Andy Warhol: Die Künstlerbiografie Term Paper

Words: 2193
Topic: Kunst

Einführung

Andrew Warhola oder Andy Warhol, wie er besser bekannt war, war ein vielseitig begabter Mensch, der sich in verschiedenen Bereichen auszeichnete. Am bekanntesten wurde er als amerikanischer Künstler im Kontext der Pop Art, und sein Ruhm und seine Unternehmungen erstreckten sich auf verschiedene Bereiche wie Filmemacher, Grafiker und Plattenproduzent. Er war auch als Autor und Vertreter der bildenden Kunst tätig und begann seine Karriere als kommerzieller Illustrator. Warhol (1928-1987) erreichte seinen Höhepunkt mit seinem Gemälde Eight Elvises (1963), das als sein bestes Kunstwerk gilt und einen Preis von 100 Millionen Dollar erzielte. (Colacello, 88)

Kreativität

Der kreative Prozess von Andy Warhol ist ein psychologischer und gesellschaftlicher Prozess, der sich auf die Schaffung neuer innovativer Ideen oder Konzepte oder neuer Beziehungen des kreativen Geistes zu bereits vorhandenen Begriffen, Gedanken oder Wahrnehmungen bezieht. Der kreative Prozess wird durch die Entwicklung eines bewussten oder unbewussten Bewusstseins angetrieben. Eine andere Vorstellung von Kreativität ist, dass es sich um einen reinen Schaffensprozess handelt, bei dem etwas Neues und Originelles entsteht. Bei der Beschreibung des kreativen Prozesses von Andy Warhol wird deutlich, wie eng das Wort “Genie” mit seiner Kreativität verwoben ist. Intellektuelle Brillanz in Kombination mit höchster Qualität der Kreativität bringt den Begriff des Genies ein. Schöne Ideen und ihre korrekte Umsetzung, die einen tiefgreifenden Einfluss auf die Betrachter haben, werden mit dem Etikett des kreativen Genies versehen. Einzelpersonen werden oft aufgrund ihres Lebensstils, ihrer Arbeiten in den jeweiligen Bereichen und ihrer Einstellungen als kreativ bezeichnet. Der kreative Prozess kann als einfallsreich, geschmeidig, nicht stereotyp, einflussreich und autoritär wahrgenommen werden. (Weisberg, 1993)

Warhols Kreativität mag intuitiv einfach erscheinen, aber in Wirklichkeit ist sie ein komplexes Phänomen. Kreativität ist definitiv ein komplizierter Prozess, bei dem das Produkt ein Ergebnis der Umsetzung der Kreativität ist. Obwohl der Autor Daniel Joseph Boorstin in seinem Buch “The Creators: A History of Heroes of the Imagination’, dass “selbst die größten griechischen Bildhauer, Töpfer, Maler und Architekten keine Individualisten waren” (Boorstin, 94), lässt sich feststellen, dass Kunst und Kreativität grundsätzlich vom Fluss der Gefühle bestimmt werden.

Es beginnt in einem breiten Spektrum physischer Worte und liegt in seinem Vorbereitungsstadium. Wenn man mit einer neuen Idee oder einem neuen Konzept konfrontiert wird, ist das erste, was sich einstellt, eine Vision davon, wie schön es sein wird, wenn es tatsächlich zustande kommt. Der Verstand denkt darüber nach, wie die Idee funktionieren könnte. Zusammen mit der Vision kommt die Vorfreude, die den Verstand glauben lässt, dass die Idee tatsächlich etwas Beeindruckendes sein wird. Die folgende Handlung erfordert, dass der Ideengeber den Sprung wagt und die Idee umsetzt. Dies ist der entscheidendste Teil des gesamten Prozesses. Es gibt viele kreative Ideen, die nicht zu einem Ergebnis führen und unvollendet bleiben, weil sie in dieser Phase gebremst werden. In dieser Phase können viele Emotionen wie Aufregung und Misstrauen im Spiel sein. Je weiter der Prozess fortschreitet, desto klarer wird die Idee, und die Umsetzung schreitet voran. Nach langem Ringen im Kopf des Schöpfers entsteht schließlich ein Produkt, das von der realen Welt bestätigt wird. (Weisberg, 165)

