Das Studium der griechischen und römischen Götter und Göttinnen kann oft recht verwirrend sein, da sich mehrere dieser Gottheiten in ihren Zuständigkeitsbereichen und Verantwortlichkeiten überschneiden. Das liegt daran, dass die Griechen bereits vor ihrer Niederlage durch die Römer ein Pantheon von Göttern und Göttinnen geschaffen hatten, um die verschiedenen Prüfungen und Bedrängnisse zu erklären, denen sie in der Welt um sie herum ausgesetzt waren. Die Römer hatten zu dieser Zeit ihre eigene Göttergruppe, aber sie waren noch nicht in Familienstrukturen organisiert und hatten noch nicht die Detailtiefe der griechischen Erzählungen entwickelt (Stone B., 2005). Den erobernden Römern gefielen die Geschichten so gut, dass sie begannen, sie sich zu eigen zu machen und die Namen der Gottheiten zu ändern, damit sie das römische Erbe widerspiegelten und nicht das griechische. Gleichzeitig trieben diese Kulturen häufig Handel mit den Völkern Ägyptens, die ebenfalls Götter und Göttinnen mit ähnlichen Formen und Funktionen hatten. Um die spirituellen Überzeugungen und Gottheiten dieser alten Kulturen sowie die damit verbundene Symbolik besser zu verstehen, ist es hilfreich, die von ihnen hinterlassenen Kunstwerke zu studieren.
Die Sakhmet-Statuen stammen aus der 18. Dynastie Ägyptens unter der Herrschaft von Amenhotep III., etwa aus der Zeit zwischen 1390 und 1352 v. Chr. Im Gegensatz zu den in Griechenland oder Rom vorherrschenden Skulpturen bestehen diese Statuen aus einer Substanz, die Granodiorit genannt wird, einem Mischgestein, das sowohl einen hohen Anteil an Quarz als auch einen hohen Anteil an mafischem Gestein enthält, was ihm in vielen Fällen eine Art “Salz- und Pfeffereffekt” verleiht (Fichter, 2000). Während diese freistehenden Skulpturen Elemente dieses “Salz- und Pfeffer”-Erscheinungsbildes innerhalb des Materials beibehalten, können sie, wenn man sich von ihnen entfernt, den dominanteren, dunkleren Farbton annehmen.
Die Statuen in der Met-Sammlung sind sich in Form und Größe sehr ähnlich, jede ist knapp überlebensgroß und etwa 5,5 bis 6 Fuß hoch. Wenn die Göttin jedoch aus ihrer sitzenden Position aufstehen würde, wäre sie gelinde gesagt einschüchternd und würde die meisten Sterblichen auf der Erde überragen. In allen Fällen sitzt die Göttin bequem auf einem schlichten Thron, ihre Füße stehen schulterbreit auseinander und ruhen flach auf dem Boden, während ihre Hände sanft auf ihrem Schoß ruhen. Bis auf eine dieser Statuen hält die Göttin in ihrer linken Hand ein Ankh (die Ausnahme kann nicht bestimmt werden, da die linke Hand, der Arm und die Schulter der Statue beschädigt sind). Obwohl sich die Statuen ähneln, gibt es feine Unterschiede zwischen ihnen, die darauf hindeuten, dass sie nicht alle von demselben Künstler geschaffen wurden. So tragen einige der Göttinnen nur den Löwenkopf ohne weitere Verzierungen, während andere entweder einen runden oder einen säulenförmigen Kopfschmuck haben.
Die Statuen sind nur einige von vielen, die in der Umgebung des ehemaligen Tempels der Muttergöttin Mut am See von Karnak gefunden wurden, und liefern somit religiöse Gründe für ihre Entstehung. Inschriften auf einigen der Statuen deuten darauf hin, dass der Göttin ein Opfer dargebracht wurde, um sie glücklich zu machen und ihre Gunst auf den Auftraggeber zu lenken (siehe Kopie). Diese Göttin war besonders mächtig. In ihrem “negativen” Zustand war sie die Göttin des Krieges, der Pestilenz und der heftigen Stürme, doch wenn sie besänftigt und glücklich war, war sie die Göttin der Heilung (Kopie vorhanden). Das Vorhandensein des Ankh in ihrer Hand, eines Symbols für das Leben, trägt dazu bei, diesen Aspekt ihres Charakters zu verdeutlichen und zeigt, dass sie die Macht über Leben und Tod in ihren Händen hielt. Ein weiteres wichtiges Element der Darstellung der Göttin ist der Löwenkopf auf dem Körper der Frau. Auch dies verdeutlicht ihre Macht über Leben und Tod, da sie durch den allmächtigen König der Tiere dargestellt wird.
