Andy Warhols neue Boheme: Fabrik, Freaks, Filme Essay

Words: 3914
Topic: Kunst

Andy Warhol ist ein bekannter amerikanischer Künstler und Filmemacher, der in Pittsburgh als Andrew Warhola geboren wurde. Er war der führende Vertreter der Pop-Art-Bewegung und einer der einflussreichsten Künstler des späten 20. Jahrhunderts. Als jüngster von drei Söhnen studierte Andrew Warhol 1945 am renommierten Carnegie Institute of Technology in Pittsburgh zusammen mit Balcomb Greene, Robert Lepper, Samuel Rosenberg und anderen (Wrbican 1).

Er experimentierte mit seinem Namen und ließ das letzte “a” von “Warhola”, seinem Familiennamen, weg. Er schloss sein Studium im Juni 1949 mit einem Bachelor of Fine Arts in Bildgestaltung ab. Andy Warhola begann seine Karriere 1949 als Werbegrafiker in New York City. Er erhielt den Auftrag, eine Reihe von Show-Illustrationen für das Modemagazin Glamour zu entwerfen. Schon bald wurde er unter dem Namen Andy Warhol weithin bekannt und seine Werke erschienen in zahlreichen Zeitschriften wie Glamour, Vogue, Harper’s Bazaar und The New Yorker. Seine erste Kunstausstellung fand 1952 in der Huge Gallery unter dem Titel “Andy Warhol: Fifteen Drawings Based on the Writings of Truman Copote” (AWM 1) statt.

In den 1950er Jahren hatte Warhol als Werbegrafiker großen Erfolg. Die berauschende Mischung der Bohème-Kultur verbreitete sich in den 1960er Jahren in den USA. Seine massenhaft produzierten und immer wiederkehrenden visuellen Bilder werden heute als Symbole der Schwulenkultur der 1960er Jahre anerkannt: “die Siebdrucke von Elvis und Troy Donahue (1962-1964); das Wandgemälde der New Yorker Weltausstellung “Thirteen Most Wanted Men” (1964); die Filme Sleep (1963), Blow-job (1963), My Hustler (1965), Lonesome Cowboys (1967) und Flesh (1968). These: Die Bohème-Philosophie der Anarchie und des Individualismus spiegelte sich in der Figur Andy Warhols, der prominentesten Figur der New Yorker Pop-Art-Szene, wider.

In den frühen 1950er Jahren kam Warhol mit anderen Kulturen in Kontakt, was sich auf sein späteres Schaffen auswirkte. Mitte der 1950er Jahre gehörte er zu einer Theatergruppe, die sich vor allem mit den Stücken von Franz Kafka und Bertolt Brecht beschäftigte; Warhol bewunderte vor allem Brechts Idee des Realismus und wandte diese Philosophie später auf seine Arbeit an (Lin 1). In den 1960er Jahren kombinierte Andy Warhol all diese frühen Einflüsse und Erfahrungen zu einem Stil, der eindeutig sein eigener war und es dennoch erlaubte, andere in den kreativen Prozess einzubeziehen. Dies wurde in der Kunstgeschichte als amerikanische Pop Art bekannt, eine Bewegung gegen das “Original” als Bastion der Elite (Lin 1).

Warhol trieb die Sensibilität der Pop Art auf die Spitze und riss im Alleingang die Grenzen zwischen kommerzieller und ernsthafter Kunst nieder. Mit seiner Arbeit im Bereich der Massenkunst, seinen Dokumentarfilmen, seiner Definition von Berühmtheit als Kunstform und den drogeninduzierten, vollständig dokumentierten, orgiastischen Partys, die er in seiner berühmten Factory veranstaltete, wurde Andy Warhol zu einem wichtigen Einfluss auf die Ästhetik des Jahrzehnts.

