Antirealistische Mittel in den Stücken Essay

Words: 1636
Topic: Literatur

Einführung

Das Drama des 20. Jahrhunderts erfuhr mit dem Aufkommen von Dramatikern wie Tennessee Williams und Samuel Beckett, die den Beginn eines neuen, antirealistischen und absurden Theaters markierten, einen großen Wandel. Es ist hervorzuheben, dass die Bewegung des Anti-Realismus auf der Bühne mit ihren komplizierten, fragmentierten Dialogen, Paradoxien und der Abkehr vom konventionellen Drama, den antirealistischen oder absurden Darstellungsprinzipien, die eine verzerrte Realität vermitteln, um eine innere Wahrheit zu erreichen, den Realismus herausforderte.

Sowohl Glass Menagerie als auch Endgame greifen auf antirealistische Mittel zurück, wie Wortspiele, sprachliche Lücken und Schweigen, reduzierte Mobilität der Figuren, die die Aufmerksamkeit des Publikums vom Objektivismus der Realität ablenken, um die Themen “Bewusstsein der Absurdität und Bedeutungslosigkeit des menschlichen Zustands und der Zeit”, Trauer und Depression in Becketts Stück und die Themen der Schwierigkeit, die Realität zu akzeptieren, eine starke Beziehung zur Erinnerung und zur Vergangenheit, die Unmöglichkeit einer wahren Flucht und des Verlassens in Glass Menagerie zu vermitteln (Saddik 46).

Haupttext

Samuel Beckett gilt als einer der wichtigsten Vertreter des absurden Dramas. Was Endgame von Samuel Beckett betrifft, so ist es ein brillantes Beispiel für das antirealistische Theater. Endgame ist ein Einakter, der reich an Symbolen ist und “eher schwierig und elliptisch ist und von seiner eigenen Logik bestimmt wird” (Saddik 32). Das Stück besteht nur aus vier Figuren: Hamm, Clov, Nagg und Nell, die an verschiedenen körperlichen Behinderungen leiden, zwei von ihnen leben in Mülltonnen.

Um eine antirealistische Atmosphäre zu schaffen, greift Beckett auf eine minimalistische Dekoration der Szene zurück: ein kahler, fast unterirdischer Raum, zwei kleine Fenster und zwei Mülltonnen, die von dezentem, grauem Licht beleuchtet werden, obwohl die Handlung tagsüber spielt (Sikorska 70). Da absurde Theaterstücke auf Sprachspielen, Pausen, Stille und dem Konzept der fehlenden Kommunikation der Charaktere beruhen, umfasst Endgame all diese Prinzipien, um die Aufführung so weit wie möglich von der realistischen Wahrnehmung zu entfernen, “um die Bedeutungslosigkeit der ‘Wahrheit’ zu zeigen” (Saddik 32).

Beckett veranschaulicht seine Ansichten über die Sprache, die nicht in der Lage ist, die Wahrheit des Lebens auszudrücken, durch den Dialog von Clov und Hamm: “Ich benutze die Worte, die du mir beigebracht hast. Wenn sie nichts mehr bedeuten, lehre mich andere. Oder lass mich schweigen” (Beckett 44). Darüber hinaus wird die bestimmte Botschaft oft mit nicht-sprachlichen Mitteln vermittelt. So kommunizieren Nagg und Nell, die in den Mülltonnen leben, miteinander, indem sie “mit den Tonnen klappern” (Saddik 32).

Typisch für das antirealistische Theater ist auch die eingeschränkte Bewegungsfreiheit der Figuren, die durch Nagg und Neil, die in den Mülltonnen eingeschlossen sind, Hamm, der nicht stehen kann, und Clov, der nicht sitzen kann, dargestellt wird, was zu einem komischen Effekt führt, wenn die Figuren versuchen, sich zu bewegen. Dieses Mittel hat den Zweck, von der Eitelkeit der Realität abzulenken.

Ein weiteres wichtiges Merkmal des antirealistischen Theaters ist das Fehlen einer Handlung, so dass sich die Handlung auf der Bühne durch Dialoge der Figuren entwickelt. Um die antirealistische Atmosphäre des Stücks zu untermauern, bedient sich Becket außerdem der zurückhaltenden Wiederholung und des Missverständnisses: “Finished. Es ist fast fertig, fast fertig, es muss fast fertig sein. Körnchen für Körnchen, eins nach dem anderen, plötzlich ist da ein Haufen, ein kleiner Haufen, der unmögliche Haufen” (Beckett 1).