Die Genese seiner künstlerischen Komposition unterliegt der Dichotomie zwischen Inspiration in Verbindung mit Innovation und Ausarbeitung in Verbindung mit geschickter Organisation. Sein kreativer Prozess war oft eine Kombination aus beidem. Seine Werke betonten das handwerkliche Können, aber gleichzeitig schätzte er die spontane Innovation sehr. Die Gegenüberstellung der verschiedenen verfügbaren Fassungen von Kunst- und Bildhauerkompositionen zeigt, dass einzelne Takte ersatzlos gestrichen wurden und zudem die Anordnung, in der formale Segmente zustande kamen, häufig sehr unterschiedlich zu den nachfolgenden Fassungen ist. Dennoch hielt er während seiner gesamten Laufbahn an einem relativ konventionellen Begriff des Kunstwerks fest. Der Begriff des “work in progress” (der eigentlich auf die Romantik zurückgeht) oder die postmoderne Auffassung des offenen Werks können nur mit dem kreativen Prozess des Künstlers in Verbindung gebracht werden. Das poetische Detail in der konzeptionellen Phase der Komposition gibt einen tiefen Einblick in den kreativen Prozess des Künstlers.

Malerei

Der Maler Andy Warhol verkörperte die Postmoderne am absolutesten und verlieh ihr einen zusätzlichen Schub, um sie weiter voranzutreiben als jeder andere Künstler. Der Extremismus des Stils wurzelte in der Entschlossenheit, nicht die bloße Realität zu malen, sondern die Vergegenwärtigung der Realität, den Akt des Bewusstseins und der Wahrnehmung der Natur selbst, indem er darstellte, wie das Licht, insbesondere das helle Licht, die Farben und das Aussehen der Szene zu verflüssigen vermag. Die Erklärung dieses Effekts wurde in einer unaufgeforderten, gebrochenen, tänzelnden Pinselführung verankert – wenn möglich artikuliert in Farbe, die vor dem fokussierten Gegenstand, en plein air, aufgetragen wurde. Die dabei entstehenden Bilder sind im Moment so wiedererkennbar, dass man sich nicht daran erinnern kann, dass die Postmoderne ihren ursprünglichen Betrachtern ein neues, vielfältiges Bewusstsein bescherte. Der Lichteinfall war besser, und damit wurde auch die physische Kühnheit des gemalten Äußeren gesteigert. Farbe und Wirklichkeit existierten in fein abgestimmter Spannung zueinander. Seine illustre Lebensführung wird als private Utopie und als wesentlicher Bestandteil seines Schaffensprozesses dargestellt. Während er in Gesprächen und Diskussionen mit seinen Kritikern immer wieder die Verwendung der Zeichnung als wesentlichen Teil seines Schaffensprozesses ablehnte, sind in der jüngeren Vergangenheit Dokumente aufgetaucht, die diese Sichtweise eher in Frage stellen. Die Rolle, die Andy Warhols grafisches Werk als primäre Facette seines kreativen Prozesses spielt, ist eingehend untersucht worden und wird auch weiterhin eingehend untersucht. (Boorstin, 85)

Sexualität

Die Vorstellung von Andy Warhol über das Geschlecht ist sehr einzigartig. Er glaubte, dass das männliche Geschlecht im Grunde ein unvollständiges Geschlecht ist, während das weibliche vollständig ist. Wie egoistisch ein Mann auch sein mag, es ist sicher, dass er selbst spürt, dass ihm in gewisser Weise das fehlt, was die Frau in Bezug auf Zärtlichkeit, Liebe, Zuneigung und geistige Beziehungen tatsächlich besitzt. In gewisser Weise ist ein Mann eine unvollständige Frau, und ein Mann weiß das tief in seinem Innern ganz genau. In gewisser Weise ist ein Mann immer daran interessiert, eine Frau zu werden, und der Geschlechtsverkehr ist eine Möglichkeit, der weiblichen Erfahrung für einen Mann so nahe wie möglich zu kommen. Die Unfähigkeit, sich die Eigenschaften einer Frau anzueignen, bringt den Mann dazu, sich mit Dingen zu beschäftigen, die unnötig und künstlich sind, wie das Führen von Kriegen und das Erfinden des Konzepts des Geldes mit einer unbegrenzten Lust an sinnloser und unnötiger Machtausübung und Manipulation. Der Mann manipuliert auch seine Gefühle als Vater, indem er sich aufdrängt und die Nachkommen als Ware betrachtet. Der Mann tut so, als wäre er eine Samenbank, und da in der heutigen Zeit künstliche Samenbanken zur Verfügung stehen, gibt es in der Gesellschaft kaum noch Bedarf an Männern. Territoriales Verhalten und die Wahrung der Privatsphäre sind weitere Aspekte eines Mannes, die seine Inkompetenz beweisen, und da er dieses offene Geheimnis gut genug kennt, versucht er, so viel Raum wie möglich für sich zu gewinnen. Dieser Sinn für Territorium bringt ihn dazu, so weit zu gehen, dass er eine Frau zu einem unverwechselbaren Geschlecht macht, das sich von ihm spezifisch unterscheidet. Für einen Mann ist das fast ein Fall von Identitätskrise. Um seine Identität zu schützen, schafft er Autorität, Moral, Religion, Philosophie und andere begriffliche Vorurteile. (Husslein, 115)