Warhol konzentrierte sich auf die Oberfläche der Dinge und wählte seine Bilder aus der Welt der alltäglichen Gegenstände wie Dollarscheine, Suppendosen, Softdrinkflaschen und Seifenschachteln (Columbia Encyclopedia 50810). Ihm wird nachgesagt, dass er die Werte der amerikanischen Mittelklasse verspottete und feierte, indem er die Unterscheidung zwischen Populär- und Hochkultur aufhob. Monotonie und Wiederholung wurden zu den Markenzeichen seiner in Massenproduktion hergestellten Siebdruckbilder: Für viele dieser Bilder, wie die Porträts von Marilyn Monroe und Jacqueline Kennedy, verwendete er Zeitungsfotos (Columbia Encyclopedia 50810).

Andy Warhol benutzte eine besondere Art der Linienzeichnung, die so genannte Blotted-Line-Technik, als er noch ein College-Student war. In den 1950er Jahren setzte er sie in seiner Kunst häufig ein. Bei dieser Methode fertigte Warhol eine Bleistiftzeichnung auf nicht saugfähigem Papier an. Anschließend klebte er die Zeichnung auf ein zweites Blatt saugfähigeres Strathmore-Papier. Anschließend tuschte er die Bleistiftlinien auf der ursprünglichen Zeichnung. Dann wurde das zweite Blatt entlang des Scharniers gefaltet und die frisch getuschten Linien wurden durch einfaches Zusammendrücken der Papiere übertragen. Auf diese Weise entstanden die stilistisch gebrochenen und zögerlichen Linien, die für Andy Warhols Illustrationen charakteristisch sind.

Warhol kolorierte seine gepunkteten Strichzeichnungen häufig mit Aquarellfarben oder Blattgold (AWM, 2007a). Auch Warhols Technik entwickelte sich im Laufe seiner Arbeit. Ursprünglich hatte Warhol handgeschnittene Schablonen, Gummistempel und Holzblöcke verwendet, um sich wiederholende Bilder in seinen Gemälden zu schaffen.

1962 schlug sein Assistent Nathan Gluck die Technik des Foto-Siebdrucks vor. Bei diesem Verfahren projizierte Warhol ein fotografisches Bild auf ein Sieb aus behandelter Seide, das auf einen Rahmen gespannt war, und übertrug das Bild später auf die Seide. Um die Kunst lebendiger zu gestalten, versuchte Warhol, die Farbgebung und Überlappungen zu nutzen. Er stellte fest, dass die Verwendung von Farben und Überschneidungen zu einer Vielzahl von Bildern führte und diese Bilder schnell hergestellt werden konnten. Außerdem schienen sich diese Bilder mit jedem Druck zu bewegen. Warhol konnte nun auch andere Personen für Druckzwecke einsetzen. Durch den Einsatz von Arbeitskräften und der Foto-Seiden-Drucktechnik produzierte Warhol eine große Menge an Kunst (AWM, 2000).

Warhols Zeichnungen der frühen 1960er Jahre haben einen experimentellen Charakter, da der Künstler versuchte, verschiedene Elemente miteinander zu verschmelzen: Fotografie, Collage, schriftliche Anleitungen zu Arbeitsstudien und gelegentlich Bleistift und Buntstift oder Aquarellfarben. So entwickelte er sich von einem Künstler, der lebende Dinge zeichnete, zu einem Künstler, der Ikonen der Popkultur wie Suppendosen, Geld, Zeitungen, politische Figuren und Filmstars identifizierte und zeichnete.

Warhols Zeichnungen aus den Jahren 1968 bis 1987 drehen sich um die Erforschung des Starseins. Der Ausstellungskurator Mark Francis schreibt: “Mehr als 30 Jahre lang schuf Andy Warhol ein kohärentes, konsistentes und produktives Werk von Zeichnungen, in denen er seine tiefsten Ängste und seine Schönheitsideale klar und einfach darstellte” (Walker Art, 1999). Als Marilyn Monroe am 4. August 1962 Selbstmord beging, veranlasste dies Warhol zu einer Reihe von Siebdrucken, die ihn sehr berühmt machten. In diesen Werken betonte er ihr Make-up und ihr blond gefärbtes Haar überdeutlich und symbolisierte damit Glamour und Ruhm. Der Erfolg auf diesem Gebiet veranlasste ihn, Bilder von anderen Berühmtheiten wie Elizabeth Taylor, Elvis Presley und Marlon Brando zu schaffen (AWM 1).

