Anne Truitt: Die Kolumnistin Forschungspapier

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Topic: Kunst

Hintergrund

Anne Truitt war eine amerikanische minimalistische Bildhauerin und Farbfeldmalerin. Sie wurde als Anne Dean am 16. März 1921 in Baltimore, Maryland, geboren. Sie absolvierte das Bryn Mawr College mit einem Abschluss in Psychologie.[1] Anne heiratete 1947 den Journalisten James Truitt und zog mit ihm nach Washington DC, wo Anne am Institute of Contemporary Art und am Dallas Museum of Fine Art Bildhauerei studierte. In den 1950er Jahren wurde Truitt hauptberuflich Künstlerin und arbeitete mit in Zement gegossenen und eingewickelten Tonen.

In den 1960er Jahren begann Truitt damit zu experimentieren, mehrere Farbschichten auf ihre Skulpturen zu malen, für die sie später bekannt wurde. 1965 schrieb sie einmal: “Was für mich wichtig ist, ist nicht die geometrische Form an sich oder die Farbe an sich, sondern eine Beziehung zwischen Form und Farbe herzustellen, die sich für mich wie meine Erfahrung anfühlt. Zu schaffen, was sich für mich wie die Realität anfühlt.”[2] Zu Anne Truitts Meisterwerken gehören nicht nur die Skulpturen, für die sie berühmt ist, sondern auch Paravents, Gemälde, Prägungen und andere Arbeiten auf Papier, die ihr künstlerischer Geist erschaffen kann.

Werke

Das künstlerische Selbst von Anne Truitt wurde geweckt, als sie und ihr Mann 1961 New York besuchten. Als sie die Werke von Ad Reinhardt, Barnett Newman und Nassos Daphinis in der Ausstellung “American Abstract Expressionists and Imaginists” im Guggenheim Museum betrachtete.

Bei der Betrachtung von Dahnis’ Werk wurde Truitt daran erinnert, wie sehr sie Holz mochte, und die Farbvielfalt von Newmans Kunst hatte einen großen Einfluss auf Truitts Werke. In ihrem dritten veröffentlichten Tagebuch, Prospect, schrieb Anne, die Werke hätten “meine ganze Denkweise darüber, wie man Kunst macht, umgedreht”[3] Sie erkannte ihre Leidenschaft, selbst Kunst zu machen und die Kontrolle über die Materialien zu übernehmen, um ihre eigenen Ideen und ihre Kreativität zu festigen. In Prospect schrieb sie über diesen Nachmittag:

“Die Kombination dieser drei Werke hat meine gesamte Denkweise darüber, wie man Kunst macht, auf den Kopf gestellt. Bis zu jenem Nachmittag hatte ich geglaubt, war anfangs dazu erzogen worden zu denken und hatte stumm weiter gedacht, dass die Kunst irgendwie dem Material innewohnt, ihm immanent ist. Wenn ich bestimmte Techniken auf das Material anwandte und dabei seine Natur respektierte, würde daraus unweigerlich Kunst entstehen”[4].

In dieser Nacht konnte Truitt vor lauter Lust, etwas Eigenes zu schaffen, nicht schlafen. Sie schrieb:

“Und plötzlich tauchte die ganze Landschaft meiner Kindheit vor meinem inneren Auge auf: schlichte weiße Schindelzäune und Häuser, Scheunen, einsame Bäume auf flachen Feldern, alles eingebettet in die weiten, sich ausdehnenden Gezeitengewässer um Easton.

Mit einem Schlag verwandelte sich die Sehnsucht, mich selbst auszudrücken, in eine Sehnsucht, auszudrücken, was diese Landschaft für mich bedeutete, und zwar nicht für meine eigene emotionale Befreiung, sondern für die Befreiung von einer Ausstrahlung, die sie hinter und jenseits des Äußeren erleuchtet. Ich erkannte, dass ich darauf vertrauen konnte, dass diese Ausstrahlung selbst im einfachsten Objekt präsent sein würde. Bevor ich schließlich erschöpft einschlief, beschloss ich, einen weißen Lattenzaun zu bauen”[5].

Nach einer künstlerischen Eingebung schuf Anne Truitt in diesem Jahr die von einem weißen Lattenzaun inspirierte Holzskulptur First. Bei der Betrachtung von First fallen Unstimmigkeiten auf, denn sie hat nur drei (3) Pfähle, die unterschiedlich hoch und breit sind und nicht gleichmäßig verteilt. Der mittlere Zaunpfahl war der höchste und breiteste, und alle Spitzen der Zaunpfähle sind in unterschiedlichen Abständen geneigt.

