosphäre, und der Zuschauer hat das Gefühl, dass er sich in dieser “dunklen” Atmosphäre befindet, die von bösen Geistern und Krieg geprägt ist (Choi und Wada-Marciano 48).
Das Szenario wird auch durch die unauffälligen Darbietungen von Shim und Han sowie durch das zurückhaltende Drehbuch unterstützt, das sich im Laufe des Films allmählich enthüllt. Das Drehbuch ist gut choreografiert, vor allem bei den Visualisierungen der sporadischen Morde, bei denen Chang abgetrennte Gliedmaßen, Sezierungen, große Mengen Blut und enthauptete Köpfe zeigt. Wer ein schwaches Herz hat, sollte sich den Film auf nüchternen Magen ansehen.
Während seiner zweistündigen Laufzeit fesselt der Film den Zuschauer durch Spannung und zieht ihn näher an das Geheimnis, das die Episoden umgibt. In der letzten Szene fällt Tell Me Something jedoch auseinander. Das Schema, das den Mörder verkörpert, ist überwältigend und wird zu sehr ausgearbeitet, so dass das Publikum verwirrt ist.
Obwohl der Film mit einem Höhepunkt endet, der durch einen großartigen Soundtrack und gut fokussierte Aufnahmen inszeniert wird, ergibt die Szene keinen Sinn. Es ist schwer, die Ereignisse, die zur letzten Episode geführt haben, zu verknüpfen. Noch beunruhigender ist das Postskriptum des Films, das eine logikfeindliche Szene einführt, die die Geheimnisse des Mordes verdreht.
Obwohl einige der Szenen dazu auffordern, die nachfolgenden Episoden zu sehen, erfordern andere Motivationen von den Charakteren, um den Film zusammenhängend zu machen. Idealerweise wurden im Internet zahlreiche Diskussionsgruppen ins Leben gerufen, die versuchen, das Geheimnis hinter der verworrenen Geschichte des Films zu lüften.
Meiner Meinung nach könnte die Verwirrung durch die Nachlässigkeit der Crew und der Regisseure verursacht worden sein, die einige Szenen ausgelassen haben, die den Film kohärent gemacht hätten. Die offensichtlichsten logischen Lücken im Film bestehen in der Art und Weise, wie Detective Oh unzusammenhängende Szenen, die auf ein Verbrechen hindeuten, mit den stattgefundenen Morden in Verbindung bringen kann.
Wäre das Ende von einem Mangel an Verwirrung geprägt gewesen, hätte Tell Me Something eine uneingeschränkte Empfehlung von den Zuschauern erhalten. Wenn das Publikum jedoch die Fehltritte des Regisseurs und den Verzicht auf einige Szenen verzeiht, dann hat der Film mehr positive als negative Eigenschaften. Der Film verfügt über alle Stilmittel, die ein Kunstwerk ausmachen: Spannung, Unterhaltung und visueller Thriller.
Zusammenfassend kann man sagen, dass die drei Filme die wahren Werke des Horrorgenres sind. Die Filme sollten nicht nur aufgrund ihres antiken Charakters anerkannt werden, sondern auch aufgrund der Intention der Entwickler der Filme.
Obwohl sich der Aufsatz nur auf drei Filme konzentriert hat, haben die meisten Horrorfilme eine implizite Bedeutung für die heutige Gesellschaft und sollten nicht auf die leichte Schulter genommen werden. Die Themen und die verwendeten Mittel wie Sounddesign, Kameraführung und Schnitt wurden von den Regisseuren der Filme beachtet, um sich dem Markt anzupassen. Daher sind die Filme ein Klassiker des Horrorgenres.
Zitierte Werke
Choi, Jinhee und Wada-Marciano Mitsuyo, Hrsg., Horror to the Extreme: Changing Boundaries in Asian Cinema. Hongkong: Hong Kong University Press, 2009.
Corrigan, Timothy. Ein kurzer Leitfaden zum Schreiben über Film. New York: Longman, 2009.
Maxted, Anna. Eine Geschichte von zwei Schwestern. New York: Dutton, 2006