Hamm und Clov haben Angst vor jeder Veränderung in ihrem Leben und spüren die Unausweichlichkeit des Endes. Selbst wenn sie versuchen zu beten, können sie einander nicht verstehen: “Lasst uns zu Gott beten./Meine Zuckerpflaume!/Gott zuerst./Es gibt keine Zuckerpflaumen mehr!” (Beckett 54). Das wiederholte Wort “beendet” ist symbolisch mit dem Titel verbunden, der dem Schachvokabular entnommen ist und metaphorisch auf das Hauptthema der Absurdität des Lebens, der Einsamkeit, der Unausweichlichkeit und der fehlenden Entwicklung der Zeit hinweist, die einen Zyklus darstellt, der ins Leere führt.

Ein weiteres antirealistisches Element, das in Endgame zu finden ist, ist das Fehlen einer linearen Zeit; die Zeit in dem Stück unterliegt nicht dem normalen Zeitmuster, da es keine eindeutige Vergangenheit, Zukunft oder Gegenwart gibt, was die existenzialistischen Themen des Stücks noch verstärkt. Die absurdistische Natur des Stücks ist gekennzeichnet durch “die Verwendung von ungelösten Enden und die psychologische Ablehnung des Publikums” (Sikorska 68). Beckett lehnt konventionelle realistische Mittel ab und bietet kein logisches Ende, da die Zeit nicht dem traditionellen Muster folgt, sondern das Ende des Stücks als Anfang dienen kann: Die letzten Zeilen von Claw lauten “Me to play. Old game lost of old, play and lose and have done with losing…” ist dasselbe wie der Anfang, der “das Publikum mit ungelösten Gedanken über das Stück zurücklässt und sich fragt, was wohl passiert wäre, wenn es einen Abschluss gegeben hätte” (Saddik 37).

Indem Beckett die Figuren mit ihrer eigenen Verhaltenslogik schafft, erlaubt er dem Publikum nicht, “mit den Figuren auf der Bühne zu sympathisieren oder sich in sie einzufühlen”, da sie absurde, anti-realistische Figuren darstellen, die nach ihren eigenen Regeln existieren (Sikorska 72). Alles in allem ist Beckett ein tiefgründiges postmodernes Stück gelungen, in dem die Figuren spielen und gespielt werden und in dem es um existenzialistische Themen wie “das Bewusstsein der Absurdität und der Bedeutungslosigkeit des menschlichen Zustands und der Zeit”, Trauer und Depression geht, die durch die Verwendung antirealistischer Mittel verstärkt werden (Sikorska 73).

Der Vertreter des antirealistischen amerikanischen Dramas war Tennessee Williams, obwohl Williams’ Stücke die Konventionen des sozialen Realismus mit antirealistischen Mitteln kombinierten, im Gegensatz zu Beckets Stücken, die den Prinzipien des absurdistischen Dramas unterworfen waren. Williams bedient sich antirealistischer Mittel, um die Themen der Schwierigkeit, die Realität zu akzeptieren, der starken Bindung an die Erinnerung und die Vergangenheit, der Unmöglichkeit einer wirklichen Flucht und des Verlassens zu verstärken. Glass Menagerie, ein Erinnerungsstück, ist eines der tiefgründigsten und einflussreichsten Stücke des amerikanischen Dramatikers. Es erzählt die Geschichte der behinderten Laura, ihres Bruders und ihrer Mutter, die versucht, eine Beziehung zwischen Laura und dem Gentleman Caller herzustellen.

Es wird davon ausgegangen, dass das Stück teilweise auf dem realen Leben des Dramatikers basiert, dessen jüngere Schwester Rose an einer unheilbaren psychischen Krankheit litt und nach einer erfolglosen Operation für den Rest ihres Lebens behindert blieb (Williams 14). Trotz der Tatsache, dass Glass Menagerie “im Wesentlichen realistisch strukturiert ist, aber antirealistische Mittel einsetzt”, die “nicht greifbare Wahrheiten” des Stücks darstellen sollten (Saddik 58).

Was den Schauplatz des Stücks betrifft, so ist er nicht konventionell, sondern verändert sich schnell, was auf den raschen Wandel der Gesellschaft hinweist, der durch die industrielle Entwicklung der Nachkriegszeit ausgelöst wurde, und auf die Unfähigkeit der Menschen, sich diesem Wandel anzupassen und zu überleben. Es sei jedoch darauf hingewiesen, dass Ort und Zeit im Gegensatz zu Endgame eindeutig und verständlich sind. Es ist offensichtlich, dass Williams’ Rückgriff auf antirealistische Mittel eine Herausforderung und eine Reaktion auf die Gesellschaft und seine eigene Lebenserfahrung darstellt. Ähnlich wie Endgame ist Glass Menagerie hochgradig symbolisch: Die Symbolik lässt sich im Titel des Stücks nachverfolgen, der für die zerbrechliche und unschuldige Natur von Laura steht. (Saddik 59).