Carol Diehl verglich in ihrem Artikel diese Neigungen mit den Dächern benachbarter Häuser und fügte hinzu, dass “die Aufwärtsbewegung der Dreifaltigkeit der Lamellen zu einer dreieckigen Spitze etwas Kathedralenhaftes hat, das die leicht kirchliche Aura erahnen lässt”[6].

Für einige kann First auch als ein Verlust der Unschuld in der Erwartung eines Lebens interpretiert werden, das mit der fehlerhaften Version von Truitts Lattenzaun organisiert wird. Die Kuratorin Kirsten Hileman interpretierte den Bildhauer als die Beziehung der Künstlerin zu ihren Geschwistern. Hileman schrieb:

“Die unerwarteten Höhen der Pfähle der Skulptur, einer (1) hoch und zwei (2) kürzer, erweitern das Werk vom Konzept der Grenzen zu einer Darstellung dreier verbundener, aber unterschiedlicher Einheiten, vielleicht nicht ohne Parallelen in den Beziehungen zwischen Truitt und ihren zwei (2) Geschwistern”[7].

Im darauffolgenden Jahr, 1962, setzte Anne Truitt ihren künstlerischen Elan fort und schuf weitere Skulpturen, ließ aber die noch vorhandenen Bezüge zu First hinter sich und schuf eine große Anzahl stark vereinfachter, rein abstrakter Werke. In dieser Zeit hatte sie ein Verfahren entwickelt, bei dem sie Acrylfarbe in mehreren Schichten auftrug, zwischen den Aufträgen polierte, um eine glatte Oberfläche zu erhalten, und ihre eigenen Farben mischte. In ihrem Tagebuch Prospect schrieb sie:

“Ich war in einem erhabenen Geisteszustand, besessen… und erinnere mich, dass ich dachte, egal wie die Dinge, die ich machte, aussahen, ich würde sie trotzdem machen… Die Skulpturen waren zu dem geworden, was ich seitdem mache: Proportionen der strukturellen Form, die von Proportionen der metaphorischen Farbe konterkariert werden – essentielle Gemälde in drei Dimensionen”[8].

Im Laufe der Zeit begann Anne Truitt, abstraktere, vertikale Holzsäulen zu schaffen, die sie mit Acrylfarben übermalte. Ihre erste Ausstellung fand 1963 in der Andre Emerich Gallery in New York statt, wo Clement Greenberg, ein Kunstkritiker, sie zusammen mit Morris Louis und Kenneth Noland als Vorläuferin der minimalistischen Bewegung bezeichnete.

Curtor Kristin Hileman definierte Truitts Werk anders: “Minimalistische Künstler versuchten, ihr Werk von Bedeutung zu befreien und es auf seine grundlegendsten Merkmale zu reduzieren, während Truitt versuchte, ihr Werk mit Bedeutung zu füllen und beim Betrachter emotionale Assoziationen auszulösen”[9].

Anne Truitt reagierte auf solche Äußerungen, ihr Werk sei minimalistisch, mit einem Kommentar: “Ich habe mir nie erlaubt, mich selbst als Minimalistin zu bezeichnen. Denn Minimal Art zeichnet sich durch Nicht-Referentialität aus. Und das ist es nicht, was mich auszeichnet. Meine Arbeit ist total referenziell. Ich habe mein ganzes Leben lang darum gekämpft, ein Maximum an Bedeutung in die einfachste mögliche Form zu bringen.”[10]

Sie produzierte 1962 Hardcastle, ein undifferenziertes schwarzes Rechteck, das mehr als acht (8) Fuß hoch ist. Es wurde auf der Rückseite von leuchtend roten Strebepfeilern gestützt. Truitts Skulpturen sind Metonyme für eine Vielzahl von Beziehungen,[11] die meisten ihrer Werke sind mit ihrer Heimatstadt Easton, Maryland, und ihrer Liebe zur klassischen griechischen und römischen Literatur verbunden. 1962 schuf Truitt das Werk Ship-lap, das durch das Third Haven Friends’ Meetinghouse in Easton Maryland inspiriert wurde. Das in den Jahren 1682 bis 1684 erbaute Haus ist ein frühes Fachwerkhaus.

Die Außenseite weist eine einzigartige asymmetrische Geometrie auf, während die Innenwände und die Decke aus rohem Schiffsholz von dicken, rustikalen quadratischen Säulen getragen werden. In jenem Jahr entstanden auch Platte, die von den viereckigen atlantischen Säulen von Teotihuacan und Tula inspiriert wurde, und Watauga, das einer Gedenktafel ähnelt und halb schwarz und halb violett gestrichen wurde. Letzteres wirkte schockierend, wenn man es auf eine verdichtete Form anwendet, die eine Brancusi-ähnliche Ernsthaftigkeit der Absicht impliziert.[12]

Truitts Skulptur Morning Choice aus dem Jahr 1968 ist eine sechs (6) Fuß hohe Säule, die in ungleichmäßigen Segmenten mit Apfelgrün, Marineblau und leuchtendem Pink mit einem Streifen Orange bemalt wurde und besonders im Kontrast zu ihrer trostlosen Form sehr intensiv war. 1974 zeigte Truitt ihr Farbenspiel mit der Skulptur 17th Summer.

