Amerikanische Kunst seit 1945 bis zum Feminismus Essay

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Topic: Geschichte der Kunst

Einführung

Natürlich war die Nachkriegszeit eine wichtige Zeit für die Entwicklung der Kunst. Das gesellschaftliche Leben und die Kultur bekamen eine neue Bedeutung für die Wahrnehmung der Kunst. Die Menschen traten in die neue Ära der Postmoderne ein; daher hatten sowohl Autoren als auch Maler eine wunderbare Chance, realistischere, gewagtere und ausdrucksstärkere Kunst zu schaffen. Nach dem Zweiten Weltkrieg bekamen die Menschen eine neue “Botschaft” von den Kunstautoren, denn diese Zeit bedeutete einen Neuanfang, der die Entwicklung der Kunst bis zum Feminismus und der zeitgenössischen Kunst stark beeinflusste.

Amerikanischer Abstrakter Expressionismus 1950er Jahre

Die amerikanische Kunst seit 1945 lässt sich also einfach als eine Periode sozialer und kultureller Veränderungen beschreiben. Die Kunstwerke der Nachkriegszeit können als Durchbruch und als Beginn der Erforschung neuer Formen und Methoden bezeichnet werden. Die Amerikaner der Nachkriegszeit waren durstig nach neuen Strömungen in der Kunstkultur.

Es gibt eine Kunstbewegung, über die es sich sicherlich lohnt, neben allen anderen zu sprechen: eine Kunstbewegung, die nach dem Zweiten Weltkrieg stattfand und ein amerikanisches Spezifikum der Nachkriegskunstgeschichte war – der abstrakte Expressionismus. Es muss gesagt werden, dass diese Kunstrichtung nun ein Markenzeichen Amerikas war, das einen weltweiten Einfluss der Kunst unseres Landes bedeutete. Überraschenderweise gelang es den Vereinigten Staaten, eine führende Rolle in der ganzen Welt zu übernehmen, die sie von Paris, Frankreich, ablösten, dessen frühere Rolle unbestreitbar war. So wurde New York City zum Zentrum der Kunstwelt. Der abstrakte Expressionismus war die so genannte Kontroverse zwischen den jungen amerikanischen Künstlern und den europäischen Künstlern im Exil, die damals in New York lebten.

Die gesamte Bewegung steht für die Verbindung von emotionaler Kraft und Selbstdarstellung der europäischen abstrakten Schulen: Futurismus, Bauhaus und Synthetischer Kubismus. Ich wage sogar zu behaupten, dass diese Bewegung als die revolutionärste in der amerikanischen Kunstgeschichte angesehen wurde. Im Allgemeinen lässt sich diese Bewegung der Nachkriegszeit in zwei Gruppen einteilen: Action Painting und Color Field and Hard-Edge Painting.

Wenn ich über Action Painting (Ende der 1940er bis Ende der 1950er Jahre) spreche, muss ich einen prominenten Maler erwähnen, Jackson Pollock, der zweifellos die führende Figur des abstrakten Expressionismus war. Es muss gesagt werden, dass die Bedeutung der von ihm geschaffenen Werke durch seine Psyche und seine Lebensenergie impliziert wurde. Er schüttete und spritzte lediglich Farbe auf die Leinwand und sagte, dass dies ein Ausdruck seiner inneren Sinne sei, als ob die in ihm brodelnden Emotionen durch diese Art des Malens direkt auf die Leinwand übertragen würden. Er pflegte zu sagen: “Wenn ich in meiner Malerei bin, bin ich mir nicht bewusst, was ich tue” und “Wenn ich male… kann ich den Fluss der Farbe kontrollieren; es gibt keinen Zufall.” Er machte seine Leinwand zum Schauplatz von Aktionen, die zu erstaunlichen, impulsiven und etwas absurden Bildern führten. Es war ein Sekundenbruchteil, der auf der Leinwand zum Leben erwachte.

