Was erhält man, wenn man einen primitiven Stil mit einer höheren Vision kreuzt? Die Arbeiten der in Melbourne lebenden Künstlerin Angony sind eine mögliche Lösung. Die Künstlerin war kürzlich in der Stadt und setzte sich zu einem Gespräch zusammen.
Er erklärt, dass sein Leben und seine Kunst darauf ausgerichtet sind, die Schönheit des Alltäglichen zu verstehen. Er arbeitet hauptsächlich mit Acrylfarben, weil diese Art von Farbe seinen Wunsch widerspiegelt, flexibel und bearbeitbar zu bleiben und gleichzeitig schnell zu arbeiten. In seinen Bildern versucht er, ein Gefühl für die menschlichen Emotionen im Alltäglichen einzufangen – den Schmerz, die Freude, den Stress und die Herausforderungen.
“Die meisten meiner Bilder sind nicht geplant, man muss nur durchhalten, bis sich etwas Interessantes ergibt”, sagt er.
Obwohl er ohne Planung arbeitet, spiegeln seine Bilder eine fehlende Zensur der Emotionen wider, was ihnen eine rohe Kraft verleiht.
Da er schnell arbeitet und sich nicht viel Gedanken über die Planung macht, sagt Angony, dass er keine der Beschwerden über zu schnell trocknende Acrylfarben hat, die viele ernsthafte Künstler wie er haben. Stattdessen genießt er die Geschwindigkeit, die die Farben ihm auferlegen, während er ein Bild für sich zum Leben erweckt.
“Ich verwende Acrylfarben, weil sie vielseitig sind, in vielen Farbtönen erhältlich sind, sich gut mischen lassen und mit Lasuren oder Pasten für verschiedene Effekte gemischt werden können. Da ich ziemlich schnell arbeite, sind sie für meinen Stil besser geeignet”, sagt er.
Australien ist die Heimat von Künstlern aller Art, was es für den Einzelnen schwierig macht, sich einen eigenen Namen zu machen. Ein ausgeprägtes kulturelles Bewusstsein macht es ebenfalls schwierig, Aufmerksamkeit zu erlangen, so dass Angonys bisheriger Erfolg sein Können und seine Entschlossenheit auf seinem Gebiet zeigt. Seine Kunst ist deshalb so beliebt, weil er seine Erfahrungen in den kühnen Figuren und Formen der primitiven Kunst zum Ausdruck bringen kann.
Primitive Kunst ist ein künstlerischer Ansatz, der davon ausgeht, dass die zugrunde liegenden Elemente menschlicher Emotionen durch die Farben und Linien des Werks stärker zum Ausdruck gebracht werden können als durch die Symbole und Formen im Bild (Hughes, 1991). Mit anderen Worten: Die verwendeten Farben und die Art und Weise, wie die Linien interagieren, drücken tiefe menschliche Emotionen mehr aus als die gezeigten Bilder oder beabsichtigten Symbole. Primitive Künstler versuchen, direkt zum emotionalen Inhalt vorzudringen, indem sie den Fokus auf das Bild vernachlässigen und die emotionale Erfahrung des Augenblicks in ihre Kunst einfließen lassen. Sie hoffen, dass sie auf diese Weise die kulturellen und sozialen Unterschiede in der Interpretation zwischen den Gesellschaften überwinden und eine universelle Verbindung herstellen können.
Dieses Konzept wird von Jean Francois Lyotard in seinem 1984 erschienenen Buch The Postmodern Condition beschrieben. In diesem Buch beschreibt er den kreativen Prozess als einen Versuch, “sichtbar zu machen, dass es etwas gibt, das man sich vorstellen kann und das weder gesehen noch sichtbar gemacht werden kann.” Der primitive Künstler versucht, das intellektuelle Element aus dem Ausdruck zu entfernen, um einen direkteren Ausdruck für dieses Etwas zu gewinnen.
Dieses Element wird am häufigsten als das Erhabene bezeichnet. Für viele Künstler wie Angony wird dieses erhabene Element in höchstem Maße durch das Gefühl des Staunens und der Fantasie wiedergewonnen, das typischerweise durch die Konzentration auf “primitive” geometrische Formen entsteht.
Die Bewegung hin zur primitiven Kunst wurde von Pablo Picasso eingeleitet. Da sich die Künstler auf die Essenz der Erfahrung der Kunst und ihrer Schaffung statt auf die symbolische Form konzentrierten, entdeckten sie, dass Emotionen im Allgemeinen universell gleich empfunden wurden, auch wenn technische Elemente wie Symbole, Formen oder Farben von verschiedenen Kulturen unterschiedlich verstanden wurden (Delahunt, 2007). Dies bedeutete, dass der Prozess der Auslösung einer emotionalen Reaktion in allen Kulturen auf die gleiche Weise angegangen werden konnte, auch wenn die Formen möglicherweise geändert werden mussten.
