Einführung
Um ein Kunstwerk zu analysieren, braucht man einen offenen Geist und eine neugierige Natur, um dies zu tun. Denn während einige Kunstwerke einfach zu verstehen sind, haben andere versteckte Bedeutungen, die kritisch analysiert werden müssen, um sie zu verstehen. Die Analyse eines Kunstwerks hilft dabei, den Zweck der Kunst zu bestimmen und die Informationen zu verstehen, die sie ohne Worte zu vermitteln versucht.
Bei der Analyse eines Werks sind die Form, die Technik und das Material die zentralen Schlüsselfaktoren (Mamiya und Kleiner 3). In diesem Beitrag wird ein Überblick über die Analyse eines bestimmten Kunstwerks namens “Tarantula Necklace with Red Drops” von Kiki Smith aus dem Jahr 2008 gegeben.
Elemente und Gestaltungsprinzipien
In jedem Kunstwerk müssen einige Elemente und Prinzipien vorhanden sein, obwohl das Vorhandensein einiger dieser Elemente oder Prinzipien auffälliger ist als das anderer, wenn man ein Kunstwerk analysiert, sollte man in der Lage sein, die herausragenden Elemente in dem zu analysierenden Kunstwerk herauszustellen (Peter und Olsen 6).
Zu den Elementen der Kunst gehören die Linie, der Wert, die Formen, die Form, der Raum, die Farbe und die Textur. Die Linie ist der Umriss der Kunst und das grundlegende Element bei der Analyse von Kunstwerken; sie führt das Auge dazu, verschiedene Kompositionen zu analysieren und sie schafft auch mehr Formen.
Der Wert ist der Ton des zu analysierenden Musters; er bestimmt den Grad der Dunkelheit oder des Lichts in der Kunst und wie der Kontrast zwischen den Werten geschaffen wurde. Formen werden durch die Umrisse von Linien gebildet, die eine bestimmte Form annehmen, wie z. B. ein Rechteck, ein Quadrat oder auch undefinierte unregelmäßige Formen und geometrische Formen. Die Form definiert die Dimensionen des Kunstwerks und beschreibt seine Breite, Tiefe und Länge.
Das Design kann auch die Form von Zylindern, Kugeln, Pyramiden oder sogar Kisten annehmen. Der Raum bestimmt den Abstand oder die Fläche zwischen den Objekten. Der Abstand zwischen den Objekten kann entweder zu groß oder zu klein sein, was sich auf die Art und Weise auswirken kann, wie man das Objekt betrachtet. Die Farbe definiert den Raum, die Linien, die Formen und die Gestalten und differenziert sie weiter. Unterschiedliche Farbschattierungen tragen dazu bei, bei der Analyse des Objekts einen bestimmten Effekt zu erzielen. Die Textur der Kunst ist die Haptik der Oberfläche des Objekts; sie kann rau oder glatt sein, eine Zeichnung kann die Textur des Objekts bestimmen.
Die Prinzipien hingegen integrieren die Elemente der Kunst. Zu den Prinzipien gehören Gleichgewicht, Kontrast, Bewegung, Betonung, Muster, Proportion und Einheit. Das Gleichgewicht wird durch die harmonische Kombination von Textur, Formen, Farben und Gestalten hergestellt. Der Kontrast spielt mit einigen der Elemente, um den Blick des Betrachters zu fesseln und ihn durch das Kunstwerk zu führen, was zu einer Bewegung beiträgt.
Die Bewegung führt die Augen zu den hervorgehobenen Bereichen. Sie wird durch kontrastierende Formen, Farben oder Linien in der Kunst geleitet. Die Betonung wird durch den Künstler entwickelt, der Farben, Formen und Texturen kontrastiert, um den Blick auf einen bestimmten Teil des Objekts zu lenken.
Muster ist die Wiederholung von Formen oder Gestalten auf einem Werkstück, um ein bestimmtes Muster zu erzielen. Die Proportion ist erreicht, wenn die Größen des Werks perfekt harmonisiert sind. Einheit ist gegeben, wenn alle Prinzipien harmonisiert sind; manche Künstler lassen die Prinzipien absichtlich unharmonisiert, um bestimmte Gefühle der Beunruhigung zu erzeugen (Don 15).
