Das Kino ist eine der schönsten Formen der Kunst, die der Mensch je geschaffen hat. Es wird verwendet, um die Ereignisse der objektiven Realität widerzuspiegeln, aber der große Vorteil des Kinos ist, dass es seinen Schöpfern erlaubt, nicht nur äußere, sondern auch innere, d. h. persönliche, emotionale und psychologische Zustände ihrer Figuren oder ihrer selbst darzustellen. In dieser Hinsicht ist das so genannte Autorenkino von besonderer Bedeutung für diese Forschungsarbeit. Diese Art des Kinos setzt voraus, dass der Regisseur den größten Teil des Filmschaffens selbst durchführt. Dazu gehören Produktion, Drehbuch, Auswahl der Schauspieler usw. Die vorliegende Arbeit konzentriert sich auf die vergleichende Analyse der ästhetischen Stile in zwei Beispielen des Autorenkinos – The 400 Blows von Francois Truffaut und India von Roberto Rossellini.
Der Film des berühmten Vertreters der französischen New-Wave-Kinobewegung wird von vielen Kritikern als autobiografischer Film angesehen. Die Handlung des Films entwickelt sich um die Lebensgeschichte eines Problemkindes, das von seinen Eltern und Verwandten verachtet und nicht beachtet wird. In dieser Hinsicht ist der Film autobiografisch, da Francois Truffaut alle Ereignisse und Gefühle, die er in seinem Film darstellt, selbst erlebt hat. Dies ist eines der Hauptmerkmale des Autorenkinos, das den persönlichen Dingen Vorrang vor den allgemeinen einräumt. Im Autorenkino ist der Regisseur die Hauptfigur des Filmschaffens, und seine Ansichten gelten als Richtschnur für alle anderen, die an dem Film arbeiten.
So versucht Francois Truffaut, der kein gewöhnlicher Regisseur ist, der die Ideen eines anderen wiedergibt, seine innere Welt und seine Beziehung zur äußeren Welt darzustellen. Indem er einen von der Gesellschaft verstoßenen Jungen darstellt, vergleicht der Autor dessen Schicksal mit dem seinen und zieht einen Vergleich zwischen dem Bild des Ozeans im Film und der Persönlichkeit von Andre Bazin, seinem geistigen Lehrer und der Person, die Francois Truffaut vor dem kriminellen Leben und dem Gefängnis bewahrt hat. Das Symbol des Ozeans, das Antoine nie zuvor gesehen hat, wird mit dem “Vater” verglichen, den Francois Truffaut nie hatte und der Andre Bazin für ihn wurde.
Der Symbolismus ist jedoch nicht das einzige Merkmal des Autorenkinos. Die spezifischen Filmtechniken unterscheiden es vom Mainstream-Kino, insbesondere von dem, das in den 1950er Jahren, als das Autorenkino entstand, die Welt beherrschte. In erster Linie ist hier die bereits erwähnte Konzentration auf eine Persönlichkeit zu beobachten. Sie zeigt sich in langen Aufnahmen des Gesichts einer Figur, während ihr Geist mit lebenswichtigen Gedanken und emotionalen Spannungen beschäftigt ist. Die lange Fokussierung auf Antoines Gesicht, als er in einem Polizeiauto transportiert wird, ist ein Beispiel für dieses Merkmal des Auteurismus. Die Schlussszene von The 400 Blows ist ebenfalls ein Beispiel für diese Besonderheit, da sie den Zuschauer mit dem Gefühl zurücklässt, dass etwas unvollendet ist, und ihm die Möglichkeit gibt, die weitere Entwicklung des Lebens der Figur selbst zu gestalten. Es gibt zahlreiche weitere Beispiele für die spezifischen Filmtechniken, die Francois Truffaut verwendet hat, wie z. B. Aufnahmen aus der Luft, lange Fokussierungen auf einige unbedeutende Details, Schwarz-Weiß-Filme usw. All dies lässt den Schluss zu, dass Francois Truffaut einer der Väter des Autorenfilms war, und sein Film The 400 Blows ist ein leuchtendes Beispiel für diese kinematografische Bewegung.