Die Marmorstatue der Aphrodite wird im Allgemeinen mit dieser einfachen Beschreibung bezeichnet. Es handelt sich um eine kaiserlich-römische, vollständig runde Skulptur, die vermutlich irgendwann im ersten oder zweiten Jahrhundert nach Christus angefertigt wurde und einer viel älteren griechischen Statue aus dem dritten oder zweiten Jahrhundert vor Christus nachempfunden ist. Die Statue ist die Duplikation oder Beinahe-Duplikation einer Aphrodite-Statue, die als eines der sieben Weltwunder galt, und es ist bekannt, dass sie die erste Statue dieser Art war, die die Göttin nackt darstellte. Obwohl es heute schwer zu erkennen ist, hatte die Göttin einst ihre Arme in einer schützenden Geste vor sich ausgebreitet, als sie versuchte, ihre Nacktheit zu bedecken. Der Legende nach soll sie überrascht worden sein, als sie gerade aus dem Bad stieg. Die Arme sind im Laufe der Zeit verloren gegangen, und ihre Unterschenkel wurden anhand von Gipsabdrücken ähnlicher Statuen in Rom wiederhergestellt (Kopie vorhanden). Die Göttin steht in einer Kontrapoststellung, wobei sie ihr Gewicht auf dem linken Fuß balanciert und der rechte Fuß leicht nach vorne geneigt ist. Ihr Körper ist vollständig entblößt und dem Betrachter frontal zugewandt, während ihr Gesicht und ihr Kopf nach links gerichtet sind.
Die Statue ist ein idealisiertes Bild der perfekten weiblichen Form. Sie ist weder zu dünn und gemeißelt noch fett und an den falschen Stellen ausgebeult. Stattdessen wird sie als perfektes Beispiel für weibliche Schönheit und Fülle in der Gemeinschaft dargestellt. Trotz dieses idealisierten Zustands ist sie dennoch realistisch, als könnte sie sich in der Kleidung jedes normalen griechischen Mädchens verstecken, mit der einzigen Ausnahme der überlebensgroßen Maße. Der Künstler macht sich die Symbolik der Statue zunutze, indem er etwas einfügt, das wie ein kleiner Krug oder eine Delphinform aussieht. Dies spiegelt die Göttinnen wider, die mit dem Ozean verbunden sind. Der Legende nach ist sie aus dem Schaum des kastrierten Gliedes ihres Vaters aus dem Ozean entsprungen und wird stark mit dem Wasser und dem Wasserelement in Verbindung gebracht. Sogar ihre Frisur ist so gestaltet, dass sie die Wellen des Ozeans andeutet, während die leichte Wölbung ihres Bauches dazu beiträgt, das Konzept der Mutterschaft anzudeuten.
Auch die frühen Christen hatten ihre Skulpturen und Kunstwerke, um ihren Göttern zu gedenken, wie die thronende Jungfrau mit Kind, die aus Nussbaumholz gefertigt und mit Farbe, Leinen und Gesso verziert ist. Die Skulptur ist relativ klein und misst nur etwa 31 Zentimeter, was sie lebensgroß machen würde, wenn sie stehen würde, was ziemlich viel kleiner ist als einige der anderen Beispiele der Gottheit. Es wird angenommen, dass diese Statue in den späten 1100er Jahren irgendwo in Zentralfrankreich, wahrscheinlich in der Auvergne, geschaffen wurde. Diese vollplastische Statue ist offensichtlich religiöser Natur, obwohl bewundernswerte Anstrengungen unternommen wurden, um die Züge der Figuren einigermaßen realistisch erscheinen zu lassen. Ein Hinweis auf den religiösen Charakter der Statue sind die beiden inneren Vertiefungen im Körper der Jungfrau, die wahrscheinlich zur Aufbewahrung religiöser Artefakte oder Reliquien dienten (Kopie vorhanden).