Die Beat-Bewegung entstand in den 1950er Jahren mit einigen Schriftstellern in New York City. Es handelte sich um eine literarische Bewegung, die viele der Ideale der Pariser Bohème des 19. Jahrhunderts nachahmte (Kopf et al. 1). Die Beat-Autoren wandten sich sowohl in ihrem Lebensstil als auch in ihrer Literatur gegen die Ideale der Mainstream-Kultur. Sie waren eine eng verbundene Gruppe von Freunden, vergleichbar mit Henry Murger und den Water Drinkers. Erst später wurden sie als eine “Bewegung” bekannt.

Wie in der Bohème des 19. Jahrhunderts stand die herrschende Kultur den Beats zunächst ambivalent gegenüber, doch später wurde sie “hip”. Wie die Bohème des 19. Jahrhunderts brachten die Beats ihre Kunst direkt in die Gesellschaft ein (Kopf et al. 1). Die Saat des radikalen Wandels und der Revolution, die in den 1960er Jahren in Amerika stattfand, begann mit der Beats-Bewegung. Die Beats schrieben in Reaktion auf das materialistische, konformistische Amerika, das sie in den 1940er Jahren entstehen sahen. Mit anderen Worten: Sie schrieben gegen den Mainstream an und nutzten ihre Kunst sowohl als Flucht aus ihrer Welt als auch als Lösungsvorschlag für das, was ihrer Meinung nach an ihr krankte. Drogenkonsum, sexuelle Freizügigkeit und ein wandernder Lebensstil kennzeichneten die Beats, und deshalb wurden sie von der herrschenden Kultur anfangs abgelehnt.

Warhols unermüdliche Förderung des Camp-Geschmacks und der Drogenkultur in “The Factory” und sein persönliches Engagement für Velvet Underground erwiesen sich als Ausdruck der Bohème-Kultur der 1960er Jahre. Die Kunst der Boheme war die Kunst der Massenkultur: populäre Musik, Fotografie und Mode. Die Bohème definierte die Assoziation von Genie mit Tragödie und Selbstzerstörung. Andy Warhol trug am meisten zu dem Wandel bei, durch den die Bohème von einer Figur, die die Wechselfälle der “hohen Kunst” symbolisierte, zu einem wichtigen Einfluss auf die Massenkultur wurde (Wilson 67).

In den 1950er Jahren wurde er zu einem der erfolgreichsten Illustratoren seiner Zeit und erhielt für seine Arbeiten zahlreiche Auszeichnungen vom Art Directors Club und dem American Institute of Graphic Arts. Seine Arbeiten basierten auf Fotografien und anderen Bildquellen. In vielen seiner Werke aus dieser Zeit findet sich auch die herrlich schrullige Handschrift seiner Mutter Julia. 1956 unternahm Warhol eine mehrwöchige Weltreise und besuchte viele Länder in Asien und Europa. In den späten 1950er Jahren begann er, sich verstärkt der Malerei zu widmen.

1960 schuf er die ersten seiner Gemälde mit vergrößerten Comicbildern, darunter Popeye und Superman (AWP 1). Diese waren zunächst für die Schaufenster eines New Yorker Kaufhauses bestimmt. Nach seinem kommerziellen Erfolg wurde Andy mit seiner Pop Art weltberühmt.

Als Marilyn Monroe am 4. August 1962 Selbstmord beging, sah sich Warhol veranlasst, eine Reihe von Siebdrucken anzufertigen, die ihn sehr berühmt machten. In diesen Werken überbetonte er ihr Make-up und ihr blond gefärbtes Haar und symbolisierte damit Glamour und Ruhm. Der Erfolg in dieser Sparte veranlasste ihn, Bilder von anderen Berühmtheiten wie Elizabeth Taylor, Elvis Presley und Marlon Brando zu schaffen. Seine erfolgreichste Ausstellung fand dann in der New Yorker Stable Gallery statt. Dort präsentierte er achtzehn Bilder, darunter Golden Marilyn, 129 Die in Jet, Red Elvis und mehrere Arbeiten mit Suppendosen und Coca-Cola-Flaschen. Die Ausstellung machte Warhol zu einem gefeierten Künstler (AWM 1).