Angony hat, wie viele andere auch, entdeckt, dass das moderne Publikum im Allgemeinen eine Form von wiedererkennbaren Formen bevorzugt und sich von anderen wie Jean Michel Basquiat oder Jean Dubuffet inspirieren lässt.
Basquiat war ein anerkannter neoexpressionistischer Künstler, der seine Anfänge als Graffiti-Künstler in New York hatte (Chiappini, 2005).
Dubuffet führte den Begriff “art brut” ein, um Kunst zu bezeichnen, die von nicht-professionellen Künstlern außerhalb der Grenzen der ästhetischen Normen geschaffen wurde und die er oft als Inspiration für seine eigenen Werke nutzte (Dubuffet, 1993).
Auch Angony lässt sich oft von der Kunst von Kindern inspirieren, aber seine Motive sind alles andere als kindlich.
In Gemälden wie “An Uphill Battle” sind die Farben gedämpft und im Allgemeinen monochromatisch im roten Spektrum. Dies gibt dem Gemälde ein Gefühl von Energie und Leben, da es die Farbe des vitalen Elements Blut ist, aber die dunkleren Töne deuten auf älteres Blut, tiefe Emotionen, Schmerz und Härte hin.
Innerhalb des Gemäldes befindet sich die Form eines sehr kleinen Hügels, der von der unteren Mitte aus in das Bild hineinragt und sich zur rechten Seite hin neigt. Das Wort “Give” ist in Großbuchstaben in die Farbe nahe der Spitze des Hügels eingekratzt. Parallel zum Winkel des Hügels und etwas darüber hinaus ragt ein sehr langer, sehr dünner Arm. Dieser Arm tritt von der linken unteren Ecke in das Bild ein und endet in einer offenen Hand mit gekrümmten Fingern direkt über dem Wort “give”. Unmittelbar über der Mitte des Bildes befindet sich auf der linken Seite das Gesicht eines Mannes, das fast die gleiche Farbe wie der Hintergrund hat, mit einem strahlend weißen, nach unten gerichteten Auge und einem Mund voller ebenso weißer Zähne, der sowohl lächeln als auch vor Schmerz mit den Zähnen knirschen könnte.
Obwohl das Bild sehr primitiv ist, drückt es viel über den Schmerz und die Not der indigenen Völker Australiens aus, die in der modernen Welt leben. Ob die Figur versucht, den Berg zu erklimmen, oder ob sie eine Hand zum Spenden ausstreckt, ist ebenso wie der Gesichtsausdruck des Mannes eine Frage der Interpretation.
Nicht alle Gemälde von Angony befassen sich mit solch ernsten Themen. “Beach Babe” zum Beispiel bietet einen einfachen Blick auf das Hinterteil einer Frau, wobei ihr Po besonders betont wird.
“Malen ist für mich wahrscheinlich ähnlich wie für Menschen, die gerne lesen … es ist eine großartige Flucht, bei der die Zeit keine Rolle spielt und bei der ich meinen Emotionen und Eindrücken vom Leben freien Lauf lassen kann”, sagt er. “Ein Dach zu halten ist nicht der einzige Zweck von Wänden, Gemälde geben jeder Szene Leben und können wie ein guter Song die ganze Perspektive verändern.”
Während Angony damit beschäftigt ist, Bilder zu malen, die uns von seinen Gefühlen erzählen sollen, können wir nicht anders, als darauf zu reagieren und Angony besser kennenzulernen. Wir lernen den Menschen kennen, verstehen, was ihm wichtig ist, fühlen etwas von seinem Schmerz und seinem Kampf und freuen uns über seine Freude. Daher sind wir überzeugt, dass die Kunst eines Menschen ein gutes Spiegelbild seiner Seele ist.
Zitierte Werke
Angonys Kunst. (2009). Web.
Chiappini, Rudy. Jean-Michel Basquiat. Genf: Skira Verlag, 2005.
Debuffet, Jean. Jean Dubuffet 1943-1963 Gemälde, Skulpturen, Assemblagen. Washington: Smithsonian, 1993.
Delahunt, Michael. “Kubismus”. Artlex. (2007). Web.
Hughes, Robert. Der Schock des Neuen. New York: Knopf, 1991.
Lyotard, Jean-Francois. Der postmoderne Zustand: Ein Bericht über das Wissen. Trans. Geoff. Minneapolis, MN: University of Minnesota Press, 1984.