Tommaso di Ser Giovanni di Simone oder Masaccio ist ein herausragender Maler der italienischen Renaissance. Masaccio ist vor allem für sein einzigartiges Talent bekannt, lebensechte Figuren und Bewegungen in Kombination mit realistischer dreidimensionaler Wahrnehmung darzustellen. Sein großartiges Gemälde “Die Heilige Dreifaltigkeit” ist eine einzigartige Kombination aus klassischer Kunstauffassung und wissenschaftlichem Ansatz, einschließlich der Verwendung mathematischer Proportionen, linearer Perspektive und der Vorstellung von Dreidimensionalität. In der folgenden Arbeit möchte ich erörtern, wie die Dreidimensionalität in Masaccios Dreifaltigkeit eine präzise Beziehung zwischen dem Betrachter und dem Göttlichen vermittelt. Bei näherer Betrachtung des Bildes wird deutlich, dass die Dreidimensionalität im Bild die Illusion eines unbegrenzten Raumes erzeugt, wodurch der Betrachter in die dargestellte Realität hineingezogen wird und über seine Verbindung mit dem Göttlichen in ihr meditieren kann.
Die Heilige Dreifaltigkeit mit der Jungfrau Maria, Johannes dem Evangelisten und den Stiftern befindet sich in der Dominikanerkirche Santa Maria Novella in Florenz. Es wird angenommen, dass das Bild 1427 entstanden ist, obwohl es andere Meinungen über das Entstehungsdatum gibt. Das Gemälde der Heiligen Dreifaltigkeit gilt als das größte Meisterwerk von Masaccio mit seiner einzigartigen Darstellung des dreidimensionalen Raums, die den Betrachter zum Nachdenken über seine Bedeutung anregt. Dieses große Fresko Masaccios ist einer der frühesten Versuche, die lineare Perspektive zu nutzen, um die gemalten Figurengruppen so zu positionieren, dass eine genaue Beziehung zwischen dem Betrachter des Bildes und dem darin dargestellten Göttlichen hergestellt wird und somit eine Beziehung zwischen ihnen entsteht.
Bei der Betrachtung des Bildes sollten seine zahlreichen Besonderheiten und Details berücksichtigt werden. Zunächst einmal ist die Bildebene in auf- und absteigende Dreiecke unterteilt und weist eine intensive Klarheit der geometrischen Formen auf, die auf einer Pyramide basieren. Die Dreiecke im Bild haben zwei Aussichtspunkte: einer befindet sich oben an der Decke und der andere hinter dem Erdhügel am Fuße des gekreuzigten Jesus. Die Fokussierung auf diese Aussichtspunkte vermittelt dem Betrachter unbewusst ein Gefühl von Raumvolumen. Mit Hilfe der Linearperspektive schuf Masaccio eine illusionäre Kapelle: im unteren Teil des Bildes sehen wir ein Grabmal und im oberen Teil ein Tonnengewölbe; dort befinden sich Gott, der Heilige Geist in Form einer weißen Taube, der gekreuzigte Jesus, Maria, Johannes der Evangelist und zwei Stifter zwischen ihnen. In Höhe der Augen des Betrachters befindet sich ein scheinbares Loch. Der Künstler hat mit einer Ein-Punkt-Perspektive Tiefe und Vertiefung in eine ebene Fläche hinein gemalt. Jesus ist genau in der Mitte des Freskos dargestellt, mit einem Fluchtpunkt hinter ihm, der dem Gemälde ebenfalls eine illusionäre Tiefe verleiht. Die Verwendung der Linearperspektive ermöglicht es auch, einen illusionären Raumeindruck zu erzeugen. So erzeugt die Bildgestaltung das Gefühl eines dreidimensionalen Raums.
Jede Person und jedes Detail des Bildes trägt ebenfalls zur Verwirklichung des Konzepts bei, den Betrachter zum Nachdenken über die Handlung des Bildes anzuregen. Vor allem die Figur des allmächtigen Gottes zieht die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich. Sie scheint zu schweben und hat auch ihre Perspektive. Früher wurde Gott nie mit einem menschenähnlichen Aussehen dargestellt, mit einem Gesicht und einem Körper, die denen von Menschen ähneln. Gewöhnlich boten die Maler den Gedanken an die Exzellenz des Schöpfers über den sündigen Menschen an, indem sie ihn als eine Hand darstellten. So erhält der Betrachter einen Einblick in die aufkommende Philosophie des Humanismus in der Renaissance.
Gott der Vater ist das Alfa und Omega, aus dem alles auf dem Gemälde hervorgeht. Der allmächtige Vater Jesu ist hinter seinem gekreuzigten Sohn abgebildet. Der Heilige Geist ist über dem Haupt Jesu in Form einer weißen Taube zu sehen. Masaccio entschied sich für die Verwendung einer weißen Taube zur Darstellung des Heiligen Geistes, da er sich von der biblischen Geschichte der Taufe Christi inspirieren ließ, als der Heilige Geist in Form einer weißen Taube von Gott, dem Vater, auf ihn herabkam. Alle drei, Gott, sein Sohn und der Heilige Geist, sind auf einer starken vertikalen Achse dargestellt.
