Amerikanisches Kino
Das Thema des klassischen und des postklassischen amerikanischen Kinos ist seit langem Gegenstand einer Debatte in der Filmwissenschaft. Einige Wissenschaftler wie Bordwell argumentieren, dass das Wesen des Hollywood-Films über die Jahre hinweg sehr ähnlich geblieben ist. Andere hingegen widersprechen dieser Ansicht und bestehen darauf, dass es konkrete Grenzen für die klassische Ära des Hollywoodfilms gibt. In diesem Aufsatz möchte ich für Bordwells Standpunkt argumentieren und zeigen, dass die postklassischen Blockbuster-Filme weitgehend auf dem basieren, was Bordwell, Staiger und Thompson als standardisierte Praktiken des klassischen Hollywood-Kinos bezeichneten.
Maltby zeigt, wie sich der allgemeine sozioökonomische Kontext, in dem die Filme der 1920er bis 1950er Jahre entstanden, in ihrer Struktur widerspiegelt. Die Studios versuchten, ihre Gewinne zu maximieren, indem sie sicherstellten, dass die Regisseure und Drehbuchautoren bewährte Stile, Genres und Standards anwandten. Bordwell et al. skizzieren diese verallgemeinerte Struktur. Sie zeigen zum Beispiel, dass die Chronologie klassischer Hollywood-Filme rein linear ist, die Handlung aus Ursache-Wirkungs-Ketten besteht, der Protagonist zielorientiert ist und das Ende geschlossen ist und keine losen Enden hat.
Wenn wir jedoch an die postklassischen Hollywood-Produktionen denken, scheint die Anwendung einer einzigen verallgemeinerten Praxis praktisch unmöglich. Das postklassische Hollywood brachte eine Vielzahl neuer Veröffentlichungsmuster, die die potenziellen Gewinne vervielfachten und neue Herausforderungen mit sich brachten. Das Publikum ist sehr viel vielfältiger geworden, was es für die Studios zu einer ernsthaften Herausforderung macht, einen echten Massenfilm zu produzieren. Können wir nach all diesen Veränderungen sagen, dass der Kern des Hollywood-Films derselbe geblieben ist?
Trotz der allgemeinen Entwicklung der Branche blieb der sozioökonomische Kontext der postklassischen Hollywood-Filmproduktion derselbe. Die Globalisierung der Filmindustrie ermöglichte es zudem, durch den weltweiten Vertrieb noch mehr Einnahmen zu erzielen. Die Studios waren mehr denn je bestrebt, die Rentabilität ihrer Produktionen durch die Herstellung so genannter Blockbuster-Filme sicherzustellen.
Daher waren die Standards der klassischen Filmindustrie, die darauf ausgerichtet waren, dass die Filme rentabel waren, in der post-klassischen Ära genauso relevant wie in den 1950er Jahren. Betrachten wir als Beispiel TItanic. Der Film spielte an den Kinokassen weltweit über 2 Milliarden Dollar ein und war damit der zweitprofitabelste Film der Geschichte. Obwohl der Film in der postklassischen Ära gedreht wurde, entspricht er den allgemeinen Standards des klassischen Films. Obwohl der Film in der Vergangenheit spielt, gibt es einen ausgeprägten, linearen Zeitrahmen; die Erzählung besteht aus Ursache-Wirkungs-Ketten, die für den Zuschauer klar und verständlich sind.
Die Protagonisten unterscheiden sich deutlich von den übrigen Figuren und sind zielorientiert. Das tragische Ende ist abgeschlossen und die Geschichte endet, so dass der Zuschauer keine Fragen mehr hat, wie es weitergehen könnte. Die einzigen erkennbaren Unterschiede zwischen Titanic und den klassischen Hollywood-Filmen sind diejenigen, die notwendig sind, um den Film visuell ansprechender zu gestalten, z. B. der Umfang der Produktion, der Einsatz von Spezialeffekten und der Schnitt.
Trotz der größeren Vielfalt blieben die profitabelsten Filme der postklassischen Ära in ihrem Stil und ihrer Struktur den vor den 1950er Jahren produzierten Filmen sehr ähnlich. Sogar die heutigen Blockbuster weisen dieselbe Struktur auf, weshalb ich glaube, dass das klassische Hollywood nicht nur die postklassische Ära des Films, sondern auch die heutige Filmindustrie weitgehend definiert hat.