Schließlich verlor die Bewegung in den 1960er Jahren ihren Einfluss. In der Folgezeit entstanden andere Bewegungen, die auf den abstrakten Expressionismus reagieren und gegen ihn rebellieren sollten. Das waren vor allem die Pop Art und der Minimalismus.

Pop-Art-Kultur

Mit der Entwicklung des Fernsehens ist die Pop Art – die populäre Kunst – auf dem festen Boden aufgetaucht. Viele Maler interessierten sich dafür, ihre Talente zu verbessern und die neue Strömung der Kunst durch Werbung, Bilder von Massenmedien, Comics und Konsumgütern zu zeigen. Das war ein völlig neuer Kunstzweig, der seinen Platz in der Geschichte Großbritanniens und der Vereinigten Staaten von Amerika in den 1950er und 1960er Jahren einnahm.

Ich kann nicht umhin, das Hauptmerkmal der Pop Art zu skizzieren. Die Künstler betrachteten den abstrakten Expressionismus als eine große Kluft zwischen der Kunst und dem Leben selbst und bezeichneten die Bewegung als zu intellektuell und realitätsfern. Daher wollten die Pop-Art-Künstler das alltägliche Umfeld in die Kunst einbeziehen, so dass jeder Mensch, ungeachtet der sozialen Schicht, sie verstehen und genießen kann. Es liegt also auf der Hand, warum sich die Künstler von Bierflaschen und Suppendosen inspirieren ließen. Manchmal konnte sogar ein Straßenschild als schönes Objekt dienen, um es in Gemälden und Skulpturen zu verkörpern.

Andy Warhol war ein prominenter Filmemacher und Maler, der die Pop-Art-Kultur anschaulich vertrat. Er zeichnete Bilder und wiederholte diese mehrmals. Heutzutage kann man seine Werke leicht erkennen, da er etwa zwanzig ähnliche Objekte in einem Bild darstellte. Eines der berühmtesten Bilder, das in der ganzen Welt bekannt ist, ist das Gemälde “Marilyn grün, rosa, rot und gold”. Anhand dieses Meisterwerks kann man das Wesen der populären Kunst wirklich verstehen, denn Merlyn Monroe war die populärste Person der damaligen Zeit.

Minimalismus

Eine weitere Bewegung, die als Gegenbewegung zum abstrakten Expressionismus aufkam, war der Minimalismus. Natürlich war er das genaue Gegenteil von dem, was die Menschen vorher kannten. Er präsentierte ein Minimum an Farben, Objekten, Formen und Linien. Man nannte sie auch ABC-Kunst, Minimal Art oder Reduktionismus. Es handelte sich um eine totale Vereinfachung der Form, die Werke sollten selbstreferentiell sein. Dies geschah, um den Bewunderern zu zeigen, dass die rein visuellen Elemente wichtiger waren als alle anderen Details.

Einer der herausragenden Künstler, die der minimalistischen Bewegung verbunden sind, war Solomon “Sol” LeWitt (9. September 1928 – 8. April 2007). Er wurde in den 1960er Jahren durch seine “Strukturen” (wie er seine Skulpturen zu nennen pflegte) und die Wandzeichnungen sehr bekannt. Sol LeWitt hatte Einzelausstellungen in Galerien auf der ganzen Welt. Diese waren wirklich erstaunlich, da sie sowohl die Standardgröße als auch die Größe von monumentalen Werken im Freien haben konnten.