Trotz seines Erfolgs in der bildenden Kunst war er auch einer der beliebtesten kommerziellen Modeillustratoren in New York City. Er ist vor allem für seine Bilder bekannt, die das zeitgenössische amerikanische Leben widerspiegeln, wie Coca-Cola-Flaschen, billige Fernsehwerbung und Comicstrips. Als er feststellte, dass der Künstler Roy Lichtenstein an ähnlichen Comic-Bildern arbeitete, versuchte Warhol, andere Wege einzuschlagen und andere Arten von Zeichnungen zu machen (AWM 1).

Schon bald begann er mit der Arbeit an seinen unabhängigen Filmen, von denen einige das Motiv der Wiederholung aufgreifen, das sich in seiner Pop Art findet, wie Langeweile und Zeit. Zu seinen berühmtesten Filmen gehören Sleep, in dem ein Mann acht Stunden lang schläft, und Empire, eine Aufnahme des Empire State Building von Sonnenaufgang bis Sonnenuntergang. Später wurden seine Filme komplexer und umfassten Drehbücher und Soundtracks. The Chelsea Girls ist ein Film über das Leben in seinem Studio, der Factory.

Warhol war ein Leben lang von Hollywood fasziniert. Im Jahr 1962 begann er eine große Serie von Prominentenporträts, darunter Marilyn Monroe, Elvis Presley und Elizabeth Taylor. Zu dieser Zeit begann er auch seine Serie von “Tod und Katastrophen”-Bildern – Bilder von elektrischen Stühlen, Selbstmorden und Autounfällen. 1963 eröffnete Andy Warhol sein berühmtes Atelier, die Factory, in New York. Während seiner Zeit in New York schloss Andy Warhol Freundschaft mit Charles Henri Ford, der ihn mit der Bohème in Kontakt brachte.

1963 wurde Warhols Factory Studio bald zu einer Bühne, auf der Stricher und Drag Queens auf die New Yorker Kunstwelt trafen und das Straßenleben mit Society-Debütantinnen und Harvard-Hipstern zusammentraf. Die Factory war das Zentrum der New Yorker Bohème-Kultur, wo sich die schönsten Frauen, die einflussreichsten Persönlichkeiten der Kunstwelt und viele Prominente wie Mick Jagger und Lou Reed trafen. Jeder Abend in der Factory war eine Party voller Drogen und Sex, die bis zum Sonnenaufgang dauerte. Kathy Acker zufolge war die Factory ein offenes Haus für “all jene, die von der Kunstwelt und der Hippiekultur verachtet wurden: Huren, Zuhälter, arbeitende Mädchen aller Art, Drogendealer, Transsexuelle und Transvestiten” (Acker 62).

Dieser rasante Lebensstil bremste Warhols künstlerisches Schaffen nicht; in der Factory produzierte er eine unglaubliche Menge an Werken, darunter Gemälde, Siebdrucke, Skulpturen und Filme. In den Worten von Wilson (68) “wurde Dekadenz zum Lebensstil und Voyeurismus zu einer Kunstform, als Kunst und Leben zu einer kontinuierlichen Performance verschmolzen, die einen neuen Höhepunkt erreichte, als Velvet Underground multimediale Veranstaltungen schuf, bei denen alle Grenzen aufgehoben wurden” (Wilson 68).