Internationales Kino
Seit dem Ende des Zweiten Weltkriegs wird die internationale Zusammenarbeit in allen Bereichen des Lebens stark betont. Der Einfluss dieser Tendenz auf die Kunst war besonders ausgeprägt. Die Popularisierung internationaler Filmfestivals beispielsweise ermöglichte es Filmemachern aus der ganzen Welt, ihre Kunst zu verbreiten. Die Expansion der großen Studios in verschiedene Teile der Welt ermöglichte es den Ländern, zusammenzuarbeiten und wirklich internationale Filme zu produzieren.
Für mich bedeutet der Begriff “international” im Zusammenhang mit der Filmindustrie, dass Filme nicht mehr nur eine einzige kulturelle Identität haben, sondern dass ein internationaler Film eine Sammlung verschiedener Identitäten ist. Dies kann sich im Genre, in der Handlung, in den Drehorten oder in jedem anderen Teil des Films widerspiegeln. Die asiatische Filmindustrie ist ein hervorragendes Beispiel für dieses Konzept.
Der koreanische Film wurde weitgehend von der allgemeinen Entwicklung der koreanischen Filmindustrie beeinflusst. Bis in die 1990er Jahre war der Anteil koreanischer Filme am Filmmarkt des Landes gering. Die Entwicklung der nationalen Filmindustrie wurde durch die Unterstützung der Regierung erreicht. Der Anteil der inländischen Filme hat sich verdoppelt. Allerdings ist das koreanische Kino heute in seinem Wesen nicht ganz “national”.
Obwohl es das Ziel koreanischer Filmemacher ist, mit Hollywood zu konkurrieren, sind die populärsten Filme in ihrem Stil und ihren Themen den Hollywood-Filmen sehr ähnlich. Die koreanischen Blockbuster sind gut durchdacht, nutzen Spezialeffekte und Kampfchoreografien; die Drehbücher entsprechen den Standards amerikanischer Filme. Diese Hollywood-Struktur wird durch eine nationale Identität ergänzt, die sich in den Drehorten, den Darstellern oder den behandelten sozialen Themen zeigt und so zu einem Beispiel für einen wirklich “internationalen” Film wird.
Der japanische Anime ist eines der bekanntesten Beispiele für Produktionen der japanischen Filmindustrie. Jeder Film dieses Genres weist eine Reihe von Unterscheidungsmerkmalen auf, die den Anime als eine “nationale” Kunstform definieren. Zum Beispiel spielen die Geschichten fast ausschließlich in Japan. In vielen Fällen befasst sich die Handlung mit japanischer Folklore oder anderen traditionellen Themen. Dennoch ist der Einfluss der Globalisierung auf dieses Genre ebenfalls sehr ausgeprägt, und eines der Ergebnisse dieses Einflusses ist die Entmenschlichung, die postapokalyptischen Szenarien und die Science-Fiction-Motive, die in vielen neueren Anime-Filmen zu finden sind.
Die Faszination der Anime-Schöpfer für Roboter, Maschinen und futuristische Themen ist leicht zu erklären. Diese Ideen sind überall auf der Welt beliebt, und wenn man sie aufgreift, hat das Produkt mehr Chancen, international anerkannt zu werden. Eine Mischung aus japanischer Tradition und globalen Trends führt auch dazu, dass Anime-Filme immer “internationaler” werden.
Insgesamt hat mir die Bandbreite an Filmen und Themen, die in diesem Jahr behandelt wurden, ein besseres Verständnis für das Kino in verschiedenen Ländern und Teilen der Welt vermittelt. Ich fand die Erforschung der Auswirkungen der Globalisierung auf die Filmindustrie verschiedener Länder sehr spannend. Es ist allgemein bekannt, dass die Globalisierung unterschiedliche Auswirkungen auf verschiedene Länder und Personen haben kann.
Als Reaktion auf die zunehmende internationale Zusammenarbeit verspüren einige das Bedürfnis, ihre nationale Identität zu stärken; andere hingegen nutzen die Möglichkeiten, die die Globalisierung bietet, wie Reisen, kulturellen Austausch und Handel. In der Filmindustrie sind die Auswirkungen der Globalisierung jedoch deutlich spürbar. Das Kino in der ganzen Welt wird weitgehend international, nicht nur in Bezug auf die Art und Weise, wie es produziert und vertrieben wird, sondern auch in Bezug auf seine Themen und Inhalte.