Ein weiteres Merkmal des antirealistischen Dramas, das dem Stück innewohnt, wurde vom Autor hervorgehoben, der versuchte, auf der Bühne nur das Wesentliche oder Bedeutende zu zeigen und Tableaus zu verwenden (Williams). Diese antirealistische Technik findet sich in der Schlussszene des Stücks wieder, in der Amanda Laura “wie eine Madonna” tröstet (Zuber-Skerritt 120).

Darüber hinaus lehnt Williams, den antirealistischen Mustern folgend, lange Reden ab und betont Pausen, sprachliche Lücken, Schweigen, elliptische und unvollständige Sätze, um sein vorrangiges Ziel zu erreichen, eine Wahrheit zu zeigen, die “jenseits der Oberfläche und jenseits der sprachlichen Bedeutung” liegt (Williams 13). Die Neuerung, die Williams in seinem Stück eingeführt hat, um die Wahrheit durch Illusion darzustellen, ist die Verwendung einer Leinwand, “auf die Dias mit Bildern oder Titeln in Form von Laterna Magica projiziert wurden”, um die Aufmerksamkeit des Publikums vom Drama abzulenken und zu verhindern, dass es sich in der realistischen Wahrnehmung und Beurteilung der Figuren verliert, obwohl dieses Mittel in der Inszenierung des Stücks weggelassen wurde (Williams 13). Darüber hinaus wird die Leinwand verwendet, um bestimmte Themen des Stücks während der Aufführung hervorzuheben.

Eine weitere Technik, die die Glasmenagerie als antirealistisches Stück kennzeichnet, ist die Tatsache, dass Tom, Lauras Bruder, als Erzähler fungiert, ein Mittel, das nicht dem konventionellen realistischen Drama entspricht. Tatsächlich stellt Tom zu Beginn des Stücks fest, dass das Stück nicht realistisch, sondern “sentimental” ist, was darauf hindeutet, dass es eher um Gefühle als um objektiven Realismus geht (Zuber-Skerritt 119).

Das Stück wird folglich durch Toms subjektive Monologe dargestellt, die sich mit den Szenen auf der Bühne vermischen. In Verbindung mit der konventionellen Inszenierung, den Dialogen und der Handlung wird Tom als Gegenspieler der Realität dargestellt, denn obwohl die Szenen realistisch zu sein scheinen, erinnert der Erzähler das Publikum daran, dass es sich nur um eine Erinnerung handelt. Darüber hinaus nutzt Williams extra-diegetische Geräusche, um die Themen des Stücks zu verstärken, und ist auch die Produktion von Toms Erinnerung.

Schlussfolgerung

Alles in allem sollte betont werden, dass “die Vorenthaltung von Komfort und Nahrung in Glass Menagerie stark an Becketts Endgame erinnert, da beide Dramatiker eine Welt der Frustration, der Degeneration, des Verfalls und des Mangels darstellen, gepaart mit der Grausamkeit der Selbsterhaltung” (Williams 16). Obwohl mit realistischen Techniken verwoben, ähnelt Glass Menagerie dem anti-realistischen Endgame, da beide Stücke auf ähnliche anti-realistische Mittel zurückgreifen, wie die Loslösung von der Realität durch die Schaffung einer nicht-linearen Zeit oder eines nicht-fixierten Raums, das sprachliche Spiel und die Ablehnung konventioneller langer Dialoge und übermäßiger Bewegung auf der Bühne, logisch inkonsistente Ereignisse und so weiter.

Zitierte Werke

Beckett, Samuel. Endgame, ein Stück in einem Akt: Gefolgt von Act without Words, a Mime for One Player. New York: Grove Press, 1958.

Saddik, Annette J. Zeitgenössisches amerikanisches Drama. Edinburgh: Edinburgh University Press, 2007.

Sikorska, Liliana. “Die Sprache der Entropie: Eine pragmatisch-dramatische Analyse von Samuel Becketts Endgame”. Studia Anglica Posnaniensia XXVIII (1994): 65-83. Web.

Williams, Tennessee. Die Glasmenagerie. New York: New Directions Publishing, 1999.

Zuber-Skerritt, Ortrun. Von der Seite zur Bühne: Theater als Übersetzung. Amsterdam: Rodopi, 1984.