Andy Warhol entwickelte insbesondere die Beziehung zwischen Avantgarde und Massenkultur auf ein verblüffendes Niveau. Seine Filme waren zumeist experimentell; seine Gemälde feierten die “Pop”-Oberfläche des Lebens, so dass die gesamte amerikanische Landschaft mit ihren Drive-Bys und Reklametafeln zu einer ästhetischen Oberfläche wurde (Wilson 68). Seine Worte “in der Zukunft wird jeder für fünfzehn Minuten berühmt sein” wurden berühmt. Es gelang ihm, Ruhm und Unbekanntheit so zu kombinieren, dass das eine die Wirkung des anderen verstärkte. In der Praxis war die Obskurität ein wesentlicher Bestandteil der böhmischen Kultur und lieferte die zutiefst böhmischen Themen der Selbstzerstörung und des Scheiterns (Wilson 69).

Edith Sedgwick war eine junge, hübsche Schauspielerin, die in Andy Warhols Underground-Filmen mitspielte. Bald wurde sie in eine Beziehung mit ihm hineingezogen, in der sie sich von Andy Warhol kontrollieren ließ. Außerdem geriet sie in die Falle der Drogen. Sowohl Andy als auch Edie waren androgyn. Sie war ein Mädchen, das zu hart, zu schnell, zu viel und zu früh lebte und so ein frühes, unglückliches Ende fand. Sedgwick ging seit 1965 regelmäßig mit ihrem Freund Chuck Wein in die Factory und wurde dann für kleine Rollen in Filmen wie Vinyl und Horse ausgewählt.

Später spielte sie Hauptrollen in seinen Filmen wie Poor Little Rich Girl, Kitchen, Beauty No. 2, Outer and Inner Space, Prison, Lupe und Chelsea Girls. Sedgwick trug schwarze Trikots, Minikleider und große Kronleuchter-Ohrringe, ließ sich die Haare kurz schneiden und besprühte sie mit Silberfarbe. Warhol taufte sie auf den Namen “Superstar” und beide wurden zusammen bei verschiedenen gesellschaftlichen Anlässen fotografiert (Comenas 1).

Ende 1965 verschlechterte sich jedoch die Beziehung zwischen Sedgwick und Warhol und sie beendeten ihre Zusammenarbeit. Schon bald entwickelte Sedgwick eine Beziehung zu Bob Dylan und soll die Inspiration für Dylans bahnbrechendes Werk “Blonde on Blonde” von 1966 und den rauen Stampfer “Leopard-Skin Pill-Box Hat” gewesen sein. Sedgwicks und Dylans Beziehung endete, als Sedgwick herausfand, dass Dylan Sara Lownds in einer geheimen Zeremonie geheiratet hatte – etwas, das sie offenbar von Warhol während eines Streits im Gingerman Restaurant im Februar 1966 erfuhr (Comenas 1). Sie wurde abhängig von Barbituraten und starb später 1971 an den Folgen von Drogen und Alkohol.

Bob Dylan war ein revolutionärer Dichter und Musiker, der zur gleichen Zeit wie Andy Warhol in New York lebte. Andy Warhol und seine Mitstreiter in der berühmten Factory definierten und schufen die “Pop Art”, indem sie die Grenzen zwischen Kunst und Alltag aufhoben, während Bob Dylan die Blues-, Country-, Folk- und Rockmusik mit einer poetischen Sensibilität prägte, die die meisten Formen der populären Musik im kommenden Jahrzehnt beeinflussen sollte. Andy Warhol drehte mit Paul Caruso einen experimentellen Film mit dem Titel The Bob Dylan story.

Das Einzigartige an Warhols Kunstwerken war, dass er sich nicht auf das Endergebnis konzentrierte, sondern auf die kreativen Prozesse, die das Kunstwerk hervorbrachten. Diese Philosophie spiegelt sich in der Verwendung von Siebdrucken wider, einem Verfahren, mit dem jeder mehrere identische Bilder herstellen kann: Warhol ließ seine Freunde gerne Drucke von seinen Siebdrucken anfertigen. Der Großteil von Warhols kreativer Arbeit fand zu dieser Zeit in seinem Studio statt, das er “die Fabrik” nannte.