Feminismus

Seitdem sich die Kunstformen ausnahmsweise innerhalb des männlichen Kunsthandwerks entwickelt haben, wurde die Rolle der Frauen im Rahmen der Haushaltspflichten stark unterschätzt. Es liegt auf der Hand, dass Quilten, Sticken, Porzellanmalerei und Nähen über Jahrhunderte hinweg nicht die nötige Aufmerksamkeit erhielten. Durch die feministische Bewegung änderte sich die Situation in den 1960er Jahren jedoch grundlegend, was auf die Arbeiten von Künstlern wie Adrian Piper zurückzuführen ist. Das Frauenhandwerk wurde von nun an vom reinen Handwerk zur hohen Kunst erhoben. Diese Zeiten im amerikanischen Kunsterbe waren bedeutsam für das Überdenken der Rolle der Frau nicht nur in der Kunstsphäre, sondern auch im Konzept des gesellschaftlichen Lebens. Lucy Lippard beschreibt den Versuch der Frauen, sich ihrer Fesseln zu entledigen, indem sie stolz die Schürzenbänder abbinden – und in einigen Fällen die Schürze anbehalten, sie zur Schau stellen und sie in Kunst verwandeln (S.135).

Schnur, Filz, Faden: Die Hierarchie von Kunst und Handwerk in der amerikanischen Kunst

Elissa Auther, außerordentliche Professorin für zeitgenössische Kunst an der University of Colorado, Colorado Springs, hat ein wunderbares Buch String, Felt, Thread: The Hierarchy of Art and Craft in American Art geschrieben, das den Studenten in jedem College als Leitfaden für den Kunst- und Designkurs dienen sollte, weil es eine schöne Darstellung der reduzierten Rolle der Frauen in der Kunst der 1960er und 70er Jahre ist, weil sie ihre Kunst nur als dekorativ, nicht-künstlerisch, handwerklich oder als Frauenarbeit betrachten. (Autorin, S.54) Das Buch berührt das wichtige Thema der zeitgenössischen Kunstimplementierung. Es spricht über die feministischen Arbeiten in der Faserindustrie, die die Autorin als einen Versuch der Politisierung des Handwerks beschreibt.

Insgesamt untersucht das Buch die Rolle der Faser in der Kunst der 1960er und 1970er Jahre. Der Autor schildert professionell die Art und Weise, wie Kunstgrenzen und Hierarchien die Weltkunst und unseren Eindruck davon als Betrachter, Maler usw. formten.

Am Ende des Buches erklärt Auther ausdrücklich, wie die Faser allgemein verwendet wurde. Außerdem ist es äußerst interessant, wie Elissa Auther Techniken der Faserverwendung durch moderne Künstler hervorhebt, während das gleiche Handwerk in den späten 1970er Jahren als karrieregefährdend angesehen worden wäre.

Schlussfolgerung

Um dem Ganzen die Krone aufzusetzen, muss ich zugeben, dass die zeitgenössische Kunst seit Anfang des zwanzigsten Jahrhunderts enorme Veränderungen durchlaufen musste, um so zu werden, wie wir sie heute sehen. Kein Wunder, dass sie heute so vielfältig und unterschiedlich ist. Seit dem abstrakten Expressionismus hat sich die Kunst durch den Feminismus auf viele unerwartete Arten ausgedrückt, was für uns – die Zeitgenossen des neuen Jahrhunderts – ein hervorragendes Ergebnis ist, um die großen Veränderungen der amerikanischen Kultur zu sehen. Seit dem Aufkommen des abstrakten Expressionismus, aus dem viele nachfolgende Kunstbewegungen hervorgingen, hat das amerikanische Kunsterbe eine reiche und wertvolle Geschichte. Nachdem ich die amerikanische Kunst seit 1945 bis zum Feminismus kennen gelernt habe, kann ich sagen, dass die Kunst ihre reichste Entwicklung in Bezug auf Erfahrung und Wohlstand durchgemacht hat.

Zitierte Werke

Autorin, Elissa. Schnur, Filz, Faden: The Hierarchy of Art and Craft in American Art. Minneapolis, Universität von Minnesota Press. 2009. Drucken

Lippard, Lucy. From the Center: Feministische Essays zur Kunst von Frauen. New York: E.P. Dutton, 1976. Gedruckt.