Analyse eines Kunstwerks
Das untersuchte Kunstwerk trägt den Titel “Tarantula Necklace with Red Drops” von Kiki Smith aus dem Jahr 2008. Das Kunstwerk zeigt zwei Halsketten, eine mit einem roten Edelstein und die andere mit einer Spinne als Anhänger und drei roten Edelsteinen. Das Kunstwerk wurde mit frei fließenden, geschwungenen Linien gestaltet, die eine kreisförmige Halskette bilden und ein natürliches Gefühl vermitteln. Es verwendet auch angedeutete Linien, um die Spinne in einem der Halskette zu bilden.
Die Qualität der Linien in diesem Kunstwerk ist kurz und dünn und schafft ein Gefühl der Intimität in Verbindung mit der Halskette. Die Funktion der Linien in diesem Kunstwerk drückt den Wert der Halsketten aus. Die Kreuzschraffur in diesem Kunstwerk wurde durch die sich kreuzenden Linien erreicht, die die Halsketten bilden, und sie wurden zu eng gezeichnet, wodurch ein dunkler Wert entsteht.
Die Konturlinien bilden einen kreisförmigen Umriss der Halskette, der durch einen spinnenförmigen Anhänger und lose Aufhängungen, an denen die Edelsteine befestigt wurden, ergänzt wird. Der Tenebrismus des Kunstwerks erzeugt eine dramatische Beleuchtung mit seinen kontrastierenden Schattierungen von Licht und Dunkelheit. Die Dunkelheit ist jedoch dominant in der Kunst.
Die Künstlerin hat in ihrem Werk eine realistische Form verwendet. Die Funktion des Werks zeigt Klasse und Raffinesse und passt daher gut zu seiner Form. Der Raum zwischen den Objekten ist nicht sehr groß; er hat einen Kontrast aus dunklen und hellen Schatten, der ein starkes Gefühl in Verbindung mit der Kunst darstellt. Die Perspektive in dieser Kunst repräsentiert ein intuitives Gefühl, das einen Sinn für die Realität in den Halsketten mit Edelsteinen impliziert.
Die Künstlerin schafft ein Gleichgewicht in ihrer Kunst. Es gibt einen harmonischen Fluss in den kontrastreichen Schattierungen von hell und dunkel, die Formen und die Textur sind sehr gut ausbalanciert. Die Künstlerin hebt außerdem die Form des Spinnenanhängers hervor und macht ihn zum Mittelpunkt des Kunstwerks. Sie hat dies erfolgreich durch die kontrastierenden Schattierungen und Formen, die die Spinne formen, erreicht.
Die Größen der Halsketten sind ebenfalls aufeinander abgestimmt, um die gewünschte Proportion und Form zu erreichen. Die kreisförmigen Linien auf der Halskette bilden in ihrer Wiederholung einen Rhythmus, der in den Augen eine harmonische Form erzeugt. Der Künstler hat auch alle Prinzipien harmonisiert und so die Einheit der Kunst erreicht.
Schlussfolgerung
Bei der Analyse von Kunst muss man sich in die Gedanken des Künstlers versetzen, indem man die Kunst einfach definiert, um die Bedeutung der Kunst zu verstehen. Die oben analysierte “Tarantel-Halskette mit roten Tropfen” definiert einfach eine Frau mit Klasse.
Die Schattierungen sind gut gemischt und kontrastiert, um die wahre Raffinesse hervorzuheben. Man muss sowohl einen intuitiven als auch einen wissbegierigen Geist haben, um die betreffende Kunst analysieren zu können. Der intuitive Verstand hilft dabei, mehr zu sehen als nur das, was auf der Außenseite der Kunst dargestellt ist, und der wissbegierige Verstand liefert eine Antwort auf die Intuition.
Man sollte in der Lage sein, die Elemente in der Kunst aufzuzeigen und zu identifizieren. Die herausragenden Elemente sollten klar benannt werden, da der Künstler wichtige Elemente wie Linien verwendet. Die Prinzipien hingegen fügen sich in die Elemente ein und sind der Schlüssel zur Analyse eines Kunstwerkes. Der Kerninhalt des Kunstwerks sollte bei der Analyse in der Lage sein zu interpretieren, was der Künstler mit den Bildern sagen oder darstellen will.
Zitierte Werke
Don, Charles. Der Geist in der Kunst: Kognitive Grundlagen der Kunsterziehung. New York: Taylor und Francis e-Library, 2009. Drucken.
Mamiya, Cute und Kleiner, Frudes. Gardner’s Art Through The Ages. New York: Academic Press, 2001. Drucken.
Peter, Lukas und Olsen, Stein. Ästhetik und die Philosophie der Kunst: Die analytische Tradition. London: Barnes and Noble Publishing, 1998. Drucken.