Die Figuren von Johannes dem Evangelisten und Maria bilden ein Dreieck mit dem Heiligenschein Gottes. Maria blickt den Betrachter an und zeigt auf den gekreuzigten Jesus, was den Betrachter dazu einlädt, das gesamte Gemälde zu betrachten und darüber nachzudenken, was sich auf der anderen Seite des Bildes befindet. Um die Tiefe des Gemäldes noch weiter zu vertiefen, sind die Heiligen näher an Jesus Christus und weiter entfernt von den über dem Grab dargestellten Stifterinnen abgebildet. Die Figuren der Stifterinnen setzen das Dreieck in die reale Welt fort und regen den Betrachter zum Nachdenken über das Konzept der Dreifaltigkeit und seine göttliche Bedeutung an. Die Stifterinnen dienen als Beispiel für religiöse Hingabe, und da sie sich in der Nähe der heiligen Maria und des Apostels Johannes befinden, beanspruchen sie auch einen außergewöhnlichen Status, der den Betrachter zum Nachdenken über den Wert des wahren Glaubens anregt. Die Anordnung der Heiligen und der Frauen in Kombination mit der Figur Gottes und der zentralen Positionierung von Christus trägt ebenfalls zur Illusion der Tiefe und der Dimension des Bildes bei.
Im unteren Teil des Bildes ist das Grabmal mit dem auf dem Sarkophag liegenden Skelett zu sehen. Über dem Skelett ist die Inschrift “IO FUI GIA QUEL CHE VOI SIETE E QUEL CH’IO SONO VOI ANCO SARETE” zu sehen. Diese Inschrift, die ein Memento mori für die Betrachter ist, unterstreicht, dass das Bild den Zweck hatte, eine Lehre für die Betrachter zu sein. Diese Inschrift kann mit “Ich war einst, was du jetzt bist, und was ich bin, wirst du noch sein” übersetzt werden. Dieser Satz erinnert den Betrachter daran, wie vergänglich das Leben auf der Erde ist. Das Skelett verweist auf Adam und seine Sünde, die alle seine Nachkommen in den Tod führte. Das abgebildete Skelett vermittelt dem Betrachter eine Vorstellung davon, dass es durch den Glauben an die auf dem Gemälde dargestellte Dreifaltigkeit möglich ist, von Adams Sünde und ihren Folgen für die Menschheit gerettet zu werden.
Sehr interessant ist die Tatsache, dass Skelette normalerweise nicht in die Darstellung der Dreifaltigkeit und der Kreuzigung einbezogen werden. Dies ist wahrscheinlich der erste derartige Fall. Diese ungewöhnliche Kombination von Dreifaltigkeit und dem auf dem Sarkophag liegenden Skelett war jedoch wichtig, um die Verbindung zwischen dem Göttlichen und dem Betrachter des Bildes herzustellen, der im Glauben an die Dreifaltigkeit die Menschheit davon erlöst, Opfer der Sünde Adams zu werden.
Ein weiteres wichtiges Detail des Bildes ist die Verwendung kräftiger Farben, die dem Gemälde Glanz verleihen. Die wichtigste Besonderheit in der Farbgestaltung des Gemäldes ist die Verwendung von Rot und Schwarz. Ihre gelungene Kombination erzeugt den zusätzlichen Effekt des Raumes. Die Licht- und Farbkombination trägt somit auch zum Proportionsgefühl bei und verleiht dem Raum des Gemäldes mehr Dimension. So erscheint das Bild der Heiligen Dreifaltigkeit von Masaccio durch den Einsatz von Dreidimensionalität und Farblösungen wie eine Tür, die den Betrachter zur Begegnung mit den Göttlichen führt. Es fügt Details zum heiligen Sakrament der Offenbarung der Dreifaltigkeit und ihrer Bedeutung für die Erlösung des Menschen von Sünde und Tod hinzu, die durch den ersten Menschen Adam in die Welt gebracht wurden.
In Anbetracht all dieser Überlegungen wird deutlich, dass die Dreidimensionalität in Die Heilige Dreifaltigkeit die Illusion eines unbegrenzten Raums erzeugt und den Betrachter dazu bringt, über seine Verbindung mit dem dargestellten Göttlichen zu meditieren. Zum einen wird die Struktur des Bildes durch die mathematische Vorstellung der Dreidimensionalität organisiert, was den Betrachter dazu bringt, über die Bedeutung des Bildes zu meditieren. Zum anderen haben alle Details des Bildes ihren Zweck, sowohl ästhetisch, dekorativ als auch den Bildsinn offenbarend. Alle Details haben eine Gesamtwirkung auf den Betrachter, indem sie Tiefe erzeugen und so die flache Oberfläche des Bildes in einen dreiachsigen Raum verwandeln. Diese Details machen auch den Standpunkt des Autors deutlich. Schließlich erscheint die gesamte Bildkonzeption als eine Geschichte in Bewegung. Es scheint, dass alle Dargestellten den Betrachter dazu bringen, über den Sinn des Lebens und die Bedeutung des Glaubens an Gott und das Lösegeld seines Sohnes nachzudenken, das die Gläubigen vor den unvermeidlichen Folgen der Sünde Adams bewahrt. Alle von Masaccio eingesetzten Mittel regen den Betrachter dazu an, sich als Teil des Gemäldes zu fühlen und tatsächlich mit dem Göttlichen in ihm verbunden zu sein.