Diese Vorstellung wird auch durch andere Zeugnisse aus dieser Zeit gestützt, in denen Maria zunehmend als eigenständige Gottheit verehrt wird. Die Statue zeigt Maria in frontaler Haltung, die Füße flach auf dem Boden ruhend. In ihrem Schoß sitzt eine junge Jesusfigur. Er ist zwar kein Säugling, aber immer noch ein kleiner Junge, der auf dem Thron seines Vaters sitzt und von seiner schützenden und nährenden Mutter umsorgt und geführt wird. Beide Hände Marias sind damit beschäftigt, ihren kleinen Sohn in Sicherheit zu bringen, während Jesus beide Hände abgebrochen wurden. Es wird angenommen, dass Jesus eine Bibel als Symbol seiner Weisheit und Macht in der Hand hielt (Kopie vorhanden). Die Gesichter der beiden Figuren sind relativ emotionslos, während die Faltenwürfe ihrer Kleidung symmetrisch ausgearbeitet sind.
Die Gemälde “Die Kreuzigung” und “Das Jüngste Gericht” haben eine Größe von ca. 22 1/4″ x 7 3/4″ und wurden geschaffen, um bedeutsame Ereignisse im christlichen Kalender zu illustrieren. Beide Gemälde existieren heute als Öl auf Leinwand, obwohl sie ursprünglich von Holz übertragen wurden. Sie entstanden wahrscheinlich um 1430, also noch in den frühen Jahren von Jan van Eycks künstlerischer Laufbahn, wurden aber mit Sicherheit vor seinem Tod im Jahr 1441 fertiggestellt. Obwohl van Eyck den Großteil der beiden Gemälde selbst malte, hatte er einen Malergehilfen, von dem bekannt ist, dass er den oberen Teil des Jüngsten Gerichts vollendete (Kopie vorhanden). Inhaltlich stellen die Gemälde das Ende des Lebens Jesu auf der Erde und seine Rolle beim Jüngsten Gericht dar, das am Ende der Tage stattfinden wird. Obwohl sie alle auf biblischen Geschichten beruhen und sich zumindest teilweise auf die Figur Jesu konzentrieren, unterscheiden sie sich stark in ihrem Darstellungsstil. Jedes Bild ist von einem dekorativen Text umgeben, der das Geschehen in der Szene beschreibt und ein Spiel zwischen den Worten und dem Bild schafft, das van Eycks Publikum sehr geschätzt hätte (Kopie vorhanden).
Die Kreuzigung veranschaulicht den Tod von Jesus Christus auf der Erde. Das Gemälde ist vertikal ausgerichtet, wobei Jesus die zentrale Position einnimmt und zu beiden Seiten von den Verbrechern flankiert wird, die zusammen mit ihm gekreuzigt wurden. Die gesamte Bildfläche ist von der Landschaft bedeckt, als wäre der Künstler selbst Zeuge der Szene gewesen. Die leuchtenden Farben der Menschenmenge und der Pferde im Vordergrund dürfen in der Ferne der Hintergrundbilder verblassen. Besonders bemerkenswert ist der zeitliche Ablauf des Gemäldes, denn es zeigt auch den Moment, in dem Jesus von dem Speer eines römischen Soldaten durchbohrt wird. Von den gekreuzigten Figuren hängt nur Jesus völlig nackt und ohne Augenbinde am Kreuz. Den beiden anderen Männern scheinen zu diesem Zeitpunkt bereits die Arme aus den Höhlen gezogen worden zu sein, während Jesus noch sehr lebendig ist, wie die Blutspur aus der Wunde in seiner Seite zeigt.
Das “Jüngste Gericht” ist dagegen in drei Ebenen dargestellt. Fast den gesamten unteren Teil des Gemäldes nehmen die Bilder der armen Seelen ein, die die Ewigkeit in der Hölle verbringen. Dieser Bereich ist physisch vom Rest des Gemäldes durch die fast horizontale, gespreizte Form eines menschlichen Skeletts mit riesigen Fledermausflügeln getrennt, das wie ein grausamer Beschützer über den verdammten Seelen schwebt. Über diesem Segment sind die Menschen der Erde zu erkennen, sowohl das gemeine Volk als auch die Aristokraten, die alle als kleinere Figuren gemalt sind, um ihre geringere Bedeutung für das große Ganze zu verdeutlichen. An der Spitze und die ganze Szene beherrschend, sowohl wegen seiner zentralen Position als auch wegen seiner Größe, steht Jesus, umgeben von Maria und Joseph und einer Schar kleinerer Engel, während er die Entscheidungen trifft, wer im Himmel leben und wer in der Hölle leiden soll.