Der Einfluss der Postmoderne

Die Definition von Andy Warhols Postmoderne oder postmoderner Kunst ist keine leichte Aufgabe, da sie Merkmale aus einem breiten Spektrum von Epochen übernommen hat, während sie eine Vielzahl architektonischer Werte, die von Menschen an verschiedenen Orten gesammelt wurden, in einen bestimmten Stil integriert, der dann als Postmoderne popularisiert wurde. Charles Jencks zufolge handelt es sich bei Andy Warhols Postmoderne um eine Verschmelzung verschiedener Ideen und Denkprozesse, die zusammen als Postmoderne bezeichnet wurden. Zimmerman sieht im Zusammenhang mit Andy Warhol Aspekte der Kunst unter dem Parameter des multikulturellen Umfelds. Es wird darauf hingewiesen, dass in der Moderne die Gegenüberstellung kultureller Milieus eine anfängliche Einrichtung war, aber während der Entwicklung der Globalisierung und der postmodernen ethischen Prinzipien ist es ein grundlegendes Bedürfnis, sich den multikulturellen Dimensionen hinzugeben. Es ist jedoch auch zu erwähnen, dass ein multikulturelles Umfeld nicht einfach zu befürworten ist und dass es mehrere ethische Probleme in diesem Zusammenhang gibt. Ausgehend von den Parametern der Kunst wird vorgeschlagen, dass man sich intensiv mit den kulturellen Unterschieden auseinandersetzen und die ethischen und sozialen Unterschiede verstehen muss, während man eine architektonische Umgebung in eine fremde Kultur einfügt. (Zimmerman, 78-79) Obwohl Andy Warhol manchmal Stilmittel aus historischen Inspirationen entlehnt, um das zu erreichen, was als ästhetisch ansprechend angesehen werden sollte, bricht er mit der Starrheit, die das strukturelle Raster der Moderne vorgibt, und missachtet die Werte der Moderne in Bezug auf Charakter und Ordnung der Traditionen. Andy Warhols postmoderne Kunst hat sich schließlich zu einem ausdrucksstarken und fantasievollen Design entwickelt, das eher unterhalten als beeindrucken soll.

Bewertung des Künstlers

Das Hauptmerkmal von Andy Warhol als Künstler ist alles, was jemand tut, das eine tiefgreifende Wirkung auf jemanden oder etwas anderes hat. Manche Künstler kann man als komplexer bezeichnen, manche Kunst dagegen als einfacher. Aber Tatsache ist, dass im Auge des Betrachters der Ausdruck eines Künstlers alles sein kann. Einfach ausgedrückt: Etwas, das ästhetisch ansprechend ist, ist etwas, das die Sinne anspricht.

Wenn Andy Warhol zum Beispiel ein Gemälde schaffen wollte, das ein ästhetisches Gefühl der Hoffnung vermittelt, würde er wahrscheinlich nicht zu viele dunkle Farben verwenden. Dunkle Farben werden oft verwendet, um Ruhe oder noch häufiger etwas Trauriges und Deprimierendes darzustellen. Wenn Sie beim Malen breitere und kreisförmigere Pinselstriche mit einem leichteren Druck auf den Pinsel verwenden, werden Sie eher deprimierende Töne und Farben erzeugen. Es wäre also ratsamer, hellere Farben zu verwenden und den Pinsel geschickter zu führen. Helle Farben vermitteln oft ein Gefühl von Wärme und Glück, und das ist etwas, das man erreichen möchte, wenn man etwas Hoffnungsvolles schaffen will. Aber um wirklich etwas zu schaffen, das eine starke ästhetische Präsenz ausstrahlt, muss man in der Regel eine Art emotionale Bindung zu dem haben, woran man gerade arbeitet.