Truitt hat die gelb-grüne Skulptur im unteren Bereich violett gefärbt. In ihrem 1999 entstandenen View malte sie Streifen in vertikaler Form, die unregelmäßig sind und eine größere Komplexität mit Streifen in den hellen Farben Blau und Gelb zeigen, die am Rand der Säule an dunklere Farben grenzen. Truitt erläuterte diese Radikalität in ihrem Tagebuch:

“Ich versuche, die Farbe anzuheben und sie in drei Dimensionen freizusetzen… Ich versuche, sie in den Raum zu bewegen… magnetisiert durch die Schwerkraft, so wie wir es sind, (so dass) sie Fleisch wird, menschlich wird, Emotionen bekommt, lebendig wird und vibriert. Und da ich sie nicht auf der Skulptur liegen lasse, geht sie um die Ecken herum… also muss sie sich bewegen. Bildhauer sollten sich eigentlich für Gewichte und Gleichgewichte interessieren, aber das tue ich nicht. Ich interessiere mich nur für die Linie, die sie hält, die Schwerkraft. Und der einzige Grund, warum ich die Schwerkraft brauche, ist, dass ich die Farbe so einstelle, dass sie sich so bewegt, wie wir uns auf unseren Füßen bewegen”[13].

Eine der beliebtesten Ausstellungen von Anne Truitt war 2011 in der Danese Gallery in New York, wo dreizehn (13) ihrer Skulpturen zu sehen waren. Die für sie charakteristischen Holzsäulen sind etwa fünf (5) bis sieben (7) Fuß hoch und mit Acrylfarbe beschichtet. Die Skulpturen sind monochrom, aber einige haben vertikale Streifen, die aufgrund der unterschiedlichen Farbe am Ende der Säule, das den Boden berührt, vom Boden abgehoben zu sein scheinen.

Zu den ausgestellten Werken gehören Sound aus dem Jahr 1999, ein aus zwei (2) Skulpturen bestehender, blau-grün bemalter Würfel. Twinning Court I aus dem Jahr 2001 ist eine tiefe und reichhaltige Lackware, “würdevoll wie eine Wache, plötzlich wie ein elektrischer Schlag”. Cambria aus dem Jahr 2002 schließlich ist in kastanienbraun bemalt und vermittelt dem Betrachter das Gefühl von Heimlichkeit und Ruhe, als würde er schlummern.

Die Werke von Anne Truitt offenbaren ihr persönliches Leben als kontroverse Künstlerin in den 1960er Jahren, Autorin, Mutter von drei (3) Kindern und Großmutter. Jede ihrer Skulpturen ist eine Hommage an ein bestimmtes Ereignis oder eine Beziehung in ihrem Leben. First (1961) zeigt ihre Beziehungen zu ihren zwei (2) Geschwistern und den Verlust der Unschuld, Creswell (1980), das ihrer Tochter und ihrer Ehe zugeschrieben wird, Sorcerer’s Summer (1991), als sie von Leuten in der Washingtoner Kunstszene zu Unrecht demoralisiert wurde, und Tribute (1997), das den Beginn von Ruhe und Akzeptanz in Truitts Leben markiert, ehrlich und unverblümt, ohne etwas zu enthüllen.

Truitt als unkonventioneller Künstler

Anne Truitt unterschied sich von anderen Künstlern in dem Sinne, dass sie im Vergleich zu anderen Künstlern eher introvertiert war. Der Fotograf John Gossage beschrieb Truitt als jemanden, der nicht in die Welt der Boheme der Kunstbars passte. Er beschrieb sie eher als Kunsthistorikerin mit ihren “Bryn Mawr-Manieren der alten Schule”[15] In einem Interview sagte Truitt über ihre Zeiteinteilung zwischen Kunst und Familie: “Es ist sehr schwierig, das zu tun. Es ist schwierig, die Linie zu halten, und es ist schwierig, sich treu zu bleiben, in vielerlei Hinsicht treu.