In jedem Kunstwerk kann man die Faszination der Kunsthandwerker für die Darstellung ihrer Götter und Göttinnen erkennen, die eine Verbindung zu etwas Größerem als sich selbst suchten. Auch wenn es nicht viele Vergleiche zwischen den naturalistischen Linien und Kurven der römischen Aphrodite-Statue, die ihren Vorgängern, den Griechen, nachempfunden war, und den Statuen anderer Kulturen, wie denen von Sakhmet und Maria, gibt, so haben sie doch alle die Idee gemeinsam, dass sie Darstellungen der weiblichen Gottheiten einer Kultur sind. Diese Faszination für die Macht des Weiblichen weicht in den späteren Werken allmählich der Macht des Männlichen, insbesondere bei van Eyck, der in seinen Gemälden das Wirken des männlichen Gottes Jesus in den Mittelpunkt stellt.
Es gibt einige künstlerische Ähnlichkeiten zwischen einigen der Werke, die auch unpassend erscheinen würden. Dies gilt insbesondere für die Statuen von Sakhmet und der Jungfrau Maria mit ihrem Kind. Die Pose, die alle diese Figuren einnehmen, erinnert auf seltsame Weise aneinander. Beide sind dem Publikum frontal zugewandt, die Füße stehen etwa schulterbreit auseinander und sind flach auf den Boden gestellt. Obwohl Sakhmets Hände auf ihren Oberschenkeln ruhen und eine von ihnen leicht ihren Ankh, das Symbol ihrer Macht, hält, während Maria damit beschäftigt ist, darauf zu achten, dass das kleine Kind auf ihrem Schoß nicht ausrutscht, hält auch sie ein Symbol ihrer Macht in der Hand, das für die Menschen des christlichen Glaubens in etwa die gleiche Bedeutung hat wie der Ankh für die Ägypter. Der große Unterschied zwischen der Darstellung der Aphrodite und der von Sakhmet deutet auf einen enormen Unterschied in der Sichtweise der Ägypter und der Griechen in Bezug auf ihre Götter und deren relative Zugänglichkeit hin.
Während die Ägypter anscheinend der Meinung waren, dass ihre Götter außerhalb des Bereichs der Menschen existierten und nur auf abstrakte und undeutliche Weise erreicht werden konnten, schienen die Griechen die Vorstellung zu haben, dass die Götter in ihren Handlungen und Fähigkeiten nur geringfügig besser waren als die Menschen und daher viel zugänglicher waren, möglicherweise sogar unter ihnen herumliefen. Obwohl Maria die gleiche Pose wie Sakhmet einnimmt, scheint sie zugänglicher zu sein, vielleicht wegen ihrer menschlicheren Gestalt und kleineren Statur, die sie in die Nähe der Menschen rückt, so wie die realistische Natur der griechischen Skulptur Aphrodite näher bringt. Im Gegensatz dazu scheinen die Gemälde von van Eyck wiederum eine Distanz zwischen dem Gott und dem Publikum zu schaffen, da Jesus in beiden in einem erhöhten Status existiert – einmal im Mittelgrund, so dass er uns durch den Vordergrund trennt, und einmal an einem Kreuz in der Luft hängend, was uns ebenfalls von unserem Standpunkt trennt, und einmal, indem er im Bereich des Himmels platziert ist, weit weg von unserer eigenen weltlichen Welt.
Obwohl das Studium dieser Kunstwerke und ihres kulturellen Kontextes sehr interessant ist, spricht mich die griechische Skulptur immer noch am meisten an. Der Realismus der Steinmetzarbeiten, die Schönheit des Marmors und die Natürlichkeit ihrer Pose suggerieren ganz menschliche Qualitäten innerhalb einer göttlichen Form. Ich weiß zwar, dass die Griechen ihre Götter mit denselben Mängeln wie die Menschen sahen, nur in einem größeren Maßstab und daher umso furchterregender, aber es scheint, dass diese Statue die göttliche Kraft der Schönheit in gleichem Maße veranschaulicht. Auch wenn Aphrodite als weibliche Figur nicht perfekt ist, so ist sie doch zugänglicher und glaubwürdiger als alle anderen Werke.
Zitierte Werke
Fichter, Lynn S. “Granodiorit”. Igneous Rocks. (2000). Web.