Diese Arbeiten, die zwischen 1962 und 1964 entstanden, reichen von Porträts von Freunden und Prominenten über Autounfälle und elektrische Stühle bis hin zu Konsumgütern. Die vielleicht berühmtesten seiner Factory-Arbeiten – Bilder von Konsumgütern wie Campbell’s Soup, Brillo-Boxen, grünen Briefmarken und Coca-Cola – verdeutlichen Warhols Faszination für die wachsende Identifikation der Amerikaner mit Markennamen (Lin 1). Im Jahr 1962 hatte Warhol seine erste Ausstellung in der Stable Gallery. Sie war ein großer Erfolg, über den in der Presse ausführlich berichtet wurde und der restlos ausverkauft war.

Ab 1966 konzentrierte sich Andy Warhol auf das Filmemachen, zunächst in der Absicht, das Leben der Menschen in seiner Umgebung zu studieren. Die ersten Filme, mit denen er bekannt wurde, wurden zwischen 1963 und 1964 gedreht, insgesamt acht Stunden, mit den Titeln Sleep, Kiss, Haircut, Eat, Blow Job und Empire. Seine Filme tragen seine Philosophie wie seine Gemälde. Sie konzentrierten sich mehr auf den kreativen Prozess. Die Themen waren meist ganz normale Menschen (Lin 1). In The Chelsea Girls (1966), einem siebenstündigen voyeuristischen Blick in Hotelzimmer, verwendete er Projektionstechniken, die eine verblüffende Abweichung von den etablierten Methoden darstellten.

Am 3. Juni 1968 kam Valerie Solanas, eine Schriftstellerin, die in Warhols Film I, a Man (1967) mitgespielt hatte, ins Studio und schoss Warhol in die Brust, offenbar wegen eines von ihr geschriebenen Stücks. Nach einer fünfstündigen Operation erholte sich Warhol von dem beinahe tödlichen Schuss. Während er sich erholte, malte er eine große Serie von Porträts von Happy Rockefeller, der Frau des Gouverneurs von New York (Wrbican 1).

Es war Warhols Meisterleistung zu erkennen, dass die beste Methode, die altmeisterliche Porträttradition mit genügend Energie zu versorgen, um die reale, lebendige Welt zu absorbieren, das fotografische Bild war. Als Warhol einen fotografischen Siebdruck von Marilyn Monroes Kopf nahm, ihn mit Goldfarbe überzog und ihn in einem zeit- und raumlosen Himmel schweben ließ, schuf er in der Tat eine weltliche Heilige für die 1960er Jahre. Und als er dieselbe körperlose Gottheit nicht als Einzelstück, sondern als ununterbrochene Serie reproduzierte, die in endlosen Multiplikationen von einer unsichtbaren Presse ablief, bot er eine Art religiöses Flugblatt für den populären Konsum an. Indem er die Fotografie direkt in den Bereich der bildenden Kunst als eigentliche Grundlage für das Bild auf der Leinwand aufnahm, konnte Warhol das visuelle und moralische Netzwerk des modernen Lebens darstellen.

Andy Warhols Gemälde sind täuschend einfach wie seine Bilder. Es handelt sich um kommerzielle Bilder aus der Konserve, sei es Campbell Soup, Marilyn Monroe oder Szenen der Zerstörung und des Todes, ein Autounfall, ein elektrischer Stuhl. Das Bild hat immer einen Kontext und eine Geschichte, bevor Warhol es verwendet: Er nimmt das aus zweiter Hand oder das Vertraute und präsentiert es frisch, mit Unmittelbarkeit. Seine Bilder zeigen die wesentlichen Symbole des täglichen Lebens, die durch Wiederholung ihrer Kraft beraubt werden. So rufen sie starke Gefühle im sozialen Bewusstsein des Einzelnen hervor. Es gibt kein Bild, das so einfach ist, dass es nur eines bedeutet, kein Bild, das so vertraut ist, dass es seine Bedeutung verloren hat (Glueck 19). Die Wirkung wächst durch die Wiederholung; die Formen lösen sich auf der Leinwand zu Mustern auf, um sich dann wieder neu zu formieren.