Das Merkmal eines postmodernen Künstlers ist das Gefühl für das, woran man arbeitet. Nur dann werden Sie wirklich alles aus Ihrem Herzen und Verstand ausschütten. Wenn Ihnen das gelingt, können Sie etwas von echtem ästhetischen Wert schaffen, was einer Eigenschaft des Künstlers entspricht. Wenn du deine Emotionen in deinem Kunstwerk beschreiben kannst, wird es für andere leichter zu verstehen, was du zu tun versucht hast, und oft wird ihnen ein stärkeres emotionales Gefühl vermittelt. Auf diese Weise entsteht eine Verbindung zwischen dem Künstler und dem Betrachter, die es ermöglicht, einen echten ästhetischen Wert in einem Kunstwerk zu schaffen, und das ist die wichtigste Eigenschaft des Künstlers.

In gewisser Weise wurden Andy Warhols Werke für den Betrachter zu mehr als nur einer Vision und Installation. Sie werden auch für den Einzelnen zur Identifikation mit der postmodernen Ideologie. Sie wurden zu einem Werkzeug der dezentralen Ausstellung und auch der subalternen Manifestation. Verschiedene Artefakte und Objekte der Kunstbewegung scheinen über das gesamte Kunstwerk verstreut zu sein, das mit dem Interesse des Einzelnen an bestimmten Themen begann, die durch das visuelle und mentale Panorama in ihm entfacht wurden. Dies steht in völliger Übereinstimmung mit den grundlegenden Aspekten des postmodern geprägten Denkprozesses. (Lamm, 229)

Es ist wahr, dass die Bedeutung der visuellen Ästhetik von Person zu Person und von Betrachter zu Betrachter variiert, aber das Endmittel von Andy Warhol ist es, ein effektives Instrument der Selbstverwirklichung und Selbstaufklärung zu bieten, das nicht nur ein Kommunikationsmedium ist. Es ist wahr, dass die Bedeutung der Postmoderne weitreichend ist, und es kann festgestellt werden, dass alles, was in dieser Hinsicht erwähnt wurde, das Verständnis dieser Weite und ihres Bedeutungsbreis ist, wie die Konstruktion der Acht Elfen auf dekonstruktive und dezentralisierte Weise. (Lamm, 225)

So kann man sehen, dass das Sehen für den Menschen ein mehrdimensionales Werkzeug der Existenzstrategien sein kann. Für ein Individuum kommt der visuelle Impuls aus der Natur und dem nachfolgenden Material, um den richtigen Wert der Existenz und des Überlebens in der richtigen und gerechten Art und Weise der Vernunft zu bestimmen, so sehr, dass es versucht, alle Barrieren zu durchbrechen, um das Sehen auch als ein Medium des künstlerischen Ausdrucks zu nutzen. Infolgedessen kann festgestellt werden, dass die Bedeutung der Vision, in Übereinstimmung mit dem Architekten, viel weiter gefasst ist, als sie in den üblichen Vorstellungen begriffen wird. (Lamm, 224)

Schlussfolgerung

Ein merkwürdiger Aspekt von Andy Warhol sind die multiplen Dimensionen der Wahrheit, die im Bild verwendet werden. Der Künstler präsentiert dem Betrachter seine Versionen seiner persönlichen Errungenschaften, um Zugang zu ihm zu erhalten, und diese werden immer in Form von Halbwahrheiten und Lügen durch Visionen dargestellt, die der Betrachter entschlüsseln soll. Diese Halbwahrheiten, Illusionen und Lügen werden im Kunstwerk durch Kostüme und Kulissen in den Grundfarben Grün, Blau und Rot dargestellt. Abgesehen von den Aspekten der Philosophie und der politischen Korrektheit, dem Grundthema von Andy Warhol, ist das Bedeutendste an seinen Kunstwerken die atemberaubende Klarheit in der Darstellung der Gedanken, die Stillstand und Aktionssequenzen im selben Bild präsentiert.

Zitierte Werke

Boorstin, Dean. Die Schöpfer: Eine Geschichte der Helden der Phantasie. New York: Random House, 2003.

Colacello, Bob. Heiliger Schrecken: Andy Warhol in Nahaufnahme. London: HarperCollins, 1990.

Husslein, Uwe. Pop goes Art: Andy Warhol & Velvet Underground. NY: Wuppertal, 1990.

Lamm, David. Vom Kult zur Kultur: Die Entwicklung der Zivilisation. Wellington: National Book Trust Weisberg, Richard. Creativity: Beyond the Myth of Genius. LA: Freeman & Company, 1998.

Zimmerman, Michael. Ethik, Multikulturalismus und Globalisierung. Tulane University Professional Ethics, 2003.