Darüber hinaus wurde die Entwicklung des Autorenkinos durch Roberto Rossellini maßgeblich gefördert. Der für diese Analyse ausgewählte Film von ihm ist Indien aus dem Jahr 1958. Die größte Besonderheit dieses Films ist die Abweichung vom normalen, chronologischen Ablauf der Ereignisse, wie er vom Erzähler dargestellt wird. Dies ist auch die Hauptbesonderheit von Rossellinis Stil – der Protest gegen die Norm und der Versuch, den Film so informativ und verständlich wie möglich für den Zuschauer zu gestalten. Aus diesem Grund sind die Filme von Roberto Rossellini in der Regel weit von der traditionellen Art des Filmens entfernt – der Einsatz des Erzählers in der dritten Person kann plötzlich durch den in der ersten Person ersetzt werden, während die Erzählung selbst, die als Spielfilmelement präsentiert wird, plötzlich Teil eines Dokumentarfilms werden kann. All diese Eigenheiten gelten auch für Indien.
Zunächst einmal beeindruckt der Film durch seine unkonventionelle Struktur sowie durch die große Menge an Informationen, die er präsentiert. Außerdem sind diese Mengen aufgrund der bereits erwähnten Filmstruktur leicht zu verstehen. Es geht darum, dass Indien aus vier so genannten Vignetten besteht, von denen jede eine Geschichte von gewöhnlichen Menschen erzählt, die in den sozio-politischen Kontext des Lebens in Indien kurz nach der Erlangung der Unabhängigkeit gestellt wird. Der Film von Francois Truffaut hingegen hat eine lineare Struktur der Ereignisse, und in diesem Unterschied lässt sich die Vielschichtigkeit des Autorenfilms beobachten. So erzählen einige Vignetten die Geschichte von Menschen, die ihre Familien wegen Arbeitslosigkeit verlassen mussten, um an anderen Orten Arbeit zu suchen, Geschichten über Tiere, die, nachdem sie unter Menschen gelebt haben, in der Verwirrung zwischen der tierischen und der menschlichen Welt zurückbleiben, wenn ihre Wirte sterben, usw.
Was den Film noch unkonventioneller macht, ist die Tatsache, dass auf die Vignetten die dokumentarischen Ausschnitte folgen, die die belebten Straßen und überfüllten Märkte von Bombay zeigen. Die Schwarz-Weiß-Episoden, die zwischen den als Vignetten präsentierten Geschichten der Erzähler eingefügt sind, lassen den Zuschauer die Besonderheiten des indischen Lebens in den 1950er Jahren besser erkennen. Der scharfe Kontrast zwischen den romanhaften Erzählungen und den rein wissenschaftlich-dokumentarischen Episoden ermöglicht es dem Zuschauer, die Idee der Vignetten zu begreifen. Im Vergleich zu Francois Truffauts Film mit seinem rein beschreibenden Charakter ist India ein informativerer Film, der eine andere Seite des Autorenkinos widerspiegelt – die Konzentration auf das Private im allgemeinen Kontext.
Die Symbolik des Autorenkinos bleibt jedoch auch in Rossellinis Film erhalten, und zwar in Form der Darstellung der persönlichen Tragödien gewöhnlicher Menschen im Rahmen der gesellschaftlichen Entwicklung und der Fortsetzung des Lebens. Im Vergleich zu Francois Truffaut verwendet Rossellini mehr Verallgemeinerungen und lässt seinen Film nicht zu einem persönlichen Bericht über die Härten des Lebens werden. Die Analyse der beiden Autorenfilme lässt also den Schluss zu, dass der Autorenfilm als kinematografische Bewegung ein vielschichtiges Phänomen ist. Er kann sowohl intra- als auch interpersonell sein, d. h. der Zuschauer kann entweder die persönlichen Erfahrungen des Hauptdarstellers und des Regisseurs sehen oder in den allgemeineren, gesellschaftlichen Kontext eingeführt werden und die gleichen Phänomene, d. h. die Erfahrungen und Ideen des Autors und der Protagonisten, im Zusammenhang mit dem allgemeinen Bild der menschlichen Beziehungen sehen.