Dass Warhol gleichzeitig Warren Beatty und elektrische Stühle, Troy Donahue und Rassenunruhen, Marilyn Monroe und tödliche Autounfälle malen konnte, mag auf eine perverse kühle und passive Persönlichkeit hindeuten. Bei näherem Nachdenken wird man jedoch feststellen, dass dieser gefühllose, voyeuristische Blick auf das zeitgenössische Leben, in dem das Ernste und das Triviale, das Modische und das Entsetzliche als flüchtiges Spektakel nebeneinander bestehen, ein tödlich genauer Spiegel einer alltäglichen Erfahrung in der modernen Kunst und im Leben ist.

Andy Warhols Werke zwangen die Betrachter, die moralische Wahrheit und die Falschheit konventioneller Moralvorstellungen zu erkennen. Die Fakten des modernen Lebens werden durch Bilder dargestellt. Diese künstlerischen Äußerungen waren oft kraftvoller als die lauteren Schreie der expressionistischen Psychologie.

Kulturell nutzte Andy Warhol seine besondere Beziehung zum Essen und organisierte rituelle Mittagessen für sehr ausgewählte Personengruppen, die jeweils streng inszeniert waren. Er brachte sehr berühmte und glamouröse Menschen mit einigen weniger berühmten und glamourösen Menschen zusammen, die unbedingt an Ruhm und Glamour teilhaben wollten, und überredete sie mit einfachem Essen und preiswertem Wein, sich porträtieren zu lassen. Daraus wurde ein millionenschweres Geschäft.

Ende 1974 lag der Preis für ein Warhol-Porträt bei 25.000 Dollar. Das war tatsächlich der Preis für das erste Porträt. Wenn er glaubte, einem Kunden mehr verkaufen zu können, fertigte er ein zweites an, das er für 15.000 Dollar verkaufte, ein drittes für 10.000, ein viertes für 5.000 und so weiter. Die zusätzlichen Werke waren bei den Kunsthändlern sehr beliebt. So wurde Warhol zu einem Künstler, der seine Geschäfte nach sehr strengen Marketingprinzipien führte, Produkte zu gut gewählten Werten platzierte und infolgedessen den Wert seiner Arbeit steigern konnte. Andy Warhol ist ein gutes Beispiel für einen Künstler, der einen großen wirtschaftlichen Wert geschaffen hat. Er war auch eine märchenhafte Königin, ein Fan von Aufreizung und Pornografie und ein großer Bewunderer des männlichen Körpers.

Über das Sexualleben von Andy Warhol ist viel spekuliert worden. In seinem künstlerischen Schaffen waren sowohl Männer als auch Frauen vertreten, und in seinem Umfeld mischten sich beide Geschlechter. Die meisten Menschen neigen zu der Annahme, dass Warhol schwul war, und er hatte tatsächlich Freunde. Es ist jedoch ein Rätsel, ob er tatsächlich mit diesen Männern intim war oder nicht; Warhols Haltung war eher asexuell als homosexuell.

Andy Warhol wandte sich später verschiedenen Kunstformen zu und erwies sich als begabter Maler, Bildhauer, Grafiker, Filmemacher, Musikproduzent, Autor und Verleger. Doch hinter jeder dieser Rollen war es seine außerordentlich kreative Zeichenkunst, die den Grundstein für seinen Erfolg legte. Mitte der sechziger Jahre begann er mit der Band The Velvet Underground zu arbeiten. Mit einer Multimediashow namens The Exploding Plastic Inevitable, in der die Rock’n’Roll-Band The Velvet Underground auftrat, weitete er seine Aktivitäten auf den Bereich der Performancekunst aus. The Velvet Underground wurde zu einer der einflussreichsten Rockbands der Geschichte.

Zur Musik der Band inszenierte er eine interaktive Show aus Bildern und Lichtern und nannte sie The Exploding Plastic Inevitable. Die Mixed-Media-Show erregte internationales Aufsehen, als sie im Nachtclub DOM in New York City eröffnet wurde. Es war ein Ansturm auf die Sinne und beschrieb in Musik und Kunst das Lebensgefühl des jungen Amerikas.