Bleiben Sie sich selbst treu, bleiben Sie Ihren Erfahrungen treu, lügen Sie nicht und beschönigen Sie sie nicht. … Es ist extrem schwierig und man muss Opfer bringen. … Man kann nicht alles haben. Das kann man nicht. In gewisser Weise kann man keine große Persönlichkeit oder irgendetwas anderes haben, weil alles in die Arbeit einfließen muss. So sieht man oft einfach nur langweilig aus.”[16] Laut der Kuratorin Kirsten Hileman liegt die Bedeutung von Truitt darin, dass sie Kunst geschaffen hat, die die Bewegungen in der amerikanischen Kunst widerspiegelt. Truitt bietet der Kunstszene “eine alternative Art der minimalen Abstraktion”[17].

Für Truitts ehemalige Schüler, Tim Gunn, Chief Creative Officer von Liz Claiborn und Project Runway-Co-Moderator, sowie den Filmemacher und Fotografen Jem Cohen waren neben Truitts künstlerischer Disziplin ihre Ehrlichkeit und ihr Mut unbestreitbar, reich und überfällig.[18]

Truitts Ziel war es, ein Maximum an Bedeutung in die einfachste mögliche Form zu bringen. Später erkannte sie, dass sie selbst die Kontrolle über die Bedeutung ihrer Werke hatte, und so schuf sie Skulpturen, die die Ereignisse und Beziehungen in ihrem Leben als Künstlerin, Autorin, Mutter und später Großmutter widerspiegelten.

Einfluss auf die moderne Kunst

Anne Truitt wurde zusammen mit Morris Louis und Kenneth Noland mit der minimalistischen und der Farbfeld-Bewegung in Verbindung gebracht. Ihre Werke aus Holzsäulen mit Acrylfarben inspirierten Künstler bei der Untersuchung von Farbschichten, um eine Reihe von Farben zu erzeugen, die zu ihrer Zeit als extrem und radikal angesehen werden konnten.

Clement Greenberg reduzierte Truitts Komplexität gegenüber der starren Behauptung der Minimalisten, dass es sich um Primärstrukturen handele, auf ihre formale und materielle Essenz. Greenberg zufolge war Truitts Werk neue Kunst und “ernsthaft neue Kunst setzt sich normalerweise nicht so schnell durch” (Clement Greenberg Changer Anne Truitt). Er betrachtete Truitt als die Künstlerin, die mit ihrer First (1961) und später mit Hardcastle (1962) und anderen “kastenartigen Objekten aus Holz und Aluminium” den ersten ernsthaften Vorstoß in den Minimalismus unternahm.

Schlussfolgerung

Anne Truitt war eine amerikanische Künstlerin mit Wohnsitz in Washington DC. Sie wurde weithin mit der minimalistischen und der Farbfeld-Bewegung in Verbindung gebracht, obwohl sie sich gegen solche Bezüge zu ihrer Kunst wehrte. Truitt war berühmt für ihre mit Acryl bemalten Holzsäulen. Ihre Kunstwerke stellen ihre Gefühle und Beziehungen in ihrem Leben dar. Sie wurde als Künstlerin häufig kritisiert, weil sie im Gegensatz zu anderen sehr schlicht und langweilig war, wie sie sagte.

Sie mischte sich nie in die künstlerische Barszene, sondern verbrachte ihre Freizeit mit ihrer Familie. Sie distanzierte sich von der damals wichtigen sozialen Szene im Max’s Kansas City. Es wird angenommen, dass die Isolation Truitt den Mut und die Freiheit gab, ihren eigenen Weg zu gehen und zu bestimmen. Wie Greenberg einmal schrieb: “Sie gehört sicher nicht dazu. Aber wie könnte eine Hausfrau mit drei (3) Kindern, die in Washington lebt, dazugehören? Wie könnte eine solche Person in die Rolle der Pionierin einer ausgefallenen Kunst passen?”[19]

Literaturverzeichnis

Diehl, Carol. “Anne Truitt: Die Kolumnistin”. Kunst in Amerika, März 2010.

Finch, Charlie. “Schwiegermutter”, Artnet, 2011. Web.

Greenberg, Clemens. The Collected Essays and Criticism. Chicago: University of Chicago Press, 1988.

Hileman, Kirsten. “Anne Truitt: Wahrnehmung und Reflexion”. Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Januar 2010.

“Einleitung”. Anne Truitt Biography. Web.

Juni-Friesen, Katy. “Anne Truitt’s Artistic Journey: Die beiden Lieben einer Bildhauerin aus Washington, D.C. – Gastgeberin der 1950er Jahre und aufstrebende Künstlerin – im Gleichgewicht”, Smithsonian Media, 30. September 2009. Web.

Truitt, Anne. Tagesbuch: The Journey of an Artist. New York: Penguin Books, 1984.

Truitt, Anne. Aussichten: Journal of an Artist. New York: Penguin Books, 1996.

Wilson, Meagan und Miller, Talea. “Geliebte Bildhauerin Anne Truitt bekommt ihr Du”, Art Beat, 2009. Web.

Fußnoten