In den 1970er Jahren verkehrte Warhol häufig mit Berühmtheiten wie Jackie Kennedy Onassis und Truman Capote, die beide schon früh wichtige Motive für seine Kunst waren. Er erhielt Dutzende und bald Hunderte von Aufträgen für Porträts von wohlhabenden Persönlichkeiten, Musik- und Filmstars und anderen Kunden. Die 1970er Jahre waren für Warhol auch eine Zeit des Experimentierens. Für die Weltausstellung in Osaka 1970 fertigte er drei Versionen einer Skulptur namens Rain Machine (Daisy Waterfall) an (Wrbican 1).

Ab den 1970er Jahren produzierte Warhol weiterhin eine Vielzahl von Gemälden, Drucken, Fotografien und Zeichnungen: Mao, Ladies and Gentlemen, Skulls, Hammer and Sickles, Shadows, Guns, Knives, Crosses, Dollar Signs, Zeitgeist, Camouflage und viele mehr. Den Höhepunkt bildete seine Serie von Abendmahlsgemälden, die Anfang 1987 in Mailand gezeigt wurde (Wrbican 1).

Warhol starb am 22. Februar 1987 in New York City an den Komplikationen einer Operation zur Entfernung seiner Gallenblase. Im Jahr 1988 erbrachte eine zehntägige Versteigerung seines enormen Nachlasses an Kunst und Antiquitäten über 20 Millionen Dollar für die Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. Das Andy Warhol Museum wurde 1989 angekündigt und 1994 in Pittsburgh eröffnet. Fast zwei Jahrzehnte lang war Andy Warhol eine berüchtigte Medienikone, berüchtigt für seine Partys und respektiert für seinen künstlerischen Geschmack; er unterstützte junge und aufstrebende Künstler und trug so zur Entwicklung der modernen Kunst in Amerika bei.

Er hatte 58 Jahre gelebt und dazu beigetragen, eine neue Szene für die amerikanische Kunst und eine neue Ideologie im Künstlerlexikon zu entwickeln. Andy Warhols Einfluss auf die Kunstwelt ist nicht zu übersehen, und sein Einfluss wirkt bis heute nach, vom Suppendosen-Logo von Brain-juice.com bis zu den filmischen Techniken von The Blair Witch Project. Andy Warhol war also die einzige Person, die den Wandel der Bohème-Kultur von einer individualistischen Perspektive zu einer kulturellen Massenform herbeiführte.

Zitierte Werke

Acker, Kathy (1989). “Blue Valentine” in Andy Warhol: Film Factory, ed. Michael O’Pray. British Film Institute Veröffentlichung. London.

AWM (2007a). Andy Warhols Methoden und Techniken. Web.

AWM (2007b). Andy Warhol: Leben und Kunst. Web.

AWP (Andy Warhol Posters) (2008). Andy Warhol Posters ‘n’ Pop. Web.

Comenas, Gary (2008). Edie Sedgwick. Web.

Glueck, Grace (1964). Kunstnotizen: Boom? Rezension einer Ausstellung in der Stable Gallery. New York Times. S. 19.

Hopf, Courtney; Kogan, Leslie und Brown, Rachel (2001). Beat-Kultur: Eine spätere Manifestation der Boheme. Web.

Lin, Amy (2008). Andy Warhol. Web.

Sherer, Danielle (2000). Gallery Attendants Put a New Face on The Andy Warhol Museum. Carnegie Magazin. Web.

The Columbia Encyclopedia (2007). Warhol, Andy. Die Columbia Enzyklopädie. Sechste Ausgabe. Columbia University Press. New York. 2007.

Wilson, Elizabeth (2002). Bohemiens: The Glamorous Outcasts. Tauris Parke Paperbacks.

Wrbican, Matt (2008). Amerikanische Meister: Andy Warhol